El trabajo de Simon Starling consiste en una intensa b\u00fasqueda que comprende viajes, investigaci\u00f3n y la posibilidad de realizar conexiones entre diferentes lugares, objetos y circunstancias hist\u00f3ricas y culturales. Los planteamientos de Starling, tan humor\u00edsticos como eruditos, acostumbran a ser peculiares. Desarrolla proyectos espec\u00edficos, en relaci\u00f3n a contextos determinados. Sus viajes \u2013que son tanto o m\u00e1s importantes como el destino o el resultado final\u2013 revelan relaciones escondidas, narrativas sumergidas, historias en proceso de transformaci\u00f3n de un objeto o sustancia en otro. Contrapone literal y metaf\u00f3ricamente diferentes estructuras y din\u00e1micas. Revela conexiones entre tiempos y lugares distintos. Sus investigaciones son, como su propia etimolog\u00eda indica, recorridos “en pos de una huella” o “en busca de una pista”. En su pensamiento y en sus procesos de trabajo un paso sigue a otro, un descubrimiento lleva a una nueva conexi\u00f3n. Como en un laboratorio, el margen de error forma parte del propio proceso. Como en una reacci\u00f3n en cadena, se crean nuevas referencias o nuevas relaciones que contribuyen a maneras diferentes de mirar, pensar y actuar.<\/p>\n
Y al final de toda investigaci\u00f3n aparece el relato. Starling es un investigador, un viajero y tambi\u00e9n un narrador. Los textos y libros que acompa\u00f1an sus obras forman parte intr\u00ednseca de \u00e9stas. Las informaciones que aporta son esenciales para poder acercarnos al proceso y a las conexiones que establece. La relaci\u00f3n entre narraci\u00f3n y escultura es constantemente renegociada y explorada. As\u00ed, las narraciones acompa\u00f1an a obras de una fuerte presencia en el espacio expositivo. Sus proyectos adoptan la forma de instalaciones, de objetos elegantemente fabricados, de fotograf\u00edas, filmes o libros. Starling combina y baraja las estrategias t\u00e9cnicas y conceptuales de la misma manera que juega con todo el bagaje cultural que tiene a sus espaldas.<\/p>\n
Cambios de escala<\/p>\n
Las exposiciones que Simon Starling presenta en el Centro de Arte Contempor\u00e1neo de M\u00e1laga y en la Tate St Ives comparten un mismo punto de partida: una intervenci\u00f3n directa en la arquitectura de las instituciones para, a continuaci\u00f3n, articular un grupo de trabajos que giran en torno a las ideas de cambio de escala, de miniaturizaci\u00f3n y de magnificaci\u00f3n, as\u00ed como de transferencia de datos en una forma f\u00edsica o escult\u00f3rica y viceversa, la traducci\u00f3n de formas reales en archivos de datos. Ambas exposiciones son complementarias y en ambos casos la relaci\u00f3n con el lugar se ve alterado. La noci\u00f3n de historia tambi\u00e9n desempe\u00f1a un papel importante cuando nos referimos a las recientes historias pol\u00edticas y arquitect\u00f3nicas en el caso de las nuevas obras creadas para el CAC M\u00e1laga, y a los antiguos recursos geol\u00f3gicos que constituyeron la base econ\u00f3mica de Cornwall como regi\u00f3n minera, al igual que la historia cultural m\u00e1s inmediata del pueblo de St. Ives como colonia internacional de arte modernista.<\/p>\n
En la Tate St Ives, Starling empieza confrontando dos instituciones muy distintas y distantes, al introducir en el edificio de la Tate una copia a escala 1:1 del espacio de exposiciones del Pier Arts Centre en Orkney, Escocia. Tanto la Tate St Ives como el Pier Arts Centre dan al mar, la primera en la punta m\u00e1s septentrional de las Islas Brit\u00e1nicas y el segundo en la parte m\u00e1s al oeste. Ambas instituciones guardan una intensa relaci\u00f3n con la colonia de artistas del siglo XX en St. Ives (1). Hace un par de a\u00f1os, Starling mostr\u00f3 su obra de diapositivas Autoxylopyrocycloboros (2006) en el Pier Arts Centre. Para este trabajo, naveg\u00f3 por el Loch Long en Escocia, en un peque\u00f1o barco de vapor “customizado” que se alimentaba de la propia madera del barco, hasta que finalmente qued\u00f3 reducido a la m\u00ednima expresi\u00f3n y se hundi\u00f3. Por una parte, esta pieza se inspira en la cultura de protesta de la zona contra los submarinos nucleares, puesto que son abundantes en esas mismas aguas. Por otra, la obra constituye una buena muestra del humor, cercano a los dibujos animados de Tom y Jerry o del artista dan\u00e9s Peter Land (2). La reconstrucci\u00f3n de la galer\u00eda Orkney en la Tate crea una fusi\u00f3n espectacular de estos dos espacios dispares, y la sala reproducida \u2013en el espacio curvo, con cristalera, de la galer\u00eda Tate St Ives\u2013 aparece como una especie de barco en una botella. La obra sigue la senda de otras esculturas arquitect\u00f3nicas