Soy Montse Badia, historiadora del arte y comisaria de exposiciones y proyectos. Soy co-fundadora y directora de A*DESK.
Me preocupa la estandarización que vivimos y la pérdida de derechos. Creo que el análisis del pasado es crucial para entender el presente. Todo esto lo traslado al trabajo curatorial y al ámbito editorial partiendo de la investigación y la transdisciplinariedad.
El programa de este año abordará algunas de las cuestiones clave que definen actualmente a las galerías y al mercado del arte: desde la evolución del papel y la relevancia de las galerías y las motivaciones de la próxima generación de coleccionistas, hasta la transformación del mercado del arte en línea, el estado actual del arte digital y las crecientes convergencias entre el arte y el lujo.
Paralelamente a estos debates, el simposio seguirá situando la experiencia de los galeristas en el centro del programa, con conversaciones que explorarán cómo se configuran y mantienen en el tiempo las propuestas distintivas de las galerías, así como entrevistas dedicadas a reflexionar sobre la trayectoria de destacados galeristas internacionales.
Con la participación de: Ignasi Aballí (artista), Georgina Adam (periodista y escritora), Montse Badia (historiadora y crítica de arte), Jennifer Chert (ChertLüdde), Carolina Ciuti, (Curator/exibart.es), Massimo De Carlo (MASSIMODECARLO), Natasha Degen (Sotheby’s Institute of Art, New York), Michael Elmgreen (Elmgreen & Dragset), Pau Escat (Escat Gallery), Alexander Forbes (Artsy/Artnet), Marc Francés (coleccionista), Victor Gisler (Mai 36 Galerie), Carles Guerra (curator e investigador), Llucià Homs (Talking Galleries), Phin Jennings (escritor e investigador), Samuel Leuenberger (curator/SALTS), Mischa Lustin (Galerista), Pedro Maisterra (Maisterra), Divya Pande (Victoria Miró), Rosario Peiró (Museu Picasso Barcelona), Miguel Ángel Sánchez, (ADN Galeria), Tom Seymour (The Art Journal), Pau Waelder (Niio Art), and Jocelyn Wolff (Galerie Jocelyn Wolff).
Location: Auditori Meier, MACBA Museu d’Art Contemporani de Barcelona (Plaça del Àngels, 1, Barcelona).
Admission is free, but registration is required as seating is limited. Register here
Organized by CIMAM (the International Committee for Museums and Collections of Modern Art) in collaboration with MACBA Public Programs, this panel will explore what ethical principles should guide the management of a museum collection today.
Museum collections are among the most important cultural assets entrusted to museums. Yet recent international cases have revealed how vulnerable they can become when governance structures change, ownership shifts, or political and economic interests take precedence over their long-term stewardship.
As museums navigate increasingly complex questions around acquisition, stewardship, provenance, restitution, access, sustainability, and accountability, collection management is being redefined as a fundamentally ethical practice rather than solely a technical or administrative one.
Recent developments, including the newly adopted ICOM Code of Ethics, highlight the growing importance of public trust, cultural rights, community participation, transparency, and responsible stewardship in shaping decisions about collections.
In this conversation, Doryun Chong, Chair of CIMAM’s Museum Watch Committee and Artistic Director and Chief Curator of M+, Hong Kong; Amanda de la Garza, President of CIMAM and Deputy Artistic Director of the Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid; and Claudia Segura, Head of Collection at MACBA, Museu d’Art de Contemporani de Barcelona, will explore the particular challenges faced by modern and contemporary art museum collections.
Moderated by Montse Badia, art historian, critic, curator, and cultural researcher based in Barcelona, this panel will also consider how museums can respond to increasingly complex political, economic, and institutional contexts while protecting collections as bodies of knowledge and ensuring their long-term public value.
These are the same questions that have prompted CIMAM to launch a new international research initiative to develop aGlossary on Ethical Principles for Collection Management.
