SOBRE LA REPRESENTACIÓN DEL AMOR

El amor es una noción más bien relativa. Rara vez es objeto de estudio serio, aunque está omnipresente en la música, el cine, la literatura, el teatro y, por supuesto, en la vida. La palabra evoca una gama muy variada de asociaciones, desde las estrategias de marketing más irremediablemente kitsch hasta las facetas más íntimas de nuestra existencia o los iconos que conforman nuestra memoria colectiva. Traducidos en imágenes: los corazones y cupidos en los escaparates del día de San Valentín, las atractivas parejas jóvenes utilizadas para promocionar la venta de todo tipo de productos (vacaciones, coches, cosméticos, perfumes, tabaco, bebidas, etc.), los recuerdos de nuestras propias experiencias personales, el beso de Humphrey Bogart e Ingrid Bergman en Casablanca…

El concepto de amor está ligado a nociones esenciales como la identidad, las relaciones sociales y personales y la política. Desde el punto de vista científico, se considera una noción relativa. Las investigaciones y explicaciones de psicólogos, sociólogos, economistas, biólogos y antropólogos sirven para crear las pequeñas piezas individuales de un rompecabezas que cobra sentido cuando se observa en su totalidad. Así, los psicoanalistas interpretan el comportamiento amoroso como el producto de nuestras primeras experiencias como niños, los biólogos lo reducen a una serie de reacciones químicas, los sociólogos explican las nuevas formas de relaciones personales como una reacción a la aparición de nuevas enfermedades, e incluso los economistas observan una relación entre la frecuencia de las aventuras amorosas en el entorno laboral y los balances de fin de año de la empresa.

Depicting Love aborda la noción de amor desde diferentes perspectivas. El proyecto toma como punto de partida un libro imprescindible de Roland Barthes, Fragmentos del discurso de un amante(1). Quizás lo más significativo de este libro es su formulación, que cuestiona las diferentes maneras de relatar la experiencia del sujeto como amante. El libro se articula a partir de nociones (ordenadas de la A a la Z) que el autor define en términos tanto teóricos como personales.

En el plano formal, el proyecto Depicting Love consta de dos partes claramente diferenciadas: – un programa de proyecciones que retoma siete nociones clave del libro de Barthes para presentar proyectos de vídeo de artistas internacionales en conexión con largometrajes; – una recopilación en DVD de nuevas producciones de una docena de artistas internacionales, creada específicamente para este contexto.

De este modo, el proyecto Depicting Love se configura como una especie de exposición móvil, y por tanto versátil y dinámica. Al mismo tiempo, este formato refleja la realidad actual de nuestras sociedades cada vez más estandarizadas en las que la movilidad y el cuestionamiento del sentido del “lugar” han pasado a ser vistos como factores prioritarios. También en este contexto, la experiencia de la imagen está ineludiblemente asociada a la imagen en movimiento. Depicting Love, el programa de proyecciones que se presenta durante siete días consecutivos, está formado por una veintena de proyectos de vídeo de diferentes artistas y siete películas que, desde diferentes tiempos y contextos, han reflexionado sobre el tema del amor y que ahora se proyectan en relación con siete nociones clave del Discurso de un amante de Roland Barthes. Así, en el programa Afirmación se han incluido los proyectos de Zbig Rybczynski, Pipilotti Rist, Chris Cunningham y Annika Ström. Ulay/Abramovic, Yael André y Sadie Benning, entre otros, han abordado la idea barthesiana de Encuentro. Rivane & Sergio Neuenschwander, Valie Export y Rui Calçada Bastos se incluyen en el programa Carta, mientras que Heman Chong y Jordi Moragues, entre otros, han abordado la noción de Signos. Los proyectos de Lutz Mommartz, Bas Jan Ader y Nuria Channel exploran la idea de lo Insoportable. Bjørn Melhus, A. P. Komen/Karen Murphy, Sophie Calle & Greg Shephard y Gino Rubert se incluyen en el programa Incognoscible. Por último, Christian Jankowski, Lorna Simpson y Vito Acconci se han centrado en la idea de Espera. Entre las películas proyectadas durante las sesiones destacan Darling (1965) de John Schlesinger, Brief Encounter (1945) de David Lean, Dangerous Liasons (1989) de Stephen Frears o A Short Film About Love (1988) de Krzysztov Kiesslowski, entre otras. El DVD Depicting Love reúne una serie de nuevos proyectos que utilizan la fotografía, el dibujo, la imagen en movimiento, el texto, el sonido, los enlaces de Internet y otras posibilidades demasiado numerosas para enumerarlas aquí, sugeridas por los artistas invitados a participar en este proyecto: Chema Alvargonzález, Martí Anson, Maurycy Gomulicki, Leiko Ikemura, Andreas M. Kaufmann, Yves Netzhammer, Mabel Palacín, Susan Philipsz, Francesc Ruiz, Jan Rothuizen, Sam Samore y Young-Hae Chang. La variedad de propuestas y enfoques aquí —lúdicos, irónicos, poéticos, críticos o comprometidos— se combinan para crear una definición multifacética de la noción de amor y brindar una liberación de los prejuicios que trivializan o niegan la trascendencia política de cuestiones que involucran profundamente la dimensión individual y el ámbito de la subjetividad personal.

(1) Traducción del francés: R. Howard, J. Cape, Londres, 1975; Edición original: Roland Barthes, Fragments d’un Discours Amoureux, París, 1975; Editions du Soleil.

(texto del folleto)

AMOR AMOR AMOR: El amor está en el aire. Todo está lleno de amor. Todo lo que necesitas es amor… El amor está omnipresente en la música, el cine, la literatura, el teatro y, por supuesto, en la vida. Aunque la noción de amor está ligada a prácticas esenciales como la identidad, las relaciones sociales y personales y la política, rara vez ha sido objeto de un estudio serio. Desde el punto de vista científico, se considera una noción relativa. Las investigaciones y explicaciones de psicólogos, sociólogos, economistas, biólogos y antropólogos sirven para crear las pequeñas piezas individuales de un rompecabezas que tiene sentido cuando se observa en su totalidad. Los psicoanalistas ven el comportamiento amoroso como el producto de nuestras primeras experiencias de infancia, los biólogos lo reducen a una serie de reacciones químicas, los sociólogos explican las nuevas formas de relaciones personales como una reacción a la aparición de nuevas enfermedades e incluso los economistas observan una relación entre la frecuencia de las aventuras amorosas en el entorno laboral y los balances de fin de año de la empresa.

Depicting Love pretende abordar esta noción desde diferentes perspectivas y, al mismo tiempo, plantear algunas cuestiones cruciales. El proyecto Depicting Love, que consta de un programa de proyecciones y del presente DVD, toma como punto de partida un libro seminal de Roland Barthes, Fragments d’un Discours Amoureux (Editions du Soleil, París, 1975). Tal vez lo más significativo de este libro sea su formulación, al cuestionar las diferentes maneras de comunicar la experiencia del sujeto como amante. Barthes propone un retrato (estructural más que biográfico) en el que el sujeto que ama se habla a sí mismo, en confrontación con el sujeto amado, que no habla. El libro se articula a partir de nociones (ordenadas de la A a la Z) que el autor define en términos tanto teóricos como personales.