que Starling ha realizado en los \u00faltimos a\u00f1os y que a menudo regresan a una narrativa o relato hist\u00f3rico, pero en este caso casi representa y reinvestiga literalmente un pedazo de su propia \u201chistoria reciente\u201d. Autoxylopyrocycloboros se vuelve a instalar en el espacio, exactamente como antes, acompa\u00f1ada ahora por otra obra, un cuadro de un barco a vapor pintado por el pescador y artista de St. Ives Alfred Wallis. Realizado en St. Ives hacia 1934, el cuadro ahora forma parte de la colecci\u00f3n del Pier Arts Centre, y volver\u00e1 a St. Ives dentro del \u201ccasco\u201d del espacio reproducido de la galer\u00eda, a la deriva respecto a su sitio habitual. De esta manera, se crea una especie de narrativas sumergidas, de doble bucle en el que todos los elementos y situaciones aparecen relacionados.<\/p>\n
La obra central de la exposici\u00f3n en M\u00e1laga, 1:1, 1:10, 1:100 (2010) trabaja a partir de la propia realidad del edificio que acoge el museo, el antiguo Mercado de Mayoristas, una construcci\u00f3n de l\u00edneas rectas y cuerpos c\u00fabicos, que respeta la forma triangular del solar. Si la sala principal de exposiciones subraya la forma triangular de la planta del museo, Starling redunda en este aspecto, al mostrar una maqueta parcial del museo. Por un lado, el artista presenta dentro del espacio, una maqueta a menor escala del centro. Por otro lado, propone la realizaci\u00f3n de una nueva, pero esta vez utilizando materiales extra\u00eddos de la propia construcci\u00f3n del museo, retirados de algunos muros para hacer posible esta construcci\u00f3n. La idea de utilizar los propios muros del museo es, tal como el artista comentaba en una conversaci\u00f3n el pasado mes de octubre, “una manera de desnudar el nuevo museo para revelar la arquitectura de tipo fascista de finales de los a\u00f1os 30 que esconde debajo. No es m\u00e1s que una manera l\u00fadica de hablar de la amnesia inducida por los nuevos muros y paneles que cubren la fachada frontal del museo”.<\/p>\n
La nueva maqueta realizada por Starling acoge la maqueta del museo, que no es visible, sino que se encuentra “encerrada en la nueva maqueta”, casi enterrada como si se tratara de un mausoleo. Como si de un juego de mu\u00f1ecas rusas se tratara, se crea un espacio h\u00edbrido entre el modelo y la propia arquitectura, de manera que el museo acoge su maqueta y, al mismo tiempo, genera otra a partir de sus propios materiales, en una suerte de bucle de escalas, materiales y funcionalidades diferentes. Como recordaba Sean Lynch en un texto con motivo de la exposici\u00f3n que Simon Starling present\u00f3 en Limerick(3) el trabajo de Simon guarda relaci\u00f3n con los planteamientos de los protagonistas del libro The Third Policemen (1967) de Flann O’Brien. El libro, que de alguna forma se relaciona con la teor\u00eda de los \u00e1tomos (entre otras, sigue la teor\u00eda at\u00f3mica que postula la hibridaci\u00f3n progresiva del ciclista y la bicicleta por cambio de materia), cuenta con una serie de personajes bastante peculiares que van desde un cient\u00edfico exc\u00e9ntrico, hasta un condenado a muerte, para hablar de la forma en que el mundo es construido, deconstruido o reconstruido. Uno de esos personajes, un polic\u00eda que hace de artesano en su tiempo libre, construye una peque\u00f1a caja de madera que contiene otra exactamente igual y as\u00ed sucesivamente hasta veintinueve, de las cuales s\u00f3lo trece son visibles.<\/p>\n
Gestos de modificaci\u00f3n<\/p>\n
A partir de este trabajo en relaci\u00f3n a los edificios del CAC M\u00e1laga y de la Tate St Ives, sigue un conjunto de obras centradas en la noci\u00f3n de part\u00edculas o \u00e1tomos que trabajan a partir de la idea de transferencia de los datos o los c\u00f3digos de una imagen en una forma f\u00edsica o escult\u00f3rica y viceversa. Es el caso de Particle Projection (Loop) (2007). Como en la mayor\u00eda de trabajos de Simon Starling, el punto de partida se basa en el contexto. En este caso, el proyecto fue pensado con motivo de la inauguraci\u00f3n del centro de arte Wiels, en Bruselas, ubicado en una antigua destiler\u00eda. Para ello, Starling tom\u00f3 dos referencias de la cultura belga que, como es habitual en \u00e9l, acabaron conect\u00e1ndose: un edificio paradigm\u00e1tico de los a\u00f1os 50 y un artista fundamental pionero de toda una corriente de pr\u00e1cticas art\u00edsticas posteriores basadas en la “cr\u00edtica institucional”. Con todas estas referencias, tomadas como material de trabajo, el artista produce una nueva imagen de una tecnolog\u00eda a punto de desaparecer.<\/p>\n
