El culto a la belleza aborda uno de esos grandes temas universales. Como señalaba Umberto Eco, la belleza constituye una aspiración compartida por todas las culturas, aunque nunca haya sido una categoría absoluta ni inmutable. Su vigencia resulta especialmente significativa en el presente, cuando continúa siendo una construcción social profundamente condicionada por la industria estética, la economía de la atención y las redes sociales. La exposición parte de un posicionamiento cultural y político que no pretende tanto definir qué es la belleza como analizar los mecanismos que sostienen su culto.

La muestra es, en realidad, una adaptación de la exposición homónima presentada en la Wellcome Collection de Londres en 2023. A la comisaria original, Janice Li, se han sumado las investigadoras blanca arias y Júlia Llull, cuya aportación amplía el relato inicial e incorpora perspectivas más plurales, críticas y abiertas a las disidencias.

El recorrido expositivo se inicia de forma deliberadamente cronológica, guiando al visitante a través de los ideales de belleza clásicos, sustentados en principios de proporción, género y virtud. Sin embargo, esa narrativa aparentemente estable se ve interrumpida por trabajos artísticos que introducen fisuras y cuestionamientos. Las obras de Lorenza Böttner o Carlos Motta, entre otras, problematizan esos modelos normativos y evidencian hasta qué punto la belleza ha funcionado históricamente como un dispositivo de inclusión y exclusión.

A medida que avanza la exposición, comienzan a desmoronarse dicotomías como bello/feo o virtud/fracaso, aunque otras continúan operando con fuerza, especialmente la asociación entre belleza y juventud. Las formas de exclusión persisten, aunque adopten nuevas configuraciones. Del exotismo colonial, capaz de cosificar cualquier forma de alteridad, se pasa a mecanismos contemporáneos de invisibilización vinculados a la raza, el género o la identidad. Frente a ello, colectivos trans, queer y no binarios han desarrollado estrategias de autoexpresión, resistencia y construcción de memoria colectiva. En este contexto, los retratos de Colita dedicados a la comunidad gitana, el proyecto Humanae de Angélica Dass, con su amplio espectro de tonalidades de piel, o los retratos trans de Norma Pérez dialogan de manera especialmente eficaz con los planteamientos de la exposición.

La muestra se adentra después en la compleja relación entre belleza, medicina y ciencia. Desde las prácticas cosméticas del antiguo Egipto hasta los ideales anatómicos del Renacimiento, el recorrido desemboca en el presente, donde la obsesión por la imagen —resultado extremo de la sociedad del espectáculo— se ve amplificada por la comercialización de productos farmacéuticos, tratamientos estéticos y procedimientos quirúrgicos. Los nuevos cánones ya no se asocian necesariamente a la proporción o a la virtud, sino cada vez más a la capacidad adquisitiva. La belleza aparece así como un privilegio susceptible de comprarse, con consecuencias que afectan tanto a la salud física como al bienestar emocional. ¿Cómo identificar estas formas de control para conquistar mayores espacios de autonomía? ¿Dónde termina el deseo individual y dónde comienza la presión colectiva? Las obras de Marina Vargas y Arvida Byström apuntan precisamente hacia ese desbordamiento de los límites normativos, haciendo visibles las restricciones que subyacen a cualquier canon.

La instalación Mirror, Mirror on the Wall, de Xcessive Aesthetics, sitúa al visitante frente a un espejo deformante en el que se refleja la contaminación visual que acompaña nuestra experiencia cotidiana. Un flujo incesante de imágenes, filtros, algoritmos y modelos aspiracionales que consumimos a través de las redes sociales y del que resulta cada vez más difícil sustraerse y que genera numerosas preguntas: ¿Quién establece hoy los cánones de belleza: las instituciones culturales, la industria estética, los algoritmos o las redes sociales? ¿Cómo afectan los filtros, la inteligencia artificial y la edición digital a nuestra percepción de nosotros mismos? ¿Puede existir una estética de la diferencia que no sea absorbida por el mercado? ¿Estamos asistiendo a una democratización de la belleza o a una sofisticación de sus mecanismos de control? ¿Es posible imaginar una sociedad menos obsesionada con la apariencia? ¿Qué perdemos cuando convertimos la belleza en una obligación?