Chema Alvargonzález, Martí Anson, Maurycy Gomulicki, Oliver Held, Leiko Ikemura, Andreas M. Kaufmann, Mabel Palacín, Susan Philipsz, Francesc Ruiz, Jan Rothuizen, Sam Samore y Young-Hae Chang son los doce artistas internacionales que han aceptado la invitación a crear una obra nueva utilizando el libro de Barthes como punto de partida, inspiración o reflexión. De este modo, el DVD Depicting Love se configura como una especie de exposición móvil —y por ello versátil y dinámica— en la que las aportaciones de los artistas, en una amplia variedad de formatos, adquieren la condición de proyectos originales.

La afirmación del amor (a pesar de todo), la ausencia del ser amado y la espera interminable, el deseo de que el ser amado cumpla nuestras expectativas, la incertidumbre de las señales, la euforia del primer encuentro libre de las dificultades que toda relación afectiva conlleva, el deseo incontenible, el enigma que representa el otro y las cargas del pasado que todos llevamos con nosotros son algunos de los aspectos que los artistas exploran en sus proyectos.

La variedad de propuestas y enfoques aquí —lúdicos, irónicos, poéticos, críticos o comprometidos— se combinan para crear una definición multifacética de la noción de amor y brindar una liberación de los prejuicios que trivializan o niegan la trascendencia política de cuestiones que involucran la dimensión individual o personal.

(textos del programa de proyecciones)

Retratar el amor, el programa de proyecciones que se presenta durante siete días consecutivos, está integrado por una veintena de trabajos en vídeo de distintos artistas y siete largometrajes que, desde diferentes tiempos y contextos, han reflexionado sobre el tema del amor y que ahora se proyectan en relación con siete nociones clave del Discurso de un amante de Roland Barthes: afirmación, encuentro, carta, canto, insoportable, incognoscible y espera.

La variedad de propuestas y planteamientos —lúdicos, irónicos, poéticos, críticos o comprometidos— se combinan para crear una definición poliédrica de la noción de amor y suponen una liberación de los prejuicios que banalizan o niegan la trascendencia política de cuestiones que inciden profundamente en la dimensión individual y en el ámbito de la subjetividad personal.

Programa de proyecciones:

Afirmación
(Contra y a pesar de todo, el sujeto afirma el amor como valor. Bejahung – Entgegen und trotz allem bejaht das Subjekt die Liebe als Wert)

Depicting Love, 2004. DVD. 3’08” – Oliver Held
Imagine, 1986. DVD. 3’20”– Zbig Rybczynski
I am a victim of this song, 1995. DVD. 5’ – Pipilotti Rist
All is Full of Love, 1999. DVD. 4’12” – Chris Cunningham
Ten New Love Songs, 1999. DVD. 22’ – Annika Ström
Darling – John Schlesinger. GB 1965. 35 mm. 122’

Encontrar
(La figura se refiere al feliz intervalo inmediatamente posterior al primer rapto, antes de que comiencen las dificultades de la relación amorosa. Begegnung – Die Figur bezieht sich auf die glückliche Zeit unmittelbar nach der ersten Verzückung, bevor sich noch die Komplikationen der Liebesbezeiehung bemerkbar machen)

Depicting Love, 2004. DVD. 3’08” – Oliver Held
It wasn’t love, 1992. DVD. 20’ – Sadie Benning
Relation in space, 1976. DVD. 14’52” – Ulay/Abramovic
One Night, 1997. DVD, 26’09” – Jordi Moragues
Histoires d’Amour, 1997. DVD. 60’ – Yael André
Brief Encounter – David Lean. GB 1945. 35 mm. 86’

Carta
(Esta figura se refiere a la dialéctica especial de la carta de amor, tanto en blanco (codificada) como expresiva (cargada de anhelo de significar deseo). Breve – Die Figur zielt auf die besondere Dialektik des Liebesbriefes ab, der leer (codiert) und zugleich expressiv ist (von dem Bedürfnis getragen, das Verlangen mitzuteilen))

Depicting Love, 2004. DVD. 3’ 08”- Oliver Held
Quadrifoglio, 2000. DVD. 7’56” – Rui Calçada Bastos
Breath Text: Love Poem, 1970-73. DVD. 2’30” – Valie Export
Love Lettering, 2002. DVD. 6’22” – Rivane & Sergio Neuenschwander
Dangerous Liasions – Stephen Frears. USA/GB 1989. 35 mm. 120’

Señales
(Ya sea que busque demostrar su amor o descubrir si el otro lo ama, el sujeto amoroso no tiene ningún sistema de signos seguros a su disposición. Zeichen – Sei es, daß es ihm seine Liebe beweisen will, sei es, daß es sich zu enträtseln müht, ob der Andere es liebt: dem liebenden Subjekt steht keinerlei sicheres Zeichensystem zur Verfügung)

Depicting Love, 2004. DVD. 3’08” – Oliver Held
Love Story, 1998. DVD. 2’30” – Antoni Abad
Pale Testament, 1999-2000. DVD. 8’8” – Heman Chong
A Short Film about Love – Krzystov Kiesslowski. P 1988. 35 mm. 87’

Inaguantable
(El sentimiento de una acumulación de sufrimientos amorosos estalla en este grito: “Esto no puede continuar…”. Unerträglich – Das Gefühl einer Häufung von Liebeskümmernissen zerbirst in dem Aufschrei: „Es kann nicht, es kann nicht so bleiben“)

Depicting Love, 2004. DVD. 3’08” – Oliver Held
I am too sad to tell you, 1971. DVD. 1’57” – Bas Jan Ader
Basic Kit, 1994. DVD. 4’ – Nuria Canal
Als wär’s von Beckett, 1976. DVD. 20’ – Lutz Mommartz
Le Roman de Werther – Max Ophüls. F 1938. 35 mm. 85’

Desconocido
(Esfuerzos del sujeto amoroso por comprender y definir al ser amado “en sí mismo”, mediante algún estándar de tipo de carácter, personalidad psicológica o neurótica, independiente de los datos particulares de la relación amorosa. Unbegreiflich – Versuche des liebenden Subjekts, das geliebte Wesen „an sich“ zu verstehen und im Sinne des charakterologischen, psychologischen oder neurotischen Typs zu definieren, unabhängig von den besonderen Gegebenheiten der Liebesbeziehung)

Depicting Love, 2004. DVD. 3’08” – Oliver Held
The Love Loop, 2002. DVD. 2’26” – Gino Rubert
Das Zauberglas, 1991. DVD. 6’ – Bjørn Melhus
Love Bites, 1998. DVD. 11’ – A.P.Komen / Karen Murphy
Double Blind (No sex last night), 1992. 35 mm. 76’ – Sophie Calle & Greg Shephard
Le Mariage d’Alex – Jean-Marie Teno. C/F 2002. 35 mm. 45’

Espera
(Tumulto de ansiedad provocado por la espera del ser amado, sujeto a retrasos triviales (citas, cartas, llamadas telefónicas, devoluciones). Erwartung – Angstaufwallung, die durch das Warten auf das geliebte Wesen ausgelöst wird, nach Maßgabe kleiner Verspätungen (Verabredungen, Telephonanrufe, Briefe, Heimkehrverzögerungen))

Depicting Love, 2004. DVD. 3’08” – Oliver Held
Let’s get Physical/Digital, 1997. DVD. 20’ – Christian Jankowski
Call Waiting, 1997. DVD. 13’11” – Lorna Simpson
Die Ehe der Maria Braun – Rainer Werner Fassbinder. D 1978. 35 mm. 120’

En un momento de “Luces de Bohemia”, Valle-Inclán habla en boca de su protagonista, Max Estrella: „Los héroes clásicos reflejados en los espejos cóncavos dan el Esperpento. El sentido trágico de la vida sólo puede darse con una estética sistemáticamente deformada“.

