Géiseres es un proyecto curatorial que reúne cuatro propuestas artísticas resultado de un proceso de investigación en el Museu Nacional d’Art de Catalunya. Ro Caminal presenta el resultado de esta investigación en Noviembre de 2022, Cristina Lucas en marzo de 2023 y Raquel Friera y Núria Güell en enero y febrero de 2024, respectivamente.

Las incertidumbres del presente conllevan la necesidad de repensarse profundamente. Repensar los sistemas y premisas establecidas. Los museos no son ajenos a estas urgencias y se abren a reflexionar sobre su papel en la sociedad. Así lo evidenciaba el ICOM al actualizar la definición de museo.* Los y las artistas contemporáneos pueden desempeñar un papel clave en este repensarse. Pueden contribuir a que los museos cambien la tradicional mirada colonialista por una más antropológica, relean los discursos históricos y contextualicen sus colecciones.

En este marco contextual y vital nace el programa Géiseres bajo el paraguas del programa Artistas en el Museo. Los géiseres responden a un fenómeno natural y extraño. Son fuentes termales que surgen del contacto entre el agua superficial y las rocas calentadas del magma subterráneo. Al entrar en contacto, esta agua calentada vuelve a la superficie a través de rocas porosas y puede aparecer de diferentes formas: en forma de vapor, de espectaculares géiseres de manantial o de géiseres de cono con chorros más estables, entre otros.

Esta imagen, evocadora de procesos naturales y orgánicos, la trasladamos al museo, de modo que el trabajo que las artistas contemporáneas realizan son los géiseres. Las artistas investigan in situ, a partir de su propio bagaje cultural y personal, reaccionan a los contenidos, se fijan en las historias que explica el museo, su discurso, sus fondos, lo que se ve y lo que no se ve. Y a partir de ahí aparecen itinerarios transversales, formas y formatos inesperados y no predictivos.

Durante el período 2022-2024, cuatro artistas han sido invitadas a investigar en el Museu Nacional d’Art de Catalunya y a concretar una propuesta en el departamento de programas públicos del museo.

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En esta edición de 2022, bajo el título R-evolución adolescente: entre el meme y el drama, presentamos una serie de propuestas artísticas y culturales que giran en torno a la adolescencia como momento de transición, de cambio, de construcción de la identidad, la personalidad y la posición en relación con el mundo, y que ponen de manifiesto el conflicto que vivimos día a día y que la digitalización no hace sino agudizar.

Con R-evolución adolescente queremos insistir en la necesidad de empatizar y de volver a ponernos en la piel de nuestro yo adolescente. Esa transición entre infancia y la edad adulta, esa etapa tan irracional e intensa, a la vez que vulnerable y maleable, donde se viven las primeras decepciones, las primeras experiencias sexuales, en definitiva, una época de experimentación y metamorfosis. Periodo por el que todos hemos pasado, tan complejo e incierto, en el que nos es fácil situarnos y empatizar, quizás más que ponernos en la piel de una persona de otra realidad cultural, raza o género. Es decir la adolescencia como paradigma universal y global.

La necesidad de comprender el mundo para definir un punto de referencia se relaciona con la adolescencia, pero también con todos nosotros, especialmente en la actualidad. Por eso, se trata de poner en paralelo la complejidad e incertidumbre del momento que vivimos con el de la adolescencia.

A*LIVE 2022, R-evolución adolescente: entre el meme y el drama contará con Fito Conesa y Alba Rihe como maestras de ceremonias; con piezas audiovisuales de Jonas Trueba, Violeta Mayoral, Stine Marie Jacobsen, Ryan Trecartin y Lizzie Fitch; los teóricos culturales Federica Matelli (en conversación con Montse Badia) y Toni Navarro (en conversación con María Muñoz), y el músico Robert Lippok.

Germinar sin fin, una exposición de Isidro López-Aparicio, comisariada por Montse Badia en el Museo Lázaro Galdiano Organizada por el Ministerio de Cultura y Deporte. Subdirección General de Museos Estatales.

A*LIVE_Masters of Implosion es un proyecto de A*DESK con la colaboración de Fito Conesa & Mery Cuesta y la complicidad y apoyo de Hangar.org centre/producció/recerca/arts.visuals.

Esta es la octava edición de A*LIVE, el programa público de A*DESK que consiste en el debate expandido sobre temas contemporáneos con formato televisivo. En este segundo año pandémico, continuando con el formato online inaugurado el año pasado, hemos creado un evento digital desdoblado y performativo con Fito Conesa y Mery Cuesta como maestros de ceremonia y catalizadores de una serie de colaboraciones audiovisuales de artistas que giran en torno a la noción de implosión.

