La necessitat dels artistes d’utilitzar uns espais apropiats a les necessitats individuals ia la pràctica professional ha existit sempre. La desmaterialització de l’art, des de les pràctiques conceptuals dels 60, va alliberar els artistes d’una implicació personal en el procés d’elaboració dels objectes artístics i el concepte de “taller”, tradicionalment considerat com el lloc d’aprenentatge dels aspectes més artesanals del treball artístic o l’espai on l’artista experimenta en solitari la gènesi de la creació. conceptualitza però no necessàriament formalitza o objectualitza els seus projectes.
Grans espais, edificis no rehabilitats o edificis industrials s’han adaptat tradicionalment a aquestes necessitats dels creadors donant origen a clixés quan el cinema ha volgut representar la figura de l’artista o acudits que els caricaturitzen (“Per què els artistes necessiten estudis tan grans? Perquè tenen tant d’ego que no hi ha espais més petits”).
La utilització d’antigues fàbriques com a espais-laboratori per a l’experimentació artística multidisciplinar no és nou i passa a molts països, però sí que és diferent la manera com sorgeix o es gestiona. Mentre que a Alemanya i Anglaterra acostumen a ser espais privats, gestionats per associacions o entitats, a França, igual que a Espanya, són gestionats per l’administració pública. Aquest tipus de política cultural compleix una doble funció (un cop construïts i inaugurats els museus, auditoris i biblioteques corresponents), ja que d’una banda recupera el patrimoni industrial i, d’altra banda, dóna suport als creadors, oferint equipaments públics dedicats a la investigació artística, on puguin sorgir projectes híbrids arran de la col·laboració entre creadors de diferents disciplines.
Però què realment necessita un artista per treballar? espai? metres quadrats? No sempre. Moltes vegades una taula, un ordinador, un telèfon mòbil i sobretot connexió a Internet són els requisits imprescindibles per poder treballar, quan el paper de l’artista és més proper al d’un investigador que en moments puntuals de la producció dels seus projectes sí que necessita un gran espai o uns col·laboradors procedents d’altres àmbits o, directament, de serveis i proveïdors industrials. Quan el treball d’un artista s’assembla més al d’un director de cinema (més independent que hollywoodenc) que ha d’investigar, explorar altres àmbits, fer entrevistes, viatjar, llegir, escriure, filmar o comptar amb altres col·laboradors, més que no pas de grans espais i metres quadrats, segurament necessitarà recursos, temps, mobilitat, trobades, intercanvis, visibilitat i projecció.
Els espais i els llocs són importants, però ho són més els recursos i, sobretot, la visió. La Factory d’Andy Warhol no ha passat a la història de l’art pel tipus d’espai que va ser (un loft situat al carrer 47 Est de Nova York), sinó per la dinàmica que va generar, per les portes obertes a nombrosos col·laboradors i personatges i el seu caràcter de lloc de confluència on passaven coses: es filmaven pel·lícules, es trobaven tantes obres com es feien sèries d’obres i sexuals. La Factory de Warhol és un bon exemple de la necessitat d’emfatitzar el contingut més que no pas el continent, encara que no oblidem que era un espai independent, privat i comercial.
Sempre és positiu que des de les administracions públiques es recolzi els artistes, solucionant el problema dels alts lloguers i oferint uns equipaments en què es creïn les condicions adequades per poder desenvolupar una tasca creativa de la manera el més independent possible, facilitant recursos, temps, mobilitat, trobades, intercanvis i visibilitat. Són aquestes dinàmiques i no d’altres les que donarien sentit ara mateix a la gestió d’antigues fàbriques destinades a la creació.
[Article publicat a Bonart, 2013]