Los dibujos de David Shrigley aluden al lado más oscuro de la existencia cotidiana. Son directos, sin concesiones y muestran los aspectos más absurdos de nuestra sociedad. Para él, “el humor es sólo el azúcar con el que se adorna el mensaje para hacerlo más dulce”. Con una estética “do-it-yourself”, absolutamente personal y “low tech”, Shrigley utiliza múltiples formatos (dibujos, animaciones, esculturas, posters, instalaciones, páginas web, fotografías, múltiples, postales, portadas de discos, libros y camisetas) para hacer más accesibles sus trabajos. Artista, músico y cineasta, Shrigley utiliza el texto –tachaduras incluídas- para añadir significado a sus dibujos.

El universo Shrigley (del cual da buena cuenta su página web: http://www.davidshrigley.com) está presidido por una crueldad casi infantil y una fascinación por aspectos no vinculados al mundo de los adultos, es decir, a un mundo regido por normas y convenciones. De este modo, suciedad, fluidos, animales, insectos, monstruos o personajes absolutamente asociales pueblan sus trabajos. Así lo explicaba Katrina M. Brown en un texto sobre el artista: “En la obra de Shrigley encontramos un humor ineludible. Sin embargo, no se trata de un ingenio ligero y brillante, sino antes bien, marcadamente siniestro y con una inclinación hacia lo que hay de inferior en la vida”. Los insectos, los fluidos, la suciedad, lo que se esconde aparece en primer plano. Como los seres apelotonados de ojos sorprendidos de su obra “The Contents of the Gap between the Refrigerator and the Cooker”, o lo que es lo mismo, todos los gérmenes, animalitos, basuras, restos de comida y demás elementos imaginables e inimaginables que con los años se acumulan en espacios tan invisibles como el hueco que queda entre la nevera y la cocina. Todos ellos son producto de la fantasía, o mejor, de la pesadilla, y evocan todo un mundo ajeno a normas y convenciones, ajeno al control y a las apariencias.

Los protagonistas de sus obras acostumbran a ser personajes extraños, sociópatas, crueles y entrañables a la vez, que experimentan situaciones que evidencian lógicas extrañas y en las que hacen acto de presencia el miedo, las fobias, el amor, la crueldad y también la ternura. Es el caso de Pete, el desequilibrado protagonista de la animación “Who I am and what I want”, realizada en colaboración con Chris Shepherd. Pete nos habla acerca de su vida, sus deseos y sus sueños. Nos cuenta la historia de una vida de excesos que le ha llevado a alejarse de la feroz competitividad de la ciudad y exiliarse en el bosque, donde convive con los animales. Lo extraño se convierte en habitual, lo ordinario da paso a lo extraordinario.

Existe un David Shrigley tierno y sutil, como cuando realiza la fotografía de un globo con la cara sonriente que aparece entre las sábanas de una cama desecha. Sin embargo existe también un Shrigley más ácido y amargo, que presenta un gato disecado sin cabeza, una ardilla disecada que sostiene su cabeza entre sus manos como si fuera una nuez o un diente lleno de caries frente a un espejo (“What Decay Looks Like”).

Los dos trabajos que David Shrigley presenta en el Centro de Arte Santa Mónica no muestran de una manera evidente el lenguaje de este artista. Tanto en la animación «Sleep» como en la instalación «Insects», el humor no es el elemento más destacado. En esta ocasión, Shrigley prescinde del azúcar que podría hacer más dulce el mensaje. «Sleep» no tiene un inicio ni un final claros. Durante los ocho minutos que dura la animación, la acción se reduce a un hombre (de físico no precisamente agradable) tumbado en su cama que duerme, respira profundamente, a veces mueve levemente las manos, cambia la posición de su cabeza y modifica su expresión en función de sus sueños. Quizá sus sueños aparezcan poblados por un universo extraño, el que encontramos en la segunda planta, poblada por un ejército de insectos y otros elementos, de factura muy casera, con cuerpos de metal y mil formas imaginables. De nuevo, el sueño y los insectos, escapan a las normas, al control y a las convenciones, se mueven en un territorio de no consciencia, en el reino de lo latente, de lo oculto, en un espacio asocial, en el que afloran todos los miedos, dudas e inseguridades. Se reflejan y nos reflejan en espejos cóncavos que no hacen sino sacar a la luz aspectos tremendamente humanos.

Montse Badia
Septiembre 2008

TIEMPO

Los Ángeles, 2019
En la azotea del edificio Lloyd, Roy Batty, el jefe del grupo de replicantes rebeldes que ha vuelto a la tierra para conocer el sentido de su existencia, está a punto de aceptar su final: “Yo he visto cosas que vosotros no creeríais. He visto atacar naves en llamas más allá de Orión. He visto rayos C brillar en la oscuridad cerca de la puerta de Tanhäuser. Todos estos momentos se perderán en el tiempo como lágrimas en la lluvia. Es hora de morir”.
El policía Rick Deckard se convierte en testigo y aliado, a pesar de que su misión inicial era bien distinta: “No sé por qué me salvó la vida. Quizás en esos momentos amaba la vida más de lo que la había amado nunca. No sólo su propia vida, sino la de todos. Mi vida. Todo lo que él quería eran las mismas respuestas que todos buscamos. ¿De dónde vengo? ¿A dónde voy? ¿Cuánto tiempo me queda?”.