Las referencias y sus conexiones constituyen en s\u00ed mismas una historia que es fundamental explicar aqu\u00ed. En el a\u00f1o 1957, el artista Marcel Broodthaers trabaj\u00f3 como obrero en el edificio del Atomium, dise\u00f1ado por Andr\u00e9 Waterkeyn para la Feria Internacional de Bruselas del a\u00f1o 1958. La arquitectura del edificio es una representaci\u00f3n esquem\u00e1tica de un cristal de metal, el s\u00edmbolo abstracto del concepto de \u00e1tomo. Broodthaers registr\u00f3 la construcci\u00f3n del pabell\u00f3n mediante una serie de fotograf\u00edas, m\u00e1s tarde publicadas en el peri\u00f3dico Le Patriote Illustr\u00e9. Cuando cincuenta a\u00f1os despu\u00e9s de su construcci\u00f3n, el edificio del Atomium fue restaurado, sustituyendo el aluminio envejecido por nuevos paneles triangulares, se hizo una serie de fotograf\u00edas en blanco y negro que reproduc\u00edan exactamente las que en su d\u00eda hab\u00eda realizado Broodthaers. En un laboratorio qu\u00edmico berlin\u00e9s, se tom\u00f3 uno de los negativos de las fotograf\u00edas que documentaban la restauraci\u00f3n del Atomium. El negativo fue despojado de su capa de gel, con lo que las part\u00edculas de plata del revelado quedaron al descubierto. Bajo un microscopio electr\u00f3nico, los fragmentos de estas part\u00edculas presentaban una apariencia esponjosa y fantasmal y configuran un tipo diferente de “arquitectura”, poblada de estructuras laber\u00ednticas en constante mutaci\u00f3n. Una de esas part\u00edculas fue devuelta de nuevo a la pel\u00edcula fotogr\u00e1fica, pero en este caso notablemente ampliada, lo que le otorga ciertas connotaciones espectrales.<\/p>\n
Particle Projection (Loop) se puede mostrar tanto como proyecci\u00f3n o como objeto en forma de instalaci\u00f3n en dos vitrinas, con la pel\u00edcula en 35 mil\u00edmetros y los contactos ampliados de las fotograf\u00edas originales, que evidencian esta idea de bucle. En este sentido, Starling concibe sus trabajos no tanto como un elemento singular, sino m\u00e1s bien como una constelaci\u00f3n de objetos, textos, im\u00e1genes, libros o incluso charlas, que de alguna manera est\u00e1n vinculados al cuerpo del trabajo.<\/p>\n
Traducciones morfol\u00f3gicas. El caso Moore<\/p>\n
La traducci\u00f3n es otra noci\u00f3n clave para Starling. Cercano a la visi\u00f3n “on translation” del artista Antoni Muntadas, transforma o traduce una cosa en otra, del lenguaje a los c\u00f3digos, de la ciencia a la tecnolog\u00eda, de lo visible a lo invisible… Y, sobre todo, le interesa lo que sucede en el proceso, lo que cambia, lo que se pierde y lo que aparece, las relaciones que se establecen. Siguiendo con la idea de la transferencia de datos, Project for a Meeting (Chicago) (2010) es un nuevo trabajo en el que el artista retoma su inter\u00e9s por la obra de Henry Moore, uno de los escultores emblem\u00e1ticos del movimiento moderno. Las alusiones y referencias a la modernidad son habituales en los proyectos de Starling. Por un lado, como evidencia del fracaso de las utop\u00edas y, por otro, como recuperaci\u00f3n de aquel impulso nost\u00e1lgico. Project for a Meeting (Chicago) consiste en una serie de tres uranotipos y forma parte de una investigaci\u00f3n sobre la historia de dos esculturas muy similares de Henry Moore, Atom Piece y Nuclear Energy, que existen en dos contextos muy contradictorios: el lugar donde se cre\u00f3 el primer reactor nuclear, en la Universidad de Chicago, es decir, los inicios del llamado Proyecto Manhattan para desarrollar las primeras bombas at\u00f3micas para ser utilizadas en tiempos de guerra, y el Hiroshima City Museum of Contemporary Art, ciudad que padeci\u00f3 las nefastas consecuencias de la bomba at\u00f3mica. La serie de tres im\u00e1genes creadas por Starling propone una reuni\u00f3n ficticia entre estas dos obras casi id\u00e9nticas, a excepci\u00f3n de su tama\u00f1o. Para cerrar este c\u00edrculo de relaciones, los uranotipos han sido realizados mediante un proceso de revelado, ya casi olvidado, cuyo principal ingrediente es un compuesto de \u00f3xido de uranio.<\/p>\n
La relaci\u00f3n entre Atom Piece y Nuclear Energy es significativa. Atom Piece fue un modelo de trabajo para Nuclear Energy. El propio Moore explicaba como le lleg\u00f3 el proyecto: “aunque suene extra\u00f1o yo tuve la idea para esta escultura antes de que el Profesor McNeill y sus colegas de la Universidad de Chicago vinieran a verme un domingo por la ma\u00f1ana para hacerme la propuesta. Me explicaron (algo que yo conoc\u00eda vagamente) que Fermi, el f\u00edsico nuclear italiano, hizo sus primeros experimentos con \u00e9xito de fisi\u00f3n nuclear controlada en un edificio provisional. Creo que era un edificio de madera, que desde fuera no parec\u00eda en absoluto que estuviera albergando algo de tanta importancia. El experimento fue llevado a cabo en secreto y tener \u00e9xito significaba que el hombre era capaz de controlar una fuerza enorme tanto con una finalidad pac\u00edfica como destructiva. Vinieron a mi y me dijeron que pensaban que el lugar en el que un acontecimiento tan importante tuvo lugar deb\u00eda ser se\u00f1alado y me preguntaron si quer\u00eda hacer una escultura para ese lugar” (4).<\/p>\n