Invited Speakers:
Doryun Chong
Doryun Chong, Artistic Director and Chief Curator, M+, Hong Kong SAR, China. Photo: Dan Leung. Image courtesy of M+, Hong Kong
Doryun Chong is Artistic Director and Chief Curator, M+, Hong Kong, Asia’s first global museum of visual culture of the 20th and 21st centuries. He joined M+ in September 2013 as its inaugural Chief Curator and also became Deputy Director, Curatorial in January 2016. Since October 2024, he has served as Artistic Director. He oversees all content-related aspects, including exhibitions, collections, learning and interpretation, publishing, and digital content, across the museum’s three main disciplinary areas of design and architecture, moving image, and visual culture.
Before joining M+, Chong developed his museum career in the United States. He studied art history and anthropology at the University of California, Berkeley, where he also completed graduate work in art history focused on non-Western modern and contemporary art, particularly in East Asia. He has held curatorial positions at the Asian Art Museum of San Francisco, the Walker Art Center in Minneapolis, and the Museum of Modern Art in New York.
Amanda de la Garza Mata (Mexico, 1981) Lives and works in Madrid, Spain.
Amanda de la Garza. Deputy Artistic Director, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS), Madrid, Spain
She is currently Deputy Artistic Director at Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía in Madrid. She is the President of CIMAM (International Committee for Museums and Collections of Modern Art) for the period 2026-2028. From 2020 to 2024, she was General Director of Visual Arts and of the University Museum of Contemporary Art (MUAC) at UNAM in México City, one of the most important art museums in Latin America. Trained in Curatorial Studies, Art History, Anthropology and Sociology, between 2012 and 2019 she worked as an associate curator at MUAC. She has curated and coordinated more than 30 exhibitions of modern and contemporary art, archival exhibitions, and public art projects. She has published essays, interviews and reviews in catalogues, books and specialized magazines. She was a member of the board of ICOM Mexico from 2021 to 2024.
Claudia Segura Campins
Claudia Segura Campins (Barcelona, 1984) is currently Head of Collection at MACBA (Museu d’Art Contemporani de Barcelona), following her role as Curator of Exhibitions and Collection at the same institution since 2019. Her curatorial work includes several presentations of MACBA’s Collection, as well as numerous solo exhibitions, most notably the first monographic exhibition of performance artist María Teresa Hincapié.
She holds a BA in Humanities from Pompeu Fabra University in Barcelona (2007) and an MA in Contemporary Art Theory from Goldsmiths, University of London (2008). From 2015 to 2019, she was Director and Chief Curator of NC-arte in Bogotá, Colombia, where she curated numerous site-specific projects by artists such as Amalia Pica, Luis Camnitzer, Xavier Le Roy, Nicolás Paris, Nicolás Consuegra, Los Carpinteros, Do Ho Suh, and Alia Farid, among others.
Previously, she worked as a cultural project coordinator at Fundación “la Caixa” in Barcelona (2010–2012), served as an external curator for the Mardin Biennial in Turkey (2014–2015), and acted as mentor at the Sala d’Art Jove in Barcelona (2014) and at the Cano Laboratory at the National University Museum in Bogotá (2018). She was also a visiting lecturer at the Universidad de los Andes in Bogotá (2017).
She has curated projects in Spain, Colombia, Los Angeles, Chicago, Mexico City, Turkey, Lisbon, Miami and London. She frequently contributes to exhibition catalogues, gives lectures, and writes for specialized art publications.
Moderator:
Montse Badia
Montse Badia. Photo by Agus Izquierdo.
Montse Badia is an art historian, critic, curator, and cultural researcher based in Barcelona.
She has contributed to numerous international publications, including Transversal, arts.zin, Untitled (London), NU: The Nordic Art Review (Stockholm), Tema Celeste (Milan), ARCO, and Bonart. Her curatorial work has been presented at institutions including De Appel (Amsterdam), Apexart (New York), Künstlerhaus Bethanien (Berlin), Fundació Joan Miró, MACBA – Museu d’Art Contemporani de Barcelona, MNAC – Museu Nacional d’Art de Catalunya and Fundación «la Caixa», among others. She has served as associate curator of Espai 13 at Fundació Joan Miró and of the Centre d’Art Santa Mònica. She has also been a member of the advisory committee of the Yaxs Foundation and artistic director of the contemporary art collection Cal Cego.