Pero El culto a la belleza no se limita al espacio expositivo. Como es habitual en el CCCB, la propuesta se amplía mediante un sólido programa público que cuenta con la participación de pensadores y especialistas como Eloy Fernández Porta, Remedios Zafra y las propias comisarias. A ello se suma un programa formativo dirigido a jóvenes LGTBIQ+, coordinado por Cordova y desarrollado junto a artistas como ¥E$Si PERSE y Toni Hervás, así como el ciclo cinematográfico Bellas y eternas, comisariado por Desirée de Fez para las Gandules 2026. La selección de películas de fantasía y ciencia ficción aborda cuestiones como la juventud, la presión estética o la obsesión por preservar la belleza, prolongando en la pantalla muchas de las preguntas planteadas por la exposición.

Más que ofrecer respuestas definitivas, El culto a la belleza invita a reconsiderar críticamente una idea que solemos dar por sentada. Porque, si la belleza nunca ha sido una categoría neutral, quizá el verdadero desafío consista en preguntarnos quién la define, quién se beneficia de ella y quién queda inevitablemente fuera de sus límites.

La exposición El culto a la belleza, comisariada por Janice Li, blanca arias y Júlia Llull así como su programa público puede visitarse y seguirse en el CCCB hasta el 8 de noviembre de 2026.

[Artículo publicado en A*DESK 5-8-2026]

La entrada La belleza en disputa se publicó primero en Montse Badia.

El Informe anual del CoNCA es un documento público que analiza el estado de la cultura y las artes en Cataluña, revisando las principales tendencias, datos y políticas culturales del año anterior. También evalúa la acción de las administraciones públicas en materia cultural e identifica retos estructurales del sector. Por último, propone recomendaciones estratégicas para fortalecer el ecosistema cultural catalán y orientar las políticas futuras.

La entrada Artes visuales. Colaboraciones y formación en tiempo de precariedad y expansión museística 2025 se publicó primero en Montse Badia.

El objetivo principal es proponer unos baremos salariales orientativos que fomenten la dignificación del trabajo cultural y que los centros se comprometan a aplicar.

La propuesta es una iniciativa de la Dirección General de Derechos Culturales, Creación y Bibliotecas del Departamento de Cultura de la Generalidad de Cataluña y ha sido elaborada conjuntamente por representantes de centros del Sistema Público de Equipamientos de Artes Visuales (SPEAV) , y las asociaciones profesionales PAAC (Plataforma Asamblearia de Artistas de Cataluña) y ACCA (Asociación Catalana de Crítica de Arte). Montse Badia ha llevado a cabo la relatoría de este documento. 

La entrada Baremos retributivos se publicó primero en Montse Badia.

Cultura y derechos para la salud democrática

Auditorio del Convento del MACBA – 30 de junio de 2026

Esta jornada se articula en torno a dos ejes que se interrelacionan.

El primero explora la relación entre artes visuales y salud individual, social y comunitaria.

El segundo aborda los derechos culturales como derechos inalienables de todas las personas.

Ambas dimensiones convergen en una misma convicción: la cultura es un principio activo frente al malestar, el repliegue individualista y el avance de corrientes regresivas.

Organiza: Dirección General de Derechos Culturales, Creación y Bibliotecas del Departamento de Cultura de la Generalidad de Cataluña.

Bienvenida y presentación a cargo de Xavier Fina, director general de Derechos Culturales, Creación y Bibliotecas Conversaciones:

• Arte como principio activo en el contexto médico y asistencial. Conversación entre Sergi Blancafort y Montserrat Verdú, con Pilar Cruz.

• Arte y salud desde las prácticas artísticas. Conversación dinamizada por José Antonio Delgado con Gemma Paris y Felipe G.

• Arte como principio activo para la salud de las comunidades. Conversación entre Javier Rodrigo y Quim Packard

• Arte por la salud democrática. Conversación dinamizada por Amanda Cuesta con Mar Sureda y Nerea Campo.

• Salud económica en las prácticas artísticas. Presentación Baremos de retribución profesional con Montse Badia y Ester Martínez.

Clausura institucional a cargo del Hble. Dª. Sonia Hernández Almodóvar, consejera de Cultura de la Generalidad de Cataluña

Fotografías Xavier Menal

La entrada Principios activos: Cultura y derechos para la salud democrática se publicó primero en Montse Badia.