Esta no es la primera vez que Starling se interesa por el trabajo y la figura de Henry Moore. En Silver Particle\/Bronze (After Henry Moore) (2008), toma una foto peque\u00f1a en blanco y negro, registrada por el propio Moore de su escultura Reclining Figure No. 4. A partir de ah\u00ed, hace un corte circular en la fotograf\u00eda, extrayendo la imagen de una de las part\u00edculas de plata. El detalle fue escaneado y manipulado hasta conseguir un modelo en 3D que fue traducido en forma de escultura que finalmente mostraba un aspecto muy parecido a las del escultor brit\u00e1nico. De hecho, el m\u00e9todo de trabajo del propio Moore consist\u00eda en realizar peque\u00f1os modelos que sus asistentes ampliaban hasta conseguir sus caracter\u00edsticas esculturas.<\/p>\n
El paso de fotograf\u00eda a escultura a partir de una cadena de reproducci\u00f3n, remite a la materialidad de la obra, puesto que considera la fotograf\u00eda no s\u00f3lo por su valor como imagen, soporte de memoria o documento, sino tambi\u00e9n como recept\u00e1culo de part\u00edculas met\u00e1licas o, como el artista ha comentado en alguna ocasi\u00f3n, “como un campo de esculturas potenciales”.<\/p>\n
El inter\u00e9s de Starling en Moore tiene que ver sin duda con su condici\u00f3n de escultor de la modernidad, pero tambi\u00e9n con su investigaci\u00f3n acerca de las instituciones art\u00edsticas. Project for a Masquerade (Hiroshima) (2010) es un trabajo que forma parte de la exposici\u00f3n en tres partes que el artista est\u00e1 desarrollando para The Modern Institute de Glasgow, Hiroshima City Museum of Contemporary Art y The Gallery of Modern Art de Edimburgo, Starling profundiza en el estudio de las conexiones entre Moore y la Guerra Fr\u00eda. Project for a Masquerade consiste en la presentaci\u00f3n de nueve personajes, protagonistas de Eboshi-ori, una obra de teatro tradicional japon\u00e9s Noh. Seis de los personajes est\u00e1n representados por una m\u00e1scara realizada en madera; dos de ellos por m\u00e1scaras de bronce y uno por un sombrero. La obra narra la historia de un joven noble que con la ayuda de un fabricante de sombreros, se disfraza para escapar y empezar una nueva vida en el este del Jap\u00f3n. En esta historia de reinvenci\u00f3n personal, Starling situa a personas del entorno de Moore, en el contexto de la Guerra Fr\u00eda, para hablar de la doble vida de Atom Piece, que naci\u00f3 como una escultura aut\u00f3noma que m\u00e1s tarde sirvi\u00f3 de modelo para Nuclear Energy y tuvo que cambiar de nombre, entre otras cosas, porque la palabra “piece” del t\u00edtulo pod\u00eda confundirse con “peace”, un vocablo en las ant\u00edpodas del contexto nuclear y de Guerra Fr\u00eda.<\/p>\n
Los protagonistas de Project for a Masquerade (Hiroshima) son, entre otros, Henry Moore, que es el fabricante de sombreros; Enrico Fermi como el mensajero; Joseph Hirshorn como Kumasaka, un bandido oportunista; James Bond como el mercader de oro; Anthony Blunt como la mujer del sombrerero y Atom Piece-Nuclear Energy como Ushikawa, el joven noble. La mezcla de personajes reales y fict\u00edcios o que el protagonista sea una escultura, as\u00ed como el rol femenino otorgado a Anthony Blunt no dejan de ser rasgos del fino sentido del humor del artista. Anteriormente Starling hab\u00eda realizado conexiones entre Moore y la Guerra Fr\u00eda al analizar su relaci\u00f3n con Anthony Blunt, un doble agente que trabaj\u00f3 para la NKVD de la Uni\u00f3n Sovi\u00e9tica y para el M15 del gobierno brit\u00e1nico. Blunt fue tambi\u00e9n bien conocido en el mundo del arte por su papel como profesor de historia del arte en la Universidad de Londres, cr\u00edtico de arte, defensor del trabajo de Moore, y director del Courtauld Institute of Art de Londres. Con las obras Project for a Meeting (Chicago) y Project for a Masquerade (Hiroshima), Starling analiza el papel de Moore como autor del homenaje al padre de la energ\u00eda nuclear, sin olvidar que Moore fue uno de los patrocinadores p\u00fablicos de la Campa\u00f1a por el Desarme Nuclear. Rizando a\u00fan m\u00e1s el rizo, por ese mismo periodo Moore vendi\u00f3 una cincuentena de esculturas a Joseph Hirshhorn \u2013un empresario y coleccionista que se defin\u00eda como “Mr. Oportunidad”\u2013 que hizo su fortuna en el negocio del petr\u00f3leo, la venta de oro y las perspectivas de uranio en Canad\u00e1 en los 60.<\/p>\n