Tiempo. La noción de tiempo nos conduce a una gran cuestión filosófica. La certeza de su finitud aboca a un interrogante existencial. Memento Mori. No olvidéis que vuestro tiempo no es eterno y se acabará algún día.
Y claro, el arte puede convertirse en una manifestación de las ideas, “en un caballo de Troya”, como lo definió en una ocasión la artista Ceal Floyer.
Tere Recarens preparó dos grandes contenedores, cuyo contenido sólo podrá ser desvelado el 19 de marzo del año 2014.
Kris Martin hizo una edición de diez esferas doradas cuyo interior alberga un artefacto explosivo que se activará dentro de cien años, en el año 2104.
James Lee Byars coleccionaba “esferas perfectas”, “momentos perfectos”, “frases perfectas”, todo aquello que merece perdurar y que sintetiza la esencia de las cosas, de la existencia.
Las pinturas y los vídeos de Muntean and Rosenblum muestran la nostalgia de una Arcadia que también nos recuerda lo efímero de la vida.
Felix Gonzalez-Torres deja que la pila de caramelos equivalente al peso de su amante enfermo vaya diezmando a medida que los visitantes a la exposición se los van llevando. Montañas de caramelos o pilas de posters van desapareciendo, dispersándose, como la vida.
Con canciones por todos compartidas, cantadas a capela, Susan Philipsz transforma un espacio común en un espacio que de repente podemos hacer nuestro, que vemos de una manera distinta, porque los temas que canta con su voz frágil y desnuda forman parte de nuestra propia biografía.
On Kawara nos recuerda constantemente que sigue vivo.
Kris Martin nos invita a que nos miremos en un espejo en el que, como si se tratara del final de una película están escritas las palabras “The End”.

Tiempo suspendido
Suspender el tiempo. Expandirlo. Para eternizarlo, pero también para evidenciar sus mecanismos. Para poner de manifiesto su sinsentido.
En Sleeping, Andy Warhol filma una noche de ocho horas de sueño del poeta John Giorno. La última imagen de la película es un plano congelado. También registra el Empire State Building durante ocho horas. Tiempo real y tiempo cinematográfico se superponen.
Martí Anson realiza una road movie que muestra todo aquello que una road movie nunca mostraría, esto es, los momentos en los que no sucede nada relevante, los tiempos muertos.
En 24 hours Psycho, Douglas Gordon ralentiza el film Psicosis de Alfred Hitchcok de manera que su duración coincide con las 24 horas en las que se desarrolla la trama de la película. No sólo enfatiza la negación de la narrativa, sino que convierte el suspense de la intriga en una narración suspendida.
Jeff Wall, Gregory Crewdson y otros artistas que trabajan “staged photographies” detienen la acción, pero para hacerla perdurar y para que lo ordinario del momento escogido nos haga ser conscientes de ciertos elementos perturbadores. En definitiva, para hacernos sospechar de lo que vemos.
Alicia Framis también detiene el tiempo, o mejor dicho, las personas que forman parte de diversas empresas e instituciones se mantienen completamente inmóviles durante unos minutos. Su gesto tiene consecuencias pero sobretodo sirve para recordarnos que cualquier acción individual puede tener un impacto extraordinario.

Economías del tiempo
Tiempo es dinero. El uso eficiente del trabajo responde a un sistema mental y económico en el que tiempo equivale a dinero. Nuestro devenir diario está completamente programado. No hay espacios para el imprevisto ni para el encuentro fortuito. El flâneur de Baudelaire, los paseos de los dandies acompañados de tortugas para marcar un ritmo lento; el deambular parisino de Breton en busca de Nadja y también de la poesía; los recorridos a la deriva de los situacionistas… han dejado de ser posibles o se han convertido en actos de resistencia o de asocialización, en intentos de readueñarnos de nuestro tiempo. Hay muchas formas de usar el tiempo y también de perderlo. La respuesta a la efectividad es una apuesta por la individualidad y un posicionamiento contra la estandarización. Es la búsqueda de unos resultados diferentes a los esperados.
El arte puede crear estos marcos de pensamiento. Permite plantear las cosas de otro modo. Permite aproximarse a la realidad desde perspectivas inéditas, desde el absurdo, desde el cuestionamiento de los valores predeterminados, desde la duda.
Francis Alÿs propone viajar de Tijuana a San Diego, pero no a través del camino que cruza la frontera mejicana-estadounidense, sino siguiendo otra ruta, vía Panamá, Santiago, Sydney, Singapur y Bangkok, que tardará treinta y cinco días en completar. También observa algunas “paradojas de la praxis”. Sometimes making something leads to nothing. El artista arrastra un bloque de hielo por las calles de Ciudad de Méjico hasta que se derrite, dejando únicamente un rastro húmedo. No cabe duda, se trata de una estimación absolutamente subjetiva de la economía del tiempo.
Claude Closky se recrea en esfuerzos improductivos, en conocimientos fútiles. Hace inventarios: los primeros mil números por orden alfabético. Colecciona frases hechas ordenándolas de la más larga a la más corta. Enumera los cuadritos de un bloc cuadriculado o hace un listado extraído de la guía de teléfonos de Dôle de 8633 personas de allí que no conoce.
Ignasi Aballí también hace listados extraídos de los periódicos: de personas, de artistas, de obras, de muertos… Malgasta botes enormes de pintura. Construye paredes sin utilidad o rectifica una superficie negra cubriéndola totalmente con tippex.
Para poner una rueda de bicicleta alrededor de una farola, Andreas Slominski hace levantar la farola, deposita la rueda en el suelo y luego vuelve a colocar la farola. Para enviar una carta, hace que una jirafa del zoo lama el sello.

David Hammons lo decidió hace tiempo. “Cuanto menos hago, más artista soy. La mayor parte del tiempo me dedico a estar en la calle y andar”. En 1983, en Cooper Square en Nueva York, David Hammons puso a la venta bolas de nieve, ordenadas según su tamaño sobre una alfombra de colores.
Nos queda la imagen de Hammons con abrigo, sombrero y guantes, en una esquina nevada y delante de una cincuentena de bolas de nieve perfectamente agrupadas, sosteniendo en su mano una de ellas y esperando. Mirando hacia un lado con una expresión entre taciturna, burlona y resignada. Vendiendo bolas de nieve y esperando. Esperando una reacción, una respuesta, un sentido. Simplemente esperando. Tiempo.

Montse Badia
Primavera 2008

(Pensa/Piensa/Think es una exposición co-comisariada en el Centro de Arte Santa Mònica de Barcelona, por Frederic Montornés, Jacob Fabricius, Ferran Barenblit y Montse Badia)

Alicia Framis toma los conflictos o contradicciones que ve a su alrededor como punto de partida de las nuevas ideas, modelos o prototipos que componen sus series. La violencia, la seguridad, la convivencia, la comunicación y la soledad son algunos de los temas clave que han articulado su obra. Framis se involucra en cuestiones y proyectos específicos durante un período de tiempo determinado —que puede ir desde unos días hasta unos años— durante el cual sus auténticos “works in progress” se definen, se transforman y evolucionan, a menudo en relación con los lugares donde se presentan.