Entrevista con Carmen Corbera para el podcast El Mundo del Arte.

Marzo 2026.

La entrada Podcast El Mundo del Arte: El papel del comisariado y la crítica de arte con Montse Badia se publicó primero en Montse Badia.

Esta figura, heredera del legado de Harald Szeemann y de proyectos como When Attitudes Become Form (1969), ponía el énfasis no sólo en los conceptos y procesos artísticos, sino sobre todo en la complicidad con los y las artistas y en la interlocución crítica con la institución. Sin formar parte del organigrama institucional, el curador independiente desempeñaba un papel de mediación entre artistas, instituciones y públicos, generando espacios de tensión productiva.

Hoy el escenario es muy distinto. Los profesionales independientes (artistas, comisarios/as, curadores/as o mediadores/as) se convierten en pequeñas empresas unipersonales que deben asumir simultáneamente la gestión, la comunicación, la difusión y la producción, además del trabajo conceptual y de investigación. Esa multiplicidad de roles responde menos a una elección que a una precarización estructural del sector.

Asimismo, el arte contemporáneo compite por la atención en sociedades saturadas de estímulos, donde los impactos visuales de las redes sociales y la industria del entretenimiento desplazan a menudo la temporalidad lenta de la investigación y del pensamiento crítico. Aunque hasta qué punto puede ser tanto o más política la actuación de Bad Bunny en SuperBowl que programaciones completas de museos hablando de decolonización, es ya otro tema. Los recursos económicos existen, pero se distribuyen de forma desigual: abundan para grandes ampliaciones museísticas o instituciones emblemáticas, mientras que llegan con cuentagotas al tejido cultural independiente, a menudo en forma de subvenciones que generan incertidumbre presupuestaria hasta entrada la mitad del año.

En su artículo, Miralda señala también la consolidación de un modelo en el que las direcciones artísticas de las grandes bienales recaen en responsables de grandes instituciones, favoreciendo la circulación reiterada de artistas y discursos y produciendo una homogeneización que limita la pluralidad.

Sin embargo, las instituciones consolidadas comparten con las iniciativas independientes la voluntad de pensar el presente, preservar el patrimonio e imaginar futuros más justos, aunque esta aspiración se vea a menudo tensionada por sus propias estructuras. La solución no pasaría tanto por oponerse a la institución, sino por activar numerosas prácticas instituyentes entre arte y política que permitan implementar múltiples formas institucionales que puedan ser complementarias y realmente transformadoras.

[Texto publicado en la revista Bonart número 203, marzo 2026]

La entrada Precariedad y homogeneización. Contradicciones del presente curatorial se publicó primero en Montse Badia.

¡Bienvenidas y bienvenidos a The Kitchen Network!
El cuarto episodio tiene lugar en Barcelona.

Presentado como un episodio de la última competición culinaria de reality TV en la Tierra, esta performance utiliza el humor para examinar la brecha entre las culturas alimentarias online y su desconexión de cuestiones más amplias de clase, género y geografía.

Nos situamos en un futuro donde la Unión Europea se ha disuelto, la política climática ha fracasado y los acuerdos comerciales se han fragmentado. Las promesas del European Green Deal permanecen inconclusas en un continente marcado por la escasez material, mientras la cultura digital continúa proyectando imágenes de abundancia.

En España, las tierras agrícolas compiten con centros de datos que sostienen la nube y la inteligencia artificial. El agua se desvía entre cultivos y sistemas de refrigeración; las zonas rurales se tensionan, las ciudades crecen y la infraestructura digital transforma el paisaje. Ante la falta de gobernanza coordinada, el espectáculo se convierte en política.

La distribución de alimentos está regida por el Acuerdo de Intercambio de Eurovisión (EEA): cada año, el país ganador obtiene autoridad temporal sobre la asignación alimentaria continental. España, como ganadora más reciente, ocupa una posición frágil de relativa abundancia en una Europa desigual.

El agua, estrictamente controlada y mercantilizada, atraviesa toda la competición. Cada concursante recibe solo dos botellas para toda la prueba, mientras la presentadora IA recuerda: «Porque no todo el mundo tiene una segunda ronda».