La existencia f\u00edsica de la fotograf\u00eda<\/p>\n
En otra obra reciente, 300:1 (After Wilhelm Wagenfeld) (2010) Starling vuelve al inter\u00e9s por la fotograf\u00eda como receptor de sentido y tambi\u00e9n como elemento del que explorar su existencia f\u00edsica a partir de los elementos que forman las im\u00e1genes, que son presentados en 3D. La obra consiste en una serie de bolas de cristal negro soplado, una serie de impresiones offset y alfileres para colgar las fotograf\u00edas. Las im\u00e1genes muestran objetos de vidrio dise\u00f1ados por la bauhaus, inspirados en dise\u00f1os del movimiento moderno. El tama\u00f1o de las bolas de cristal se corresponde con el de los puntos de las perforaciones de los alfileres que sujetan las im\u00e1genes en la pared. Este trabajo surge como consecuencia de una gran instalaci\u00f3n realizada por el artista en Pouges-les-Eaux, Francia, en el a\u00f1o 2009 y que ten\u00eda por t\u00edtulo La Source (demi-teinte). Originariamente en ese lugar, que era un antiguo emplazamiento balneario, se embotellaba agua de propiedades especiales. En su instalaci\u00f3n La Source, Starling coloc\u00f3 una caja de luz que mostraba una reproducci\u00f3n ampliada de una fotograf\u00eda de principios del siglo XX en el que pod\u00eda verse el suelo del edificio en el que ahora expon\u00eda, cubierto de filas ordenadas de botellas. Al fondo de la imagen pod\u00edan verse los trabajadores. El artista hizo un recorte circular en la imagen, creando. Ya dentro del edificio, construy\u00f3 una pasarela que recorr\u00eda uno de los estrechos pasillos, mientras una serie de rampas conectaban las pasarelas con las escaleras que conduc\u00edan a las salas superiores. Sobre el suelo de hormig\u00f3n gris, se distribu\u00edan 1036 esferas de cristal negro hechas a mano en seis tama\u00f1os distintos. El efecto era de una gran red que reflejaba de manera distorsionada la arquitectura del propio edificio. La conexi\u00f3n entre las bolas de cristal negro y la imagen original era tan directa como remota: el c\u00edrculo que el artista recort\u00f3 de la fotograf\u00eda, fue ampliado a la escala del edificio, de manera que cada uno de los puntos de impresi\u00f3n fue “traducido” en sus correspondientes bolas de cristal negro. Observado desde el balc\u00f3n superior, las esferas pod\u00edan leerse como secciones de dos de las botellas y un fragmento del suelo, de la imagen de la caja de luz.<\/p>\n
Si La Source fue un proyecto extremadamente complejo 300:1 (After Wilhelm Wagenfeld) se presenta como una escala menor del mismo proyecto, que alude de una manera m\u00e1s precisa al ambiguo espacio entre la manufactura en masa y el trabajo \u00fanico y artesanal.<\/p>\n
Piedras, evoluci\u00f3n y difusi\u00f3n<\/p>\n
En el caso de Archaeopteryx Litographica (2008), las conexiones se realizan entre las teor\u00edas de la evoluci\u00f3n y un tipo de tecnolog\u00eda de reproducci\u00f3n que contribuy\u00f3 a la difusi\u00f3n de las primeras. La obra consiste en dos elementos complementarios: una escultura y un conjunto de impresiones de plata. La escultura, “Archaeopteryx Lithographica”, toma su nombre de uno de los f\u00f3siles m\u00e1s importantes encontrados en la historia. Con esta obra, Starling explora un momento clave en el siglo XIX en el que la intensificaci\u00f3n de la impresi\u00f3n offset tuvo una gran incidencia en la difusi\u00f3n de las teor\u00edas de la evoluci\u00f3n que mediante el f\u00f3sil encontrado hab\u00edan podido establecer una relaci\u00f3n entre los dinosaurios y las aves.<\/p>\n
Archaeopteryx se convierte as\u00ed en una serie litogr\u00e1fica compuesta por seis litograf\u00edas que encadena las diversas realidades de la imagen: la reproducci\u00f3n litogr\u00e1fica de la fotograf\u00edas del texto, la fotograf\u00eda de la litograf\u00eda de los f\u00f3siles de piedra litogr\u00e1fica, la impresi\u00f3n litogr\u00e1fica de la fotograf\u00eda de los f\u00f3siles, etc.<\/p>\n
Viajes a trav\u00e9s de la historia y la t\u00e9cnica<\/p>\n
Siguiendo con esta idea transferir datos de un medio a otro, incluso de una dimensi\u00f3n a otra, cabe destacar la pieza D1-Z1 (22,686,575:1) (2009). El trabajo hace referencia a la que fue considerada como la primera computadora programable del mundo, la Z1 que fue dise\u00f1ada en 1936 por el ingeniero y artista Konrad Zuse (1910-1995) y ocupaba toda una habitaci\u00f3n. Con 172 bytes de memoria y capacidad para sumar, restar, multiplicar y dividir, la Z1 fue financiada de manera privada y literalmente fabricada en casa de los padres de Zuse en Berl\u00edn. Completado en 1938 el equipo fue “programado” con alimentaci\u00f3n de cinta perforada en un lector. Zuse grab\u00f3 sus programas en pel\u00edcula fotogr\u00e1fica de 35 mm.<\/p>\n