La artista definió alguna vez el objetivo de su trabajo como esencialmente “crear un buen concepto para la vida”: un posicionamiento tan directo como complejo, y que en última instancia es simplemente una afirmación de la necesidad del arte como catalizador de otras formas de mirar, ver y cuestionar las cosas. Estas premisas están presentes en todos los proyectos de Framis hasta la fecha, algunos de los cuales tal vez sea pertinente recordar aquí, a modo de introducción a Guantánamo Museum, su trabajo más reciente. En Dreamkeeper (1997), por ejemplo, publicó un anuncio en los periódicos en el que se ofrecía a velar por los sueños de las personas solitarias; en Remix Buildings (1999-2000) propuso un nuevo enfoque de la arquitectura, combinando funciones improbables —un cine y un hospital, un metro y un cementerio, una autopista y un monumento conmemorativo, etc.— para demostrar hasta qué punto nuestra sociedad se esfuerza por hacer invisibles todos aquellos aspectos de la existencia relacionados con la enfermedad, la vejez, el sufrimiento y la muerte. Anti-Dog (2002-2003), una reflexión sobre la violencia contra las mujeres, consistía en una colección de vestidos confeccionados con tejidos especiales: a prueba de balas, ignífugos y resistentes a los ataques de los perros. Secret Strike (2003-…) es una serie de performances colectivas realizadas con el apoyo de diversas instituciones —Tate Modern en Londres, Inditex en Santiago de Compostela, Rabobank en Utrecht…— en las que los trabajadores interrumpen por unos instantes lo que estén haciendo y paralizan por completo la actividad de estas grandes empresas.

La colaboración es, pues, otro aspecto clave del trabajo de Framis. No sólo por parte de los arquitectos, diseñadores, músicos o escritores a los que suele recurrir como compañeros de viaje, sino también de las personas a las que implica directamente en sus proyectos y del espectador, que no puede evitar implicarse en sus obras.

Guantánamo Museum es el nuevo proyecto de Alicia Framis y el Centre d’Art Santa Mònica es la segunda parada de un recorrido que se vislumbra largo y esperado y que comenzó en la Galería Helga de Alvear de Madrid con un ‘sketchbook’ en el que la artista expuso sus preocupaciones en torno a un tema de gran actualidad: la prisión de Guantánamo. Desde 2002, el ejército estadounidense utiliza su base de la bahía de Guantánamo (Cuba) como centro de detención de máxima seguridad. Los presos de Guantánamo, capturados y encarcelados sin juicio previo, son clasificados como ‘combatientes enemigos’ y sospechosos de actividades terroristas, privados de los derechos más básicos y torturados sistemáticamente… Numerosas iniciativas en diversas partes del mundo siguen condenando la existencia de Guantánamo. Hace unas semanas, la prensa anunció que ‘el Tribunal Supremo de Estados Unidos da el golpe de gracia al limbo de Guantánamo’, citando la decisión de los jueces de que los detenidos tienen el derecho constitucional de defenderse en los tribunales civiles. Éste podría ser el final definitivo de Guantánamo.

El proyecto de Alicia Framis parte de la constatación de que es muy probable que la prisión de Guantánamo se cierre pronto y que, inevitablemente, se convierta en museo, porque vivimos en una sociedad que tiene una necesidad insaciable de museizarlo todo. Auschwitz y Alcatraz son buenos ejemplos de cómo a partir de la memoria del horror se pueden crear souvenirs para el turismo. Framis no pretende ser categórica ni aportar soluciones, sino que pretende profundizar en la cuestión de si es legítimo convertir el horror en un producto de consumo. Al fin y al cabo, ¿quizás los museos de este tipo sean un mal menor, una forma de garantizar que ciertas atrocidades no caigan en el olvido?

El Museo de Guantánamo de Alicia Framis pone de relieve esta paradoja con su propuesta de un posible museo para Guantánamo, un museo que la artista sin duda definirá más en el transcurso de sucesivas presentaciones de su proyecto. En esta exposición en el CASM, la artista se centra en el factor humano esencial recordando a todas las personas que han estado o siguen estando enjauladas en los campos de concentración de Guantánamo. Guantánamo Museum: The List es un memorial en el que 274 cascos de moto cortados por la sierra evocan la vulnerabilidad de los presos y el abuso de su integridad, mientras la voz del músico Blixa Bargeld lee una lista, elaborada por el escritor Enrique Vila-Matas, con todos los nombres de los prisioneros, que nos recuerda su presencia y, al mismo tiempo, su ausencia.

En paralelo, Guantanamo Museum: Sketches es una reinterpretación de diferentes espacios de los campos de prisioneros, mostrando cómo podrían convertirse en el museo propuesto, cuyo lema es “Cosas para olvidar”. Para definir los objetos que se expondrán en el museo, el artista ha trabajado con varios colaboradores, entre ellos arquitectos, diseñadores y estudiantes de diseño, y ha impartido una serie de talleres en la Escuela de Moda Felicitat Duce (Barcelona), el IED Instituto Europeo de Diseño (Madrid y Barcelona) y Can Xalant (Mataró). Fruto de estos talleres es la exposición Guantánamo Museum: Workshops, una selección de ideas, bocetos y prototipos que Alicia Framis ha incorporado a su propuesta para el Museo de Guantánamo, el último —¿y el último?— museo surgido del horror.

Montse Badia
Junio 2008

En el año 1996, Dora García realizó una instalación titulada Perplexity, que consistió en acotar un espacio de una galería de arte con una cinta en la que podía leerse la palabra “perplejidad”. De esta manera tan sencilla (y en el caso de los trabajos de Dora hay una relación inversamente proporcional entre la facilidad con la que pueden describirse sus obras y su complejidad conceptual), la artista señalaba los límites en los que se situa su trabajo: presentar la realidad como múltiple y cuestionable y explorar la relación entre artista, obra y público. En otras palabras, Dora señala, actúa como una directora de cine que cuenta historias (o simplemente las selecciona), desencadena una situación, nos sitúa en un escenario o nos hace partícipes de un juego cuyas reglas se parecen mucho a la realidad y por eso mismo nos permiten cuestionarla.

Cuentos Escogidos es el título de esta exposición que podría definirse como una miniretrospectiva, pues reúne una selección de trabajos que incluyen el lapso de tiempo comprendido entre los años 1991 y 2007. Debido al carácter marcadamente procesual de las obras de Dora García, la presentación de estos trabajos se realiza en un formato que la propia artista define como “en modo off”, es decir, mostrando los elementos que forman parte de las obras pero de una manera “desinstalada”.