Así, para esta ocasión, hemos invitado a artistas cuyas obras conectan directamente con la idea de «implosión», «implosionar» desde diferentes ángulos y perspectivas. Los artistas participantes —en orden o implosión— son: Hito Steyerl con su pieza How not to be seen (2013); Nuria Güell con La banalidad del bien (2021); Andreas M. Kaufmann con Much too much (2004); Tabita Rezaire con Premium Connect (2017); Eli Cortiñas con Walls have feelings (2019); Eloy Fernández Porta con Las aventuras de Genitalia y Normativa (2021); Robert Lippok con su pieza sonora From universe to universe (2021) producida para la ocasión y acompañada de visuales de Siddaharth Gautam Singh.

A*LIVE_L’Inesperat: A Space Opera es un proyecto de A*DESK con la colaboración de Fito Conesa & Mery Cuesta y la complicidad y apoyo del Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona (CCCB).

Se trata de la séptima edición de A*LIVE, el programa público de A*DESK que consiste en un debate, con formato televisivo en streaming. En esta ocasión se trata de un formato digital expandido y performático que cuenta con Fito Conesa y Mery Cuesta como maestros de ceremonias y catalizadores de una serie de colaboraciones (audiovisuales y textuales) que giran entorno a la noción de inesperado.

Así, para esta ocasión hemos invitado a personas que consideramos referentes para reaccionar mediante una pieza de video, de audio, un texto o unas instrucciones a lo que les sugiere la idea de «inesperado». Este listado de colaboradores de referencia incluye a Pilar Cruz, Paco Chanivet, Anna Dot, El Palomar, Pere Faura, Carolina Jiménez, Momu & No Es, Carlos Saez, Lorenzo Sandoval e Ian Waelder.

Insertándose en la tradición de las space operas – narraciones que fabulan sobre los viajes en el espacio y en las que lo emocional y la tecnología tienen un importante protagonismo – el tándem Conesa-Cuesta entrelaza las aportaciones de artistas y colectivos colaboradores sobre un subtexto que conecta la retransmisión televisiva tal y como era concebida de los 90 con la difusión digital de contenidos en la actualidad.

A*LIVE_L’Inesperat: A Space Opera se inspira en el trabajo pionero en broadcasting de Nam June Paik (tomando su nombre de la emisión experimental que realizó el artista coreano en la televisión pública de Boston en 1969 titulada “Electronic Opera”), y en los intentos grandilocuentes de la MTV de los 80 y 90 por conseguir comunicaciones globales y simultáneas en todo el planeta. Sobre el escenario, Cuesta y Conesa inoculan estas ideas en un paradigma de comunicación como el actual, en el que la interacción a tiempo real con el espectador al otro lado de la pantalla y los efectos de posproducción implementados en directo son fundamentales para construir una estética contemporánea del audiovisual live.

A*LIVE_L’inesperat: A Space Opera tuvo lugar en la Sala Teatre del CCCB, el dia 11 de diciembre de 2020 a las 18 horas y se pudo seguir por streaming. El vídeo completo se encuentra a continuación:

Gracias infinitas al Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona (CCCB) por hacerlo posible; a Fito Conesa y Mery Cuesta por su talento y generosidad, y a Pilar Cruz, Paco Chanivet, Anna Dot, El Palomar, Pere Faura, Carolina Jiménez, Momu & No Es, Carlos Saez, Lorenzo Sandoval e Ian Waelder por unirse a nosotras en esta aventura. Y, last but not least, mil gracias a Siddaharth Gantam Singh por la maravillosa cabecera del programa.

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Saló Diana (1977-78). El fantasma del paraíso barcelonés es un proyecto de investigación que recupera la memoria de un caso paradigmático de autogestión teatral, el Saló Diana. La experiencia coincide con el final del franquismo y el período de la transición, un momento en el que todo estaba por hacer.

El Saló Diana es fruto de las reivindicaciones por la profesionalización del sector teatral del momento y surge como experiencia asamblearia iniciada por Mario Gas, Carlos Lucena (Bujalance, 1925- Madrid, 1995) y Albert Dueso (Barcelona, 1952-2007). Ubicado en el antiguo Cine Diana, en la calle Sant Pau de Barcelona, el Diana nace como una necesidad de praxis, de tener un entorno asambleario vinculado a un centro de producción en el que la diversidad y la pluralidad (de sus miembros y su programa) fueron las notas dominantes.

La trayectoria del Saló Diana, tan breve como intensa, es recogida en el libro Saló Diana (1977-1978). El fantasma del paraíso barcelonés (co-editado por Montse Badia y Mario Gas) mediante una exntesa investigación documental, así como entrevistas con un buen número de personas que en aquel momento iniciaban sus trayectorias profesionales, como el propio Mario Gas, Vicky Peña, Sílvia Munt, Ricard Borrás, Juanjo Puigcorbé, Pau Riba o Carme Elías, entre otros. La publicació se acompaña de un programa público que los reunirá en una mesa redonda moderada por Rosa Badia.

[Entrevista con Mario Gas, en el programa Tot és comèdia de Rosa Badia. Cadena ser (5-9-2020)->
https://play.cadenaser.com/audio/370RD010000001641799/?ssm=whatsapp]
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Entrevista con Marc Giró en el programa Vosté Primer. RAC1 (23-9-2020)

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Aceite y artistas