D1- Z1 muestra una secuencia de 30 segundos en la que se ve la imagen de la propia maquinaria en acci\u00f3n. Como es habitual en Starling, la laboriosidad que acompa\u00f1a sus procesos de trabajo parece en ocasiones descomunal para los resultados que se obtienen y, en otras ocasiones, parecen simplemente acercarse a una cr\u00edtica a la presi\u00f3n por la efectividad y la econom\u00eda del tiempo actuales. De este modo, las im\u00e1genes de D1 – Z1 (22,686,575:1) se generaron utilizando tecnolog\u00eda de animaci\u00f3n, incluyendo programas de renderizaci\u00f3n producidos en Berl\u00edn. La generaci\u00f3n de esta simple secuencia de 30 segundos de animaci\u00f3n, que representa el lector de pel\u00edculas perforadas (una peque\u00f1a parte de la gran m\u00e1quina), requiere 3.992.837,240 bytes de informaci\u00f3n, es decir, m\u00e1s de 22 millones de veces la memoria de la Z1. Esta reconstrucci\u00f3n virtual generada por ordenador, se transfiri\u00f3 luego a una pel\u00edcula de 35 mm y fue exhibida en otra pieza representativa de la tecnolog\u00eda alemana de mediados de siglo, un proyector Dresde D1, modificado para poder proyectar en bucle. En la imagen proyectada que aparece con una cierta indefinici\u00f3n, se muestra la propia maquinaria en acci\u00f3n, con la pel\u00edcula movi\u00e9ndose a trav\u00e9s de la m\u00e1quina. Tan hipn\u00f3tico como formalista, el trabajo no deja de ser un homenaje a la perseverancia de Zuse, muy cercana a la del propio Starling, sin esconder una aproximaci\u00f3n un tanto humor\u00edstica a una manera de hacer bien lejana de la actual. De hecho, todas estas m\u00e1quinas o t\u00e9cnicas recogidos en estos proyectos, desde el ordenador de Zuse hasta los revelados con uranio o la manera artesanal de trabajar el vidrio durante el per\u00edodo moderno son utilizados por el artista como elementos para reflexionar sobre una realidad contempor\u00e1nea, que se nos presenta mucho m\u00e1s desmaterializada.<\/p>\n
De esta manera, Starling realiza un viaje entre dos contextos, hist\u00f3ricos y t\u00e9cnicos. Combina la alta tecnolog\u00eda con la baja tecnolog\u00eda, para producir una imagen del primer prototipo de calculadora programable. El inter\u00e9s de Starling en la imagen parte de la relaci\u00f3n que puede establecer con la m\u00e1quina que la reproduce, con una voluntad de mostrar el dispositivo, lo que \u00e9ste representa y sus connotaciones hist\u00f3ricas y sociales.<\/p>\n
Al igual que otro trabajo anterior, Wilhelm Noak oHG (2006) \u2013en el que una pel\u00edcula en 35 mil\u00edmetros proyecta la construcci\u00f3n de una escalera, mientras la pel\u00edcula f\u00edsica se va enrollando alrededor de esta misma escalera\u2013, D1-Z1 (22,686,575:1) documenta su modo de fabricaci\u00f3n. En ambos casos, reencontramos el bucle en relaci\u00f3n a la historia de la t\u00e9cnica y al soporte en pel\u00edcula, que se actualizan en un espacio cargado de nuevas implicaciones.<\/p>\n
Seis grados de separaci\u00f3n<\/p>\n
El proceso de trabajo de Starling, en el que se va estableciendo una cadena de relaciones, que a priori parecer\u00edan inimaginables, entronca con la teor\u00eda propuesta en el relato Chains (1929) del escritor h\u00fangaro Frigyes Karinthy, y popularizada en una obra teatral de John Guare, basada en la idea de que cualquier persona del mundo puede estar conectada a cualquier otra a trav\u00e9s de una cadena de conocidos que no tiene m\u00e1s de cinco intermediarios. Los seis grados de separaci\u00f3n con los que trabaja Starling no conectar\u00edan \u00fanicamente personas, sino tambi\u00e9n hechos, situaciones y descubrimientos.<\/p>\n
Three Birds, Seven Stories, Interpolations and Bifurcations (2008), que cuenta la historia de un arquitecto europeo al que el Maharajah de India le encarg\u00f3 llevar a cabo un ambicioso proyecto arquitect\u00f3nico. En 1929, el joven Maharajah de Indore, Yeswant Rao Holkar (1908-1961) educado en Europa, encarg\u00f3 al arquitecto alem\u00e1n Eckart Muthesius (1904-1989) el dise\u00f1o de un palacio. El proyecto acab\u00f3 convirti\u00e9ndose en uno de los edificios m\u00e1s representativos de la modernidad europea en cuanto a dise\u00f1o y tecnolog\u00eda e incluy\u00f3 algunos trabajos de nombres tan destacados como Le Corbusier, Eileen Grey, Marcel Breuer, Lilly Reich y Constantin Brancusi que plane\u00f3 un Templo de la Liberaci\u00f3n en el que se alojar\u00edan algunas de sus esculturas de p\u00e1jaros, pero que no lleg\u00f3 a realizarse. El palacio cont\u00f3 tambi\u00e9n con instalaciones de aire acondicionado \u2013no habituales en India\u2013 que fueron instaladas por Heinz Riefenstahl, hermano de la famosa cineasta Leni Riefenstahl.<\/p>\n