Cuentos Escogidos presenta un recorrido por siete trabajos: Contes Choisis (1991) es una instalación presentada en la Fundación De Appel en Ámsterdam en la que el retrato de Guy de Maupassant contrapuesto a dos enigmáticas esculturas definen un sustrato narrativo y ficcional. Todas las Historias (2001- ) es un trabajo en proceso cuya ambición es la de reunir “todas las historias del mundo. El lector que decida leerlas en voz alta se convierte en performer de Todas Las Historias y, cuando haya terminado, todos los hombres y mujeres, todo el tiempo y todos los lugares, habrán pasado por sus labios. La dificultad estriba en que casi cada día nuevas historias se añaden a esta lista”. La Habitación cerrada consiste en una habitación que debe permanecer cerrada. Cuando alguien entra en dicha habitación ésta desaparece y la obra se desvanece. The Crowd es una performance que parte de la necesidad de crear expectativas y en la cual el público juega un papel esencial. The Prophets es descrita de esta manera por la artista, “[Los profetas]… cada día entran en el museo y recogen las fotocopias con las profecías que hay para ese día y que yo había enviado con antelación. Durante la siguiente hora, van entregándolas entre los visitantes del museo y realizando las tareas profetizadas y que escribí específicamente para ellos en los papeles que están distribuyendo. Nunca saben de antemano cuáles pueden ser esas tareas, ni en la forma en que se presentarán a los visitantes al día siguiente. La tensión que generan estas profecías «prêt-a-porter» (…), la sospecha de que los sucesos que tienen lugar son en parte una puesta en escena, y la amenaza constante de una realidad incontrolable…». The Beggar’s Opera es el proyecto que García presentó en el Skulptur Projekte Münster’07 y que consistió en una serie de performance realizadas por un actor que interpreta a un mendigo, Filch, inspirado en el aprendiz de mendigo de la ópera de John Gay, que a su vez inspiró a Bertolt Brecht en La Ópera de Tres Peniques. Filch es un personaje que se mueve libremente por las calles de Münster, suficientemente marginal como para poder decir lo que piensa en todo momento. Sus aventuras, encuentros y observaciones eran anotados en el cuaderno de bitácora www.thebeggarsopera.org así como una serie de monólogos que fueron representados en el Metropolis Kino de Münster y que aparecen ahora recogidos en una publicación. Finalmente, C (Film contado dos veces), una propuesta creada específicamente para el CASM, es una proyección comentada de la película Film (1964) de Beckett que se basa en la noción de cámara subjetiva. La proyección comentada tendrá lugar todos los miércoles a las 19 horas en el Auditorio del CASM.

Moviéndose constantemente entre las fronteras que separan ficción y realidad, las performances de Dora García (performances con actores que siguen una serie de instrucciones) exploran sus límites, que no son otros que los límites entre lo real y su representación. Mediante la investigación de la construcción de ficciones, el trabajo de Dora García ofrece una visión autoreflexiva del invididuo y de su entorno, en el que el reconocimiento juega un papel esencial.

“El arte es para todos pero sólo una élite lo sabe”, reza una de sus ”frases de oro”, verdaderos statements o declaraciones de principios con las que hace pública su postura y con las que resulta fácil identificarse. “La diferencia entre ordinario y extraordinario está en esa cosita extra”. Ahí precisamente radica lo extraordinario de su trabajo.

Montse Badia

Peter Liversidge (Lincoln, UK, 1973) hace propuestas. El artista lleva diez años haciendo propuestas, que ha presentado, entre otros, en el Edinburgh Art Festival, en el festival Europalia en Bruselas o en la sección Unlimited de la feria de arte Art Basel.

Todos sus proyectos se inician en un mismo punto: una propuesta que consiste en la idea de escribir propuestas. «I propose to write proposals for Montse Badia at the Centre d’Art Santa Mònica, Barcelona, during October 2007. Starting no sooner than the first of October and finishing no later than the thirtyfirst of October 2007». Este fue el inicio de la exposición «Proposals for Barcelona» de Peter Liversidge en el Centro de Arte Santa Mónica.

Algunas de las ochenta y ocho propuestas presentadas por Peter Liversidge son utópicas, otras son imposibles, otras son poéticas, otras son de carácter práctico y otras son un puro divertimento. De lo más absolutamente banal a lo transcendente, las propuestas de Liversidge son más prescriptivas que descriptivas. Algunas de ellas han sido realizadas y se encuentran materializadas o documentadas en el propio espacio de exposición, otras, en cambio, abren un espacio para que el espectador pueda interpretarlas libremente. Así, en la sala de exposiciones podemos encontrar objetos relacionados con una de las propuestas previamente enviadas por Liversidge («I propose to place on the floor of Gallery 2 at Centre d’Art Santa Monica a bronze cast of the two elastic bands I found outside my front door this morning. The elastic bands were the red type often dropped by postmen. They were laying on top of each other, and this is how they will appear in the gallery space»), documentación gráfica de acciones llevadas a cabo por el propio artista («I propose to scatter Brittish wild-flower seeds in any broken ground in the city of Barcelona»), documentación de acciones que a todos nos gustaría llevar a cabo («I propose to use the telephones at Centre d’Art Santa Monica to phone everyone I know») o propuestas que el espectador puede dotar de connotaciones más transcendentes («I propose to escape to the beach»).

Peter Liversidge envió por correo postal 88 propuestas, previamente mecanografiadas y de las que sólo existe un original. Pero su deuda con el arte conceptual no atiende sólo a aspectos puramente formales. Las propuestas de Liversidge no son un revival del arte conceptual. Su proximidad a las prácticas conceptuales históricas radica en su punto de partida, en su actitud. Liversidge realiza una crítica institucional, no siempre obvia, pues más que denunciar o poner en evidencia unos mecanismos o tics determinados, el artista nos hace replantearnos una serie de procesos o roles asumidos. Liversidge no responde a la invitación del comisario con una o dos propuestas de exposición, sino que lo hace con muchas (a veces son veinte, a veces ochenta y a veces son casi doscientas), de manera que inicia un proceso de discusión, de intercambio de puntos de vista, de decisiones y también de responsabilidades compartidas que convierten la preparación del trabajo en un punto álgido de intensidad del cual queda poco rastro una vez se «materializa» la exposición.

Sin embargo, la crítica institucional es un medio y no un fin para Liversidge. Con sus propuestas, el artista nos invita a repensar los roles pero también nos hace repensar la naturaleza y los entornos inmediatos, al tiempo que abre un mundo de posibilidades. Y todo esto lo hace no tanto a partir de gestos grandilocuentes, sino de acciones pequeñas y concisas, de escala muy humana pero que pueden hacer cambiar radicalmente nuestra percepción de las cosas.

Liversidge nos confronta a las distintas concepciones de la naturaleza a partir de sus representaciones (hace moldes en distintos materiales de una piedra encontrada, expone un pájaro disecado, muestra films registrados en el zoológico, expone dibujos invernales o presenta un tributo floral de un lugar idealizado por el artista); nos confronta a la percepción del entorno (mediante la luz, el humo, las canciones o los sonidos); se propone metas personales (aprender español, corregir los errores, hacer planes…); ofrece servicios (regentar un restaurante en el centro de la ciudad, hacer de fotógrafo de bodas…) o propone formas difíciles de llevar a cabo para cambiar nuestro entorno (poner en la parte inferior del teleférico unos focos que proyecten haces de luz sobre la ciudad).

Con unas propuestas más o menos concretas, más o menos ambiciosas, más o menos visionarias, Peter Liversidge nos invita a pensar que es posible incidir en el entorno que nos rodea. Partiendo de los aspectos más cotidianos que definen nuestras biografías, el artista evidencia que es posible apelar a la imaginación y a otros mundos posibles, opta por el sentido del humor como detonante para plantear cuestiones esenciales acerca del ser humano. Las propuestas de Peter Liversidge no son guiones escritos, sino posibilidades ilimitadas.