She is co-founder and director of A*DESK. Independent Institute of Criticism and Contemporary Art, and director of the Master’s Degree in Contemporary Art: Context, Mediation and Management at IL3 – Universitat de Barcelona.
Recently she has also participated in several studies on the Catalan contemporary art ecosystem commissioned by CONCA (Catalan National Council for Culture and the Arts) and served as rapporteur for the framework document on remuneration standards for visual arts professionals promoted by the Government of Catalonia.
Montse Badia is a member of AICA (International Association of Art Critics) and ACCA (Catalan Association of Art Critics).
AQUA ET TEMPUS o la arqueología de la anticipación
Los ríos ejemplifican una de las grandes paradojas de nuestra relación con la naturaleza. Sabemos que son sistemas vivos, pero hemos aprendido a mirarlos como recursos que se pueden gestionar. Buena parte del trabajo de Àlvar Calvet se sitúa precisamente en esta tensión.
En Aqua et Tempus estas preocupaciones se concentran alrededor del río Aniene. La exposición reúne el trabajo llevado a cabo durante la residencia de Calvet en el Lacio entre 2024 y 2025 y da continuidad a Siete lugares, siete almas y Las siete almas del Aniene. El Aniene, un afluente del Tíber, recorre un territorio en el que se acumulan restos arqueológicos y sistemas hidráulicos. Calvet se aproxima al río como quien intenta leer un paisaje escrito y reescrito muchas veces.
La arqueología ocupa un lugar central. Cabezas, corazones, candiles en forma de trucha, estandartes, monedas de sedimentos y pequeños templos de agua parecen desplazados de su tiempo. A Calvet le interesa la condición ambigua del objeto. Son restos de lo que ha ocurrido, pero también anticipaciones de una relación con el agua que todavía no sabemos imaginar.
Las piezas proceden de la experiencia alrededor del Aniene, de los encuentros con personas vinculadas al río y de acciones que configuran una liturgia laica. Caminar, ofrecer y enterrar son los tres momentos de la procesión Las siete almas del Aniene. Caminar ajusta el cuerpo a otra escala; ofrecer establece una relación que no parte de la posesión; enterrar introduce un gesto contrario a la extracción.
El ritual no es una evocación romántica de la naturaleza, sino una manera de introducir otro tiempo para la atención. Los objetos dan forma a lo que queda fuera de los lenguajes de la gestión, como la experiencia de un lugar y la desaparición de una especie. El candil con forma de trucha remite a una especie desaparecida del Aniene; los siete templos de agua se relacionan con siete puntos concretos del río y con las tensiones propias de cada uno. Uno de estos templos ya ha formado parte de una procesión y de un entierro; los otros seis, preparados para futuras procesiones y entierros, permanecen como formas de anticipación. Las monedas hechas con sedimentos introducen, a su vez, una pregunta sobre el valor.
El agua no se puede separar de la geopolítica. Su circulación, distribución o retención determina relaciones entre territorios y comunidades. El río hace visibles conflictos del presente: el agua como bien común y como recurso económico, y la voluntad de controlar sus ciclos.
En Siete lugares, siete almas Calvet tiene los ojos tapados y es guiado por siete personas hacia distintos lugares del Aniene. La ceguera funciona como método que obliga a escuchar y aceptar la mediación de personas que conocen y cuidan el río. No ver se convierte en una manera de atender lo que queda fuera de la vista.
Entre la arqueología y la anticipación, entre la memoria y el cuidado, los objetos de Aqua et Tempus son como cápsulas de tiempo, conservan la memoria de lo que ha pasado y mantienen abierta la posibilidad de lo que todavía no ha pasado. La cuestión no es solo qué hemos perdido, sino qué somos capaces de cuidar todavía.