En este entramado de nombres y contextos, realidad y ficci\u00f3n acaban encontr\u00e1dose y el propio Starling alude al testimonio de Muthesius, el arquitecto, que en cierta forma “ficcionaliz\u00f3” su implicaci\u00f3n en el proyecto, de manera que cuando present\u00f3 el trabajo ante un p\u00fablico europeo, retoc\u00f3 las im\u00e1genes, escondiendo el tejado que no encajaba con los ideales de la modernidad.<\/p>\n
Otro proyecto que habla de viajes es Red Rivers (In Search of the Elusive Okapi) (2009), que cuenta la expedici\u00f3n llevada a cabo en el Congo Belga por el zo\u00f3logo Herbert Lang. Este viaje, que fue esponsorizado por el Museo de Historia Natural de Nueva York, ten\u00eda como motivo la b\u00fasqueda del okapi, un mam\u00edfero rumiante parecido a una peque\u00f1a jirafa. Starling filma un viaje en canoa, que toma como modelos las canoas tradicionales del siglo XIX construidas en Norteamericana, que pinta con rayas marrones, para recordar a un okapi. El viaje se inicia en una zona boscosa (que podr\u00eda emular al Congo) y finaliza en la ciudad de Nueva York. El periplo finaliza en el lugar donde empez\u00f3 la aventura de Lang, en el Museo de Historia Natural de Nueva York, ante el diorama en el que aparece un okapi. Al igual que Lang hizo miles de fotograf\u00edas y registr\u00f3 por primera vez la imagen de un okapi, que revel\u00f3 en una sala de revelado fotogr\u00e1fico que improvis\u00f3 en una tienda de campa\u00f1a, Starling film\u00f3 las fotograf\u00edas de su viaje bajo la luz roja de las salas de revelado fotogr\u00e1fico, de manera que da la impresi\u00f3n de que las im\u00e1genes han sido seleccionadas a partir de hojas de contactos, han sido ampliadas, reveladas, etc.<\/p>\n
La pel\u00edcula alude a la historia americana y sus complicadas relaciones con sus vecinos del otro lado del oc\u00e9ano, pero tambi\u00e9n se refiere al poder de la fotograf\u00eda como herramienta de comunicaci\u00f3n y conocimiento. El tono rojizo que remite a la luz de seguridad de las salas de revelado que convierte el r\u00edo en uno de los r\u00edos rojos del t\u00edtulo, recuerda tambi\u00e9n la tensa relaci\u00f3n geopol\u00edtica en relaci\u00f3n a la colonizaci\u00f3n.<\/p>\n
El consumo y sus paradojas<\/p>\n
Otro trabajo que conecta y colapsa geograf\u00edas y contextos es la instalaci\u00f3n The Long Ton (2009), formada por dos grandes bloques de m\u00e1rmol que, mediante un sistema de poleas, cuelgan una de otra. La mayor de las piedras, procedente de China tiene un peso de algo m\u00e1s de una tonelada, mientras que la otra piedra, de m\u00e1rmol de Carrara es su r\u00e9plica exacta, aunque su peso es la cuarta parte. La similitud entre ambas, no lo es relaci\u00f3n a su valor, puesto que pese haber viajado miles de kil\u00f3metros, la piedra procedente de China tiene el mismo valor que la pieza procedente de Carrara, a\u00fan cuando el peso y tama\u00f1o de \u00e9sta son significativamente menores.<\/p>\n
One Ton II (2005), tambi\u00e9n llama la atenci\u00f3n sobre las contradicciones y los sinsentidos del consumo en nuestro mundo global. Su discurso gira en torno a la cantidad de energ\u00eda necesaria para producir una peque\u00f1a cantidad de platino. Una tonelada de mineral extra\u00eddo de una mina descubierta de Sud\u00e1frica, lugar que muestran las fotograf\u00edas de Starling, fue necesario para producir el platino utilizado para revelar a mano las cinco copias fotogr\u00e1ficas, platinotipos, que constituyen el trabajo. De nuevo Starling alude a la complejidad de nuestro mundo. El platino, un elemento muy preciado, es necesario por ejemplo para actuar como catalizador en las c\u00e9lulas de combustibles de hidr\u00f3geno, una de las alternativas formas de producci\u00f3n de energ\u00eda m\u00e1s aconsejables para el futuro y, a la vez, recupera una t\u00e9cnica \u2013el proceso de revelado con platino, muy empleado entre 1860 y 1920\u2013 que ha quedado obsoleta.<\/p>\n
