Parlar d’uns altres per a parlar d’un mateix és una estratègia ben coneguda en el món de l’art. Això és precisament el que fa Jonathan Monk a partir del mestre, Richard Prince, d’un grup de joves artistes i, per a arrodonir la cita, del #mateix Prince, el geni de Minnesota.
Jonathan Monk és un artista fàcil de classificar. El seu treball presenta els formats més variats i les aparences més diverses (pintures abstractes, fotografies documentals, textos que fixen cites per a un futur pròxim, objectes que reprodueixen parts del seu propi cos com a unitat de mesura, indicadors amb les hores d’obertura d’una galeria d’art o projeccions de diapositives que “animen” propostes minimalistes, entre altres), però el seu discurs és clar: analitza els referents de l’art des d’una mirada irònica ancorada en el present. El seu objectiu també ho és: desmitificar l’art i el procés creatiu, baixar-lo del seu pedestal i qüestionar la idea d’autoritat artística. La seva estratègia: d’una manera camaleónica, s’apropia d’idees i imatges, les revisa i proposa la seva relectura des de la ironia.
Lluny de ser un outsider del sistema de l’art, la trajectòria de Jonathan Monk gaudeix de ple reconeixement, és habitual en els llistats d’artistes de biennals internacionals, està representat o col·labora amb més de mitja dotzena de galeries internacionals (i, en conseqüència, la seva diversificada presència és a vegades excessiva en fires d’art internacionals). I, clar, també comissaria exposicions.
“Richard Prince and the Revolution” és una exposició comissariada per Jonathan Monk, en la qual utilitza una intel·ligent estratègia que consisteix a parlar d’uns altres per a, en el fons, parlar d’un mateix o per a generar situacions de significat. Repassant altres exemples d’artistes que han actuat de manera semblant, ens trobem amb Franz West. En 2007, West va iniciar al costat de Urs Fischer el projecte “Hammsterwheel” que va reunir una sèrie de treballs relacionats amb una idea de “carnavalización” de l’art, humor, baixa tecnologia i una certa brutícia, és a dir, algunes de les característiques que defineixen el treball del propi West. L’exposició que es va mostrar en Le Primtemps de Setembre de Montpeller, el Centre d’Art Santa Mònica i la 52 edició de la Biennal de Venècia, va anar creixent i readaptant-se, incloent i depurant treballs d’una manera rizomática, a partir de criteris d’amistat, proximitat o empatia entre els artistes.
Altres casos: al novembre de 2007, en el Palais de Tòquio, Ugo Rondinone va comissariar una exposició en la qual va incloure artistes presents en la seva col·lecció. Al setembre de 2008, François Curlet va reunir una vintena d’artistes en una exposició titulada “Curiosität” en la qual el quotidià era el “leitmotiv” tant de les obres seleccionades com dels interessos discursius de Curlet. En aquesta mateixa direcció havia treballat en el 2002, Antonio Ortega (també present en l’exposició de Curlet) en “Antonio Ortega and the Contestants”, en la qual transformava la seva exposició individual en The Showroom a Londres en una mostra col·lectiva en la qual va convidar a participar a cinc artistes acabats de llicenciar en la Facultat de Belles Arts de Barcelona. Amb aquesta proposta, pretenia evidenciar les dinàmiques de producció en art, en mimetitzar les estratègies promocionals d’altres àmbits de la cultura pop, alhora que explorava les nocions d’autoria i la naturalesa jeràrquica i competitiva del món de l’art. I també, last but not least, s’erigia en referent per a una generació més jove d’artistes.
Una altra possibilitat és parlar d’un altre per a parlar d’un mateix, però no mirant al futur sinó buscant referents reconeguts i com a estratègia de legitimació. A l’octubre de 2004, després de rebre l’Hugo Boss Prize en 2002, exposar en el Museu Guggenheim de Nova York i mentre s’afermava la seva presència en l’escena artística nord-americana, Pierre Huyghe va escriure un article titulat “Garden party” en la revista Artforum, en el qual analitzava els treballs d’Andy Warhol i les seves maneres de produir, en relació al capitalisme i a la societat de consum, però en el qual sobretot posava l’èmfasi en la idea de The Factory com a lloc de producció de mites i relacions més que d’objectes. En definir The Factory com un lloc relacional, Huyghe estableix una genealogia que el vincula directament a Andy Warhol, o cosa que és el mateix, ve a dir: “Andy Warhol i jo”.