Con residentes mayores del barrio como jurados, The Kitchen Network convierte la cocina en performance en tiempos de escasez, reflexionando sobre desigualdad, expansión digital y la política de la alimentación.

Sobre The Kitchen Network & Luiza Prado

The Kitchen Network es una performance teatral de Luiza Prado que continúa su investigación sobre las infraestructuras necropolíticas en torno a la reproducción, la alimentación y el colapso planetario.

El evento, que tendrá lugar en el Antic Teatre de Barcelona el 24 de marzo de 2026, corresponde al cuarto episodio de la serie, que continúa y completa la investigación desarrollada por el artista, adaptándose a cada contexto específico. El primer episodio, presentado en el marco de Transmediale en Berlín (enero de 2024), enfatizó los aspectos tecnológicos del proyecto. El segundo, celebrado en Nottingham (abril de 2024), se centró en las cocinas de las comunidades migrantes. El tercero, presentado en el restaurante Martin Gropius Bau de Berlín (octubre de 2024), abordó el trabajo y el movimiento a través del universo del sándwich, un alimento asociado a los ritmos laborales y cuyos orígenes culinarios apuntan a tradiciones no autóctonas.

En The Network Kitchen. Episodio 4
Concepto y dirección: Luiza Prado
Maestro de Ceremonias: Albert Sánchez
Cocinera # 1: Monica Escudero
Cocinera # 2: Agnes Essonti Luque
Cocinera # 3: Irene Arcas
Jurado: Iaies del Antic Teatre

The Kitchen Network. Episodio 4  es una producción de A*DESK.

La entrada A*LIVE 2026: The Kitchen Network. Episode 4 de Luiza Prado se publicó primero en Montse Badia.

En distintos proyectos ha abordado la opacidad de un cuerpo del Estado, la Guardia Civil, entendida como sistema operativo de control policial (Fuerzas y cuerpos, 2016-2018); la explotación del entorno natural y las formas de regulación ejercidas por grandes oligopolios (Energía sumergida, 2018-2024; El caudal del río, 2021-2025); o el espacio VIP en un contexto deportivo como lugar de acuerdos de gran impacto político y económico (Palco de honor, 2025), por mencionar solo algunos.

Firma, (2017-2019) no es su trabajo más reciente, aunque el paso del tiempo le ha ido añadiendo nuevas capas de significado. Iniciado como proyecto de fin de carrera, bajo la tutoría de Tanit Plana y Marta Dahó, Firma, marca un punto de inflexión en el trabajo de Artés al otorgar un peso central a la investigación como parte constitutiva de la obra. Firma, se articula a partir de una serie de preguntas directas y profundamente políticas: ¿qué llega a saber el Estado sobre nosotros?, ¿cuánta información personal gestiona?, ¿desde dónde ejerce el control?, ¿qué uso hace de estos datos?, que sirven de detonantes para agudizar nuestra posición como ciudadanía crítica.

Firma, se centra en espacios oficiales que recogen y gestionan nuestros datos —centros médicos, registros civiles, tanatorios, bibliotecas, oficinas de correos—, que la artista fotografía mediante una cámara de placas y un proceso analógico. Las imágenes muestran lugares anónimos, prototípicos y perfectamente intercambiables, sin rastro de presencia humana. Los encuadres, cuidadosamente elegidos, remiten a puntos muertos: espacios sin salida, pasillos sin puntos de fuga, atravesados por una atmósfera kafkiana. Son imágenes que evocan los aspectos burocráticos de nuestras vidas, ya indistinguibles de los vitales.

De manera paralela, Artés recopila una gran cantidad de documentos procedentes de estos mismos espacios, formularios en los que se nos solicita información personal y que, de forma reiterada, culminan con el mismo verbo en imperativo: “firma”. A veces acompañado de una coma que pretende suavizar la orden, otras seguido de dos puntos, pero siempre enunciado como mandato. Un gesto aparentemente banal que condensa la cesión de derechos, datos y responsabilidades en un solo acto.

Fotografías y documentos configuran así un retrato de la estructura administrativa del Estado como un panóptico contemporáneo. El diseño carcelario de Bentham (una torre central desde la que se vigila a los reclusos sin que estos sepan si están siendo observados) y su reformulación por Michel Foucault, como tecnología de poder extensible a toda la sociedad, adquieren un nuevo peso en el contexto de la digitalización acelerada, especialmente a partir de 2020 con la pandemia.