Montse Badia

“Busco relaciones íntimas con estructuras impersonales”. Con esta frase tan escueta como contundente define Jill Magid su trabajo artístico. “Los sistemas con los que escojo trabajar, como la policía, servicios secretos, la televisión de circuito cerrado y la identificación forense funcionan a distancia, con una perspectiva gran angular equiparan a todos y borran al individuo. Busco la suavidad y la intimidad potencial de sus tecnologías, la falacia de su punto de vista omnisciente, las maneras en que conservan la memoria (aunque a menudo dejan de recordar), su posición implantada en la sociedad (la causa de su invisibilidad), su autoridad, su intangibilidad aparente y, con todo eso, su potencial reversibilidad.”

Como “la protagonista de la novela de otra persona”, Jill Magid vuelve a su ciudad tras haber vivido cinco años en el extranjero. Como vive en Brooklyn coge el metro a menudo y no sale de su asombro cada vez que escucha por megafonía el anuncio de que “por razones de seguridad” cualquier pasajero puede ser objeto de un registro. Sin dudarlo, Jill se acerca a un oficial y le pide que la registre. La negativa del policía deriva en un acuerdo: la posibilidad que la artista lo acompañe durante sus rondas de vigilancia nocturna. Los mundos a los que pertenecen los protagonistas de esta historia no pueden ser más distintos: una joven artista independiente y emprendedora y un policía de Staten Island que sólo una vez en su vida salió de Nueva York y fue para visitar Disneylandia. Pero la fascinación es mutua: ella escribe un diario que recoge todas sus impresiones y pensamientos durante los turnos de vigilancia; él acompaña sus rutinas recitando los nombres de los presidentes de los Estados Unidos, “porque el mundo es como es gracias a ellos”. Ella representa la interrogación y la búsqueda constante, él representa la continuidad. Ella logra entender sus códigos (el alfabeto que utiliza la policía para deletrear las palabras); él intuye que la complejidad de ella puede ser problemática. Lincoln Ocean Victor Eddy. L.O.V.E.

Parece una carta de amor, pero es un contrato. “Haz de mí un diamante cuando muera. Córtame redondo y brillante. Pésame a un quilate. Asegúrate que sea real.”. Introduciendo minuciosamente cada una de las claúsulas que se especifican en el contrato, Jill Magid redacta una carta de amor para que cuando ella muera sea transformada en diamante. La vitrina muestra el arco del anillo y el engarce, pero falta la piedra, el diamante, para completar un autorretrato que, por el momento, está inacabado.

La muerte, el peligro, la inseguridad, el caos son valores que nuestras sociedades no aceptan. Para ello crean sistemas, aparentemente objetivos, que nos protegen, que nos ordenan, que apaciguan nuestros miedos, que evitan que nos hagamos demasiadas preguntas, que transforman lo que no nos atrevemos a mirar en algo agradable, en algo eterno, en algo material, objetivo. Jill Magid utiliza estos sistemas para evidenciar sus mecanismos, para desvelar su potencial poético y, en última instancia, para desencadenar nuevas formas de interacción humana.

Thin Blue Lines es el título de esta exposición. “Thin Blue Line” es una expresión anglosajona que define la línea que separa la protección policial de la anarquía. De color azul son también las líneas con las que Magid subraya las citas de la novela de Jerzy Kosinski. “Digamos que soy la protagonista de la novela de otra persona.”

Montse Badia

Afgang’06

„The biggest trip of my life was just going to start“
(Jack Kerouac)

Dejar atrás una etapa e iniciar otra. Enfrentarse a algo diferente. Vivir un proceso de iniciación, de transformación, de cambio. A veces se trata de cambios de gran transcendencia. En otras ocasiones, se trata sólo de pequeños ajustes vitales. Todos estos cambios y evoluciones conforman nuestra vida y este es un leitmotiv que se repite en el cine, en el arte, en música, en literatura… Todo cambio, o mejor dicho, toda necesidad de cambio lleva implícita una forma de descontento. Al igual que en todo trabajo creativo, repensamos el mundo y nuestra relación con él porque hay algo que nos irrita y nos molesta y, por tanto, deseamos modificar. A veces, el cambio es un viaje físico que se convierte en metáfora de una búsqueda, de una huída o del reencuentro con uno mismo. Esta es básicamente la base de todas las road movies, en las que el viaje se convierte en una metáfora de la transición a una etapa de madurez, de la búsqueda de lo inesperado, o quizás de la huída de algo. Así, para Jack Kerouac y otros iconos de la generación beat, el viaje suponía una búsqueda de respuestas al acto de vivir, al tiempo que una forma de huir de las responsabilidades…

„There is no place I’d rather be than this journey of discovery“
(Jamiroquai)

El viaje en un sentido físico o metafórico es un hecho indisociable del acto creativo. Uno de los hechos inseparables del arte moderno ha sido la búsqueda de sus valores en otros lugares, ya sean espaciales, geográficos, míticos o temporales. Todo viaje, toda partida implica una acción vital y una experiencia cognoscitiva. En este sentido, no es extraño que desde siempre forme parte del bagaje de los artistas. Así, en el siglo XIX el viaje a Italia con carácter formativo era para los artistas europeos una cita obligada. Más tarde, la fascinación por Oriente supuso la atracción por el exotismo. A menudo, el viaje hacia otros territorios se convierte en un viaje hacia el propio interior. El viaje puede ser un recorrido en solitario como via de autoconocimiento (Richard Long, Ulay/Abramovic); puede ser un estímulo, una provocación, una regeneración o el deseo de integrarse en un lugar diferente (Andreas Gursky, Beat Streuli); puede ser el detonante para perseguir ideas o proyectos que parecen imposibles (Joost Conijn, Simon Starling) o puede ser el definidor de una nueva clase social de nómadas o pasajeros en tránsito constante que ponen de manifiesto una implicación con el tejido social (como es el caso de la mayoría de artistas contemporáneos, cuyo estudio se sitúa en este ir y venir entre diferentes ciudades, países, proyectos y situaciones).

I still don’t know what I was waiting for
And my time was running wild
A million dead-end streets
Every time I thought I’d got it made
It seemed the taste was not so sweet
So I turned myself to face me
But I’ve never caught a glimpse
Of how the others must see the faker
I’m much too fast to take that test

Ch-ch-ch-ch-Changes
(Turn and face the strain)
Ch-ch-Changes
Don’t want to be a richer man
Ch-ch-ch-ch-Changes
(Turn and face the strain)
Ch-ch-Changes
Just gonna have to be a different man
Time may change me
But I can’t trace time

(“Changes”, David Bowie)

El viaje también puede referirse al fín de una etapa y al inicio de otra, a la experiencia vital de un final que conlleva un nuevo principio. Para los artistas, el paso por la Academia supone un período de formación, de discusión y de compartir con los compañeros momentos privilegiados y ajenos al rendimiento que más adelante la sociedad exige a sus miembros („Et in Arcadia Ego“, como lo definía con gran nostalgia Evelyn Waugh en Brideshead Revisited). El paso por la Academia y el fín de esta etapa supone también un momento de interrogación, quizás no tanto sobre uno mismo (no estamos hablando de estudiantes adolescentes) pero sí en relación al rol que como artistas deben asumir y a su posicionamiento en relación a la sociedad. El paso por la Academia podría encajar en la definición que el antropólogo holandés Arnold van Gennep da en su libro The Rites of Passage (1908), en el que examinó lo que él denominaba „crisis vitales“ y las ceremonias (o mejor fases) que las acompañan: separación, transición e incorporación. En la fase de transición, en la que el individuo no acaba de estar dentro ni fuera de la sociedad, van Gennep habla de estar en el „umbral“, y nosotros añadimos, en un momento de cambio, de indefinición, de cuestionamiento y de toma de posición personal y profesional.