En “Richard Prince and the Revolution”, Jonathan Monk fa com Ortega i com Huyghe alhora. Es legitima a partir d’un referent inqüestionable, al mateix temps que incorpora artistes més joves (alguns d’ells alumnes seus) per als quals ell mateix es constitueix en referent. I quin és el referent de Monk? Ni més ni menys que el rei de l’apropiació, Richard Prince, l’artista que en 1975 va començar a treballar amb collages de fotografies i des de llavors no ha parat de fer “rephotographs”, és a dir, de fotografiar els treballs d’uns altres, de prendre imatges publicitàries de les quals elimina eslògans i marques, com és el cas dels cowboys de Marlboro, o d’incorporar acudits fàcils i populars a les seves obres, com a estratègia per a mostrar el subconscient de la consciència col·lectiva americana, al mateix temps que, des de la ironia i la subversió dels missatges, qüestiona les nocions d’autoria, autenticitat i copyright.
No és la primera vegada que els noms de Jonathan Monk i Richard Prince es conjuminen en un mateix projecte. L’any 2006, en la galeria Mezzanin de Viena, l’exposició “Jonathan Monk, Richard Prince”, va establir un diàleg entre els treballs de tots dos artistes. Una relació que Monk no dubte a reprendre ara per a emfatitzar aquesta genealogia que li uneix directament a Richard Prince, un artista a més ben cotitzat (recordem que “Untitled (Cowboy)” va batre un rècord en una subhasta en Christie’s Nova York l’any 2005 en vendre’s per un milió de dòlars), un tipus de reconeixement al qual Monk no fa escarafalls. Però a més, Monk afegeix una baula més a la cadena, en incorporar a Pierre Bismuth, un artista gairebé de la mateixa generació que Monk (Bismuth va néixer en 1963 i Monk en 1969), de dilatada trajectòria i interessat a analitzar i desconstruir els models de percepció i desestabilitzar els codis de lectura. En l’exposició en ProjecteSD, Bismuth està ben representat amb una obra al més pur estil Prince, consistent en dues revistes de moda femenines la lectura fragmentada de la qual i transversal dels titulars atorga nom a la peça: “Don’t Dona’t After Apartheid”.
D’aquesta manera, en “Richard Prince and the Revolution”, el treball de Prince és revisitat o citat a partir d’una dotzena d’artistes que subratllen uns certs trets característics de l’artista nord-americà. Destaquem alguns d’ells: Anne Collier i Matthew Higgs fan referència a la passió pels llibres de Prince en fotografiar el llibre “I Married An Artist”, l’autobiografia d’una dona que es va casar amb un canviat de nom artista canadenc. La referència troba ressons en la vida personal de Collier i Higgs, també parella. Scott Myles se centra en la re-fotografia i re-creació d’imatges publicitàries i presenta un doble autoretrat acompanyat d’una petita fotografia de referència: dues fotografies gairebé idèntiques en les quals apareix un primer pla de l’artista amaguen un gran diferència de “making off”, ja que mentre en una d’elles l’artista posa davant d’un fragment d’una tanca publicitària de Marlboro en la qual s’identifica Monument Valley, l’altra va ser presa en la localització original. La petita fotografia de referència mostra el cartell de Marlboro a Escòcia. Isabell Heimerdingen represa un treball antic, datat en 1999, que al·ludeix als treballs de Cowboys de Prince. Heimerdingen va retallar anuncis de Marlboro apareguts en revistes i va eliminar, dissimulant-los amb pintura, tots aquells elements que no formaven part del paisatge, des dels paquets de tabac fins als propis vaquers, de manera que retorna als cavalls al seu entorn natural i salvatge. Donen Rees represa els treballs de “Girlfriends” de Prince (fotografies de to eròtic de noies) i les transforma en “80 girlfriends in 2007”, en el qual mostra en 80 diapositives una sèrie d’imatges d’amigues i conegudes de l’artista durant l’any 2007. La referència de Rees en aquest cas no és només Prince, sinó també Ed Ruscha i “Five 1955 Girlfriends” (1969), un treball publicat en el catàleg de l’exposició “Konzeption-Conception” del Städtisches Museum de Leverkusen en el qual Ruscha va incorporar retrats de les seves amigues a l’escola a Oklahoma.
I, ja que els llibres sempre han estat bé presents en la trajectòria de Prince (en ProjecteSD es presenta una exhaustiva selecció), la contribució de Jonathan Monk es completa amb la publicació d’un llibre d’artista “Studio Visit” en el qual Monk ens obre el seu estudi, és a dir, multitud d’imatges que per l’una o l’altra raó l’artista assenyala, recull i compila.
No hi ha dubte que existeix una clara connexió entre els treballs de Prince i Monk, però també trobem diferències. Prince és un col·leccionista d’art, de mobles, de llibres, d’imatges i de referències, necessita apropiar-se per a evidenciar coses, utilitza la mimetització per a dir una cosa completament diferent, que si és el cas és molt concret: el que s’amaga després de l’anomenada “identitat americana”. Monk, per part seva, segurament subscriuria sense problemes la resposta de Vito Acconci a una pregunta sobre la definició de la seva pràctica com a artista conceptual: “I don’t have any particular skills, but I know-how to usi the Yellow Pages”.