El libro de artista(1) que forma parte del proyecto incluye una conversación reveladora entre Paula Artés y Gemma Galdón Clavell, doctora en políticas de seguridad y tecnología y analista de políticas públicas. En ella se recuerda cómo el Estado moderno se funda sobre la gestión de datos como forma de organización y control, y cómo la burocracia desempeña un papel clave en su constitución histórica.

Con la digitalización, esta capacidad de control se incrementa exponencialmente. Los datos que aportamos voluntariamente se cruzan con aquellos que se recogen de forma involuntaria, generados por nuestra actividad cotidiana, desde las compras que realizamos hasta los itinerarios que seguimos, los servicios que utilizamos o las plataformas que consultamos. Estamos más controlados, pero somos menos conscientes de ello y, paradójicamente, tenemos menos capacidad de control sobre nuestros propios datos.

El tecnofeudalismo (2) del que habla Yanis Varoufakis deja de ser una abstracción teórica para convertirse en una realidad palpable. Las infraestructuras digitales de datos no tienen como finalidad principal facilitarnos la vida ni ampliar nuestros derechos, sino maximizar la rentabilidad de las grandes corporaciones tecnológicas globales.

Los espacios que fotografía Paula Artés siguen existiendo, aunque sus funciones se hayan transformado radicalmente. Ya no es necesario desplazarse físicamente para realizar un trámite: bastan uno o varios clics. Los datos ascienden entonces a lo que llamamos “la nube”, un término poético y aparentemente inocuo que oculta la proliferación de centros de datos físicos, altamente consumidores de recursos, especialmente agua y electricidad, con un impacto ecológico y geopolítico cada vez más evidente.

La desaparición del espacio físico no implica la desaparición del control, sino su intensificación. El poder ya no necesita arquitectura monumental ni presencia visible, opera de manera distribuida, opaca y automatizada. La burocracia, lejos de diluirse, se vuelve más eficiente, más rápida y más difícil de cuestionar. El gesto de firmar, ahora convertido en aceptar, marcar una casilla o deslizar un dedo, se produce con mayor frecuencia y con menor conciencia de sus consecuencias.
Firma, nos sitúa ante una paradoja central de las democracias contemporáneas: cuanto más se agilizan los sistemas administrativos, menos margen queda para el disenso. El consentimiento se vuelve una formalidad y la responsabilidad se desplaza hacia el individuo, mientras las infraestructuras de poder permanecen fuera de nuestro campo de visión. La invisibilidad se convierte así en una estrategia política fundamental. Lo que no se ve no se cuestiona, y lo que no se cuestiona se normaliza.

En este sentido, el proyecto de Paula Artés traza una cartografía crítica del presente, en el que el control no se impone por la fuerza, sino que se gestiona mediante protocolos, interfaces y lenguajes administrativos que hemos aprendido a aceptar como inevitables.

Comprender estos mecanismos, hacerlos visibles y nombrarlos es un gesto profundamente político. No garantiza la emancipación, pero constituye una condición indispensable para imaginarla. Porque solo aquello que se comprende puede ser cuestionado, y solo aquello que se cuestiona puede, eventualmente, transformarse.

(1) Artés, Paula, Firma. Cuaderno de la Kursala, nº 90. Universidad de Cádiz, 2025.
(2) En Varoufakis, Yannis, Tecnofeudalismo, El sigiloso sucesor del capitalismo. Deusto, 2024 (Traducción de Marta Valdivieso), el autor identifica a los propietarios de lo que llama «capital de la nube» como nuevos señores feudales, que nos convierte en siervos. La consecuencia es un aumento de la desigualdad.

[Este texto acompaña la exposición Firma, de Paula Artés en el Centre Cultural Melchor Zapata, Benicássim. 19 Febrero – 26 Abril 2026]

La entrada Protocolos de obediencia. El Estado de los datos en «Firma,» de Paula Artés se publicó primero en Montse Badia.

La entrada Condiciones laborales en las artes (simposio) se publicó primero en Montse Badia.

Un documental sobre el Espai 10 / Espai 13 de la Fundación Miró de Barcelona

La entrada El risc radical se publicó primero en Montse Badia.