Tine O. Jensen, Rikke Winther, Line S. Mengers, Kristian V. Svensson, Karen Petersen, Jesper Carlsen y Anders V. Hansen, los siete artistas participantes en la exposición Afgang06, se encuentran en ese “umbral” de interrogación y de toma de posición. The common denominator that unites these artists is that (apart from having done their education in the same art academy, Det fynskekunstakademi) from May onwards they will share the experience of leaving (the academy) and in a broader sense, the idea of departure. The spirit of the exhibition is summarized with the quotation of the beginning of the book of Jack Kerouac, On the road: „The biggest trip of my life was just going to start“ “: to accomplish a period of education, of training and starting a new period, which implies a decisive moment, a moment of looking for a place –a space of one’s own from which to take part in a given reality- and also a place in the art world and in society. It is also a moment of interrogation: how is the art world? What are the function of art and the role of the artists? Which is the social status of artists? Can art fulfill a social function?

Durante el proceso de preparación de Afgang06, los artistas no sólo han desarrollado sus trabajos individuales, sino que han discutido colectivamente todos estos temas personalmente y también a través de un foro en Internet, de manera que no sólo han ido articulando sus proyectos, sino que también han podido compartir e intercambiar con sus compañeros todas sus dudas e inquietudes. En las intervenciones que los siete artistas han ido realizando en el forum, han expresado sus ideas en relación al arte, a su papel como artistas, a sus proyectos personales, así como su preocupación en relación a algunos hechos que ocurrían a su alrededor y que han conmovido al mundo (como las reacciones de algunos sectores musulmanes ante las viñetas sobre Mahoma publicadas en el periódico danés Jyllands-Posten. Estas son solo algunas de las discusiones o intercambio de opiniones que han ido manteniendo durante todo el proceso de preparación de Afgang06 y que se han vertido en el forum: así, la situación de impasse que supone dejar la Academia, la resumía una de las artistas con la siguiente metáfora: „Maybe I’m more for going into something new than going away… but well, if you go out of a room you automatically enter a new one“. Los siete artistas participantes en Afgang06 entienden su rol desde el compromiso con la sociedad (“the role of the artist is a way to help people think in the real world. My objective is pretty simple I am trying to raise the level of consciousness in relation to esthetic consummation. I think good art can have the ability not only to raise questions about it self, but raise questions about the way we see the world. I see an artist’s practice as research, not only researching the subject matter, but also the surrounding phenomenon including ones own subject”). En consecuencia, para ellos la práctica artística es una forma de comunicación. Tal como lo expresaba otra de las artistas, “it´s a field where you can talk about things in a way that´s impossible with just words. The relation between society and art is very important. To be aware of what is going on around you. Then it might be possible to somehow add something that is «missing» in the world. I guess that´s what art is about” / “art has a social value and that it can fulfill this function. -it quickly becomes a discussion of inside/outside the institution, in my head it does, because clearly as an artist you talk to a small audience, but then you break that barrier when you interact directly with some from outside this circle, and then there are art in the public sphere which can be problematic. But sure, art has a social value when artists are somehow conscious of the choices she/he makes and consider the context”.

“Art is a way of thinking about the world, art questions society,
art challenges passivity and stimulates action” (Manifest Blue Dogma)

Hace mucho tiempo que los artistas no viven ajenos al mundo y aislados en sus estudios. Todo lo que ocurre a su alrededor les concierne, les afecta y les preocupa. En el año 1980 la UNESCO subrayaba la importancia del papel que los artistas desempeñan en la sociedad. En la actualidad, muchas prácticas artísticas contemporáneas trabajan con la realidad, se insieren en otros contextos y utilizan otras estrategias, mecanismos, dispositivos de producción y comunicación diferentes de los tradicionalmente artísticos. Sus trabajos abordan temas y situaciones que tienen una incidencia directa en la sociedad, tematizan, comentan y cuestionan, establecen modelos y prototipos, situaciones paralelas o tests sociales y económicos a pequeña escala, otorgan visibilidad a ciertas dinámicas, evidencian mecanismos, muestran contradicciones y, en consecuencia, cuestionan –o nos invitan a cuestionar- nuestro presente y nuestra relación con él.

Aunque sus intereses y sus trabajos son muy diversos, esta posición de compromiso es compartida por los siete artistas que exponen en Afgang06. Así, one of the main concerns of Tine O. Jensen’s work is the femenine identity. Su vídeo más reciente aparece poblado de imágenes y situaciones (un barco, una isla, una madre, su hijo) cargadas de significado y simbolismo. Las pinturas y dibujos de Rikke Winther deal with an inner world full of imagination and psychological depth. Line S. Mengers’ work deals with social structures. She uses a wide range of media (sound, video, questionnaires, among others) in order to relate to specific contexts. In light of the graduation exhibition, Line Mengers has developed a project about the relative (economic) value of art in society. In order to settle her studio after leaving the Academy, she has exchanged drawings for elements such as a desk, a computer chair, etc.). Kristian V. Svensson también utiliza diferentes medios (como el video o la performance) para desarrollar unos proyectos que utilizan la esfera pública como lugar de intervención. Utilizando aviones, Svensson realiza “pinturas” en las que el transeunte se incorpora, a menudo sin ser consciente. Las instalaciones, y sobretodo el sonido son el material de trabajo primordial de Karen Petersen, para hacernos replantear nuestros puntos de vista sobre las cosas. Jesper Carlsen muestra una naturaleza que responde a una meticulosa construcción. En las proyecciones, animaciones o mecanismos construidos de Carlsen, naturaleza y artificio se unen para evidenciar las contradicciones y la complejidad de significados de las cosas. Anders V. Hansen también trabaja en relación a la esfera pública. Para Afgang06, Hansen crea un videojuego que, reproduciendo la apariencia de un videojuego convencional, incorpora pequeños desplazamientos o “diferencias” que contribuyen a su cuestionamiento.

Esta es una aproximación muy breve a los sistemas de trabajo y los artistas que forman parte de esta exposición, Afgang06. Para estos siete artistas, Afgang06 supone un verdadero departure o cambio hacia una nueva situación en la que termina una etapa de formación y se inicia otra en la que deben asumir un rol activo como artistas. Y si al principio citábamos a Kerouac, nos parece relevante terminar con la letra de una canción de Björk que abre nuevas puertas y nuevas situaciones:
«Unthinkable surprises about to happen»
(Björk)

Montse Badia