Baremos retributivos para profesionales de las artes visuales tiene como finalidad establecer un documento marco sobre las retribuciones de personas comisarias y artistas por los trabajos llevados a cabo en centros de arte contemporáneo integrados en el Sistema Público de Equipamientos de Artes Visuales ( SPEAV ).
El objetivo principal es proponer unos baremos salariales orientativos que fomenten la dignificación del trabajo cultural y que los centros se comprometan a aplicar.
La propuesta es una iniciativa de la Dirección General de Derechos Culturales, Creación y Bibliotecas del Departamento de Cultura de la Generalidad de Cataluña y ha sido elaborada conjuntamente por representantes de centros del Sistema Público de Equipamientos de Artes Visuales (SPEAV) , y las asociaciones profesionales PAAC (Plataforma Asamblearia de Artistas de Cataluña) y ACCA (Asociación Catalana de Crítica de Arte). Montse Badia ha llevado a cabo la relatoría de este documento.
El CCCB es una institución que, de manera coherente a lo largo de su trayectoria, se ha definido como «un centro cultural multidisciplinar dedicado a explorar los grandes temas de la sociedad contemporánea mediante distintos lenguajes y formatos». En sus treinta y dos años de historia, cuestiones como la inteligencia artificial, el cerebro, la cultura de los suburbios o figuras procedentes de ámbitos diversos —Chris Ware, Agnès Varda, Stanley Kubrick, el marqués de Sade o, más recientemente, Mercè Rodoreda— han articulado programas expositivos y públicos capaces de desplegar múltiples aproximaciones y niveles de lectura.
El culto a la belleza aborda uno de esos grandes temas universales. Como señalaba Umberto Eco, la belleza constituye una aspiración compartida por todas las culturas, aunque nunca haya sido una categoría absoluta ni inmutable. Su vigencia resulta especialmente significativa en el presente, cuando continúa siendo una construcción social profundamente condicionada por la industria estética, la economía de la atención y las redes sociales. La exposición parte de un posicionamiento cultural y político que no pretende tanto definir qué es la belleza como analizar los mecanismos que sostienen su culto.
La muestra es, en realidad, una adaptación de la exposición homónima presentada en la Wellcome Collection de Londres en 2023. A la comisaria original, Janice Li, se han sumado las investigadoras blanca arias y Júlia Llull, cuya aportación amplía el relato inicial e incorpora perspectivas más plurales, críticas y abiertas a las disidencias.
El recorrido expositivo se inicia de forma deliberadamente cronológica, guiando al visitante a través de los ideales de belleza clásicos, sustentados en principios de proporción, género y virtud. Sin embargo, esa narrativa aparentemente estable se ve interrumpida por trabajos artísticos que introducen fisuras y cuestionamientos. Las obras de Lorenza Böttner o Carlos Motta, entre otras, problematizan esos modelos normativos y evidencian hasta qué punto la belleza ha funcionado históricamente como un dispositivo de inclusión y exclusión.
A medida que avanza la exposición, comienzan a desmoronarse dicotomías como bello/feo o virtud/fracaso, aunque otras continúan operando con fuerza, especialmente la asociación entre belleza y juventud. Las formas de exclusión persisten, aunque adopten nuevas configuraciones. Del exotismo colonial, capaz de cosificar cualquier forma de alteridad, se pasa a mecanismos contemporáneos de invisibilización vinculados a la raza, el género o la identidad. Frente a ello, colectivos trans, queer y no binarios han desarrollado estrategias de autoexpresión, resistencia y construcción de memoria colectiva. En este contexto, los retratos de Colita dedicados a la comunidad gitana, el proyecto Humanae de Angélica Dass, con su amplio espectro de tonalidades de piel, o los retratos trans de Norma Pérez dialogan de manera especialmente eficaz con los planteamientos de la exposición.