One Ton II guarda una estrecha relaci\u00f3n con Exposition, la propuesta que el artista realiz\u00f3 espec\u00edficamente para el Espai 13 de la Fundaci\u00f3 Mir\u00f3 de Barcelona, en el que contrapuso la tecnolog\u00eda contempor\u00e1nea m\u00e1s avanzada y la evoluci\u00f3n del movimiento moderno, tomando como referencia la Exposici\u00f3n Internacional de Barcelona de 1929, un verdadero escaparate tanto de la tecnolog\u00eda como del dise\u00f1o alemanes de la \u00e9poca, con unos magn\u00edficos dise\u00f1os de exposici\u00f3n creados por Lilly Reich. El punto de partida de Exposition fue tambi\u00e9n un metal precioso, el platino, que en el Espai 13 aparec\u00eda doblemente: por una parte, en las fotograf\u00edas fijadas a la pared \u2013que muestran im\u00e1genes del dise\u00f1o creado por Lilly Reich para la exposici\u00f3n de ingenier\u00eda alemana del a\u00f1o 29, obtenidas con el m\u00e9todo de impresi\u00f3n fotogr\u00e1fica con platino\u2013; por otra, en la iluminaci\u00f3n de dichas fotograf\u00edas, mediante una c\u00e9lula de combustible de hidr\u00f3geno, en cuyo funcionamiento el platino constituye tambi\u00e9n un elemento esencial, pues act\u00faa como catalizador que hace posible la reacci\u00f3n necesaria entre el hidr\u00f3geno y el ox\u00edgeno, dando como resultado la producci\u00f3n de corriente el\u00e9ctrica y una cantidad residual de agua.<\/p>\n
En las exposiciones en M\u00e1laga y St. Ives, Starling se centra en la historia reciente y las conexiones de \u00e9sta con el presente: el pasado fascista de la arquitectura del Centro de Arte Contempor\u00e1neo de M\u00e1laga; el conflictivo pasado de la Guerra Fr\u00eda; el pasado expresado a trav\u00e9s de obsoletas tecnolog\u00edas; sobre el pasado de St. Ives como pueblo minero y colonia cultural, y sobre el pasado reciente del artista a trav\u00e9s, por ejemplo, de la representaci\u00f3n de Autoxylopyrocycloboros en una r\u00e9plica a tama\u00f1o real de la galer\u00eda en la cual se hab\u00eda mostrado previamente.<\/p>\n
Ya sea construyendo maquetas a partir de material del propio edificio, inseriendo una arquitectura en otra, magnificando peque\u00f1as part\u00edculas, transformando datos en objetos tridimensionales, haciendo visibles procesos tecnol\u00f3gicos, recuperando gestas y viajes, haciendo esfuerzos desproporcionados para los resultados obtenidos o recordando rocambolescas historias, Simon Starling ha desarrollado un pensamiento y un sistema de trabajo configurado a partir de viajes, recorridos, desplazamientos, traducciones, transformaciones, superposiciones, reproducciones, bucles, giros, mezclas de g\u00e9neros, temporalidades y t\u00e9cnicas, humor, gravedad y poes\u00eda. Tal como declar\u00f3 el jurado que le otorg\u00f3 el premio Turner en el a\u00f1o 2005, Starling destaca por su “habilidad \u00fanica para crear po\u00e9ticas y unir una gran variedad de narraciones culturales, pol\u00edticas e hist\u00f3ricas”. Mediante sus deconstrucciones, reconstrucciones y relaciones, Starling no hace sino que evidenciar la complejidad de lo real, el abigarramiento del mundo en el que vivimos y su relaci\u00f3n con el pasado m\u00e1s reciente.<\/p>\n
Montse Badia<\/p>\n
Citas:<\/p>\n
1. En el caso de la Tate, se construy\u00f3 originariamente en St. Ives para celebrar y representar la colecci\u00f3n de obras de la Tate de artistas asociados a la colonia, entre ellos Barbara Hepworth, Naum Gabo, Ben Nicholson, Patrick Heron y Peter Lanyon. En el caso del Pier, alberga la colecci\u00f3n de Margaret Gardiner, mecenas y coleccionista que era asidua visitante de St. Ives a mediados del siglo pasado, quien compr\u00f3 muchas de las obras de su colecci\u00f3n a artistas que viv\u00edan y trabajaban all\u00ed.<\/p>\n
2. El artista dan\u00e9s Peter Land realiz\u00f3 un v\u00eddeo The Lake (2000) en el que vestido de cazador se dispone a cazar patos desde una barca. En su primer disparo, agujerea la barca y \u00e9sta se hunde lentamente.<\/p>\n
3. Lynch, Sean. “Simon Starling and assorted notes on The Atomic Theory”, en Concrete Light. Limerick City Gallery of Art, Limerck, 2008 (p\u00e1g. 11).<\/p>\n
4. Henry Moore citado en Art Journal, Nueva York, primavera 1973 (p\u00e1g. 286)<\/p>\n
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[Text exposici\u00f3 Simon Starlin, CAC M\u00e1laga, 2010]<\/p>\n","protected":false},"excerpt":{"rendered":"
El trabajo de Simon Starling consiste en una intensa b\u00fasqueda que comprende viajes, investigaci\u00f3n y la posibilidad de realizar conexiones entre diferentes lugares, objetos y circunstancias hist\u00f3ricas y culturales. Los planteamientos de Starling, tan humor\u00edsticos como eruditos, acostumbran a ser peculiares. Desarrolla proyectos espec\u00edficos, en relaci\u00f3n a contextos determinados. Sus viajes \u2013que son tanto o […]<\/p>\n","protected":false},"author":1,"featured_media":0,"comment_status":"closed","ping_status":"open","sticky":false,"template":"","format":"standard","meta":{"inline_featured_image":false,"footnotes":""},"categories":[27],"tags":[],"class_list":["post-1086","post","type-post","status-publish","format-standard","hentry","category-textos-ca"],"yoast_head":"\n