La muestra se adentra después en la compleja relación entre belleza, medicina y ciencia. Desde las prácticas cosméticas del antiguo Egipto hasta los ideales anatómicos del Renacimiento, el recorrido desemboca en el presente, donde la obsesión por la imagen —resultado extremo de la sociedad del espectáculo— se ve amplificada por la comercialización de productos farmacéuticos, tratamientos estéticos y procedimientos quirúrgicos. Los nuevos cánones ya no se asocian necesariamente a la proporción o a la virtud, sino cada vez más a la capacidad adquisitiva. La belleza aparece así como un privilegio susceptible de comprarse, con consecuencias que afectan tanto a la salud física como al bienestar emocional. ¿Cómo identificar estas formas de control para conquistar mayores espacios de autonomía? ¿Dónde termina el deseo individual y dónde comienza la presión colectiva? Las obras de Marina Vargas y Arvida Byström apuntan precisamente hacia ese desbordamiento de los límites normativos, haciendo visibles las restricciones que subyacen a cualquier canon.
La instalación Mirror, Mirror on the Wall, de Xcessive Aesthetics, sitúa al visitante frente a un espejo deformante en el que se refleja la contaminación visual que acompaña nuestra experiencia cotidiana. Un flujo incesante de imágenes, filtros, algoritmos y modelos aspiracionales que consumimos a través de las redes sociales y del que resulta cada vez más difícil sustraerse y que genera numerosas preguntas: ¿Quién establece hoy los cánones de belleza: las instituciones culturales, la industria estética, los algoritmos o las redes sociales? ¿Cómo afectan los filtros, la inteligencia artificial y la edición digital a nuestra percepción de nosotros mismos? ¿Puede existir una estética de la diferencia que no sea absorbida por el mercado? ¿Estamos asistiendo a una democratización de la belleza o a una sofisticación de sus mecanismos de control? ¿Es posible imaginar una sociedad menos obsesionada con la apariencia? ¿Qué perdemos cuando convertimos la belleza en una obligación?
Pero El culto a la belleza no se limita al espacio expositivo. Como es habitual en el CCCB, la propuesta se amplía mediante un sólido programa público que cuenta con la participación de pensadores y especialistas como Eloy Fernández Porta, Remedios Zafra y las propias comisarias. A ello se suma un programa formativo dirigido a jóvenes LGTBIQ+, coordinado por Cordova y desarrollado junto a artistas como ¥E$Si PERSE y Toni Hervás, así como el ciclo cinematográfico Bellas y eternas, comisariado por Desirée de Fez para las Gandules 2026. La selección de películas de fantasía y ciencia ficción aborda cuestiones como la juventud, la presión estética o la obsesión por preservar la belleza, prolongando en la pantalla muchas de las preguntas planteadas por la exposición.
Más que ofrecer respuestas definitivas, El culto a la belleza invita a reconsiderar críticamente una idea que solemos dar por sentada. Porque, si la belleza nunca ha sido una categoría neutral, quizá el verdadero desafío consista en preguntarnos quién la define, quién se beneficia de ella y quién queda inevitablemente fuera de sus límites.
La exposición El culto a la belleza, comisariada por Janice Li, blanca arias y Júlia Llull así como su programa público puede visitarse y seguirse en el CCCB hasta el 8 de noviembre de 2026.
El Informe anual del CoNCA es un documento público que analiza el estado de la cultura y las artes en Cataluña, revisando las principales tendencias, datos y políticas culturales del año anterior. También evalúa la acción de las administraciones públicas en materia cultural e identifica retos estructurales del sector. Por último, propone recomendaciones estratégicas para fortalecer el ecosistema cultural catalán y orientar las políticas futuras.
“Es crucial revalorizar el arte y la cultura, destacando su impacto social. Las instituciones deben enfocarse en calidad y sostenibilidad en lugar de rapidez. El sistema está saturado e insostenible, y es hora de reinventarse”.
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