La invitación para participar en el Congreso Cultural Europeo en Wroclaw me llegó con dos buenas razones para decir que sí. Por un lado, la invitación llegó desde Polonia, con cuya escena artística tengo algunos contactos y buenos amigos desde el año 2000. Por otro lado, el tema principal del congreso, “Arte para el cambio social”, no podría parecerme más relevante. Una de mis principales preocupaciones como comisaria es el impacto o la influencia que el arte contemporáneo pueda tener en la sociedad. Se basan en la convicción de que el arte es una práctica arraigada en la individualidad, la obsesión personal y una relación conflictiva o más bien crítica con sus formas. Por lo tanto, crea un tipo específico de conocimiento, que va más allá de los estándares e insiste en la diversidad y la diferencia. Con sus propuestas, los artistas ofrecen su visión del mundo, señalan sus mecanismos, problemas y contradicciones. Es por eso que uno de los principales problemas del arte hoy es la distancia que lo separa del público y el riesgo de que sus propuestas no tengan un impacto real o eco en la sociedad. Por lo tanto, “Arte para el cambio social” permitió explorar todos estos aspectos. El arte puede cambiar la sociedad, pero a veces su impacto es meramente simbólico o funciona como un calmante de la conciencia. Por eso pensé inmediatamente en el proyecto “Megafone” de Antoni Abad. El artista no se erige en portavoz de nadie, sino que proporciona los medios necesarios para que otros puedan expresarse libre y autónomamente y al mismo tiempo pensar alternativas. Pero trabajar realmente con una comunidad específica y más en un contexto desconocido requiere tiempo, dedicación y respeto para poder acceder a la gente y empezar a trabajar juntos. El calendario del proyecto 10 x 10 no nos ofrecía el calendario de trabajo necesario y junto con Antoni decidimos que la participación en el congreso funcionaría como una declaración a través de una instalación documental sobre experiencias anteriores con diferentes comunidades. Esto nos permitiría empezar a explorar Wroclaw y detectar las comunidades potenciales con las que desarrollar Megafone en un futuro próximo. El tema del congreso era importante, pero también era necesario que no fuera meramente teórico, sino que se pudiera poner en práctica. Unos meses después del Congreso, estamos dando los primeros pasos en el trabajo con las personas discapacitadas en Wroclaw. La ciudad está cambiando y con la Capitalidad Cultural 2016 en el horizonte es importante poner en discusión la idea de los obstáculos (físicos y también metafóricos). Creo en el arte como mecanismo de transformación social, especialmente en un momento en el que la sociedad necesita ser transformada: nos vemos empujados a ser consumidores en lugar de ciudadanos. La información es asequible, podemos escoger muchas cosas, pero al mismo tiempo cuesta discernir la información, formar nuestros propios criterios, pensar. Los políticos ya no gobiernan sino que siguen las directrices de los intereses económicos. Necesitamos no bajar la guardia…
http://www.culturecongress.eu/en/event/exhibition_10x10
Una reacción en cadena es una secuencia de acontecimientos, provocados cada uno de ellos por el anterior. También es una reacción química que da origen a productos que por sí mismos ocasionan otra reacción igual a la primera y así sucesivamente. Una reacción en cadena implica un cierto impulso de energía que genera una amplificación de los acontecimientos. Una reacción en cadena puede partir de pequeños impulsos y puede llegar a generar grandes transformaciones. Al mismo tiempo, una reacción en cadena puede ser utilizada para crear nuevas referencias o nuevas relaciones, en definitiva, contribuir a maneras diferentes de mirar, pensar y actuar.
Un programa de vídeo también puede ser visto como una reacción en cadena, en la que un vídeo nos conduce al siguiente, de manera que su visionado no puede dejar de estar influido por la serie de imágenes que le preceden y también por las que le suceden. Reacción en cadena es el título de este programa de vídeos que agrupa una selección de vídeos de la colección de arte contemporáneo Cal Cego. Cal Cego es una colección que no se basa en medios o formatos, sino en artistas y discursos. En Cal Cego encontramos vídeos, proyecciones, video-instalaciones, fotografías, instalaciones, dibujos, pintura y otros formatos difíciles de clasificar. Cal Cego no se basa en cartografías de artistas, fijas, preestablecidas e inamovibles, sino que prefiere asemejarse a una brújula que orienta en la producción de sentido. Es, desde esta perspectiva que una colección de arte contemporáneo también puede ser entendida como una reacción en cadena en la que se crean genealogías de artistas, de trabajos y de discursos cuya lectura no puede dejar de lado las relaciones, asociaciones, contraposiciones, superposiciones, revisiones y también conflictos que se generan entre ellos.
El programa de proyecciones Reacción en cadena se inicia literalmente con una reacción en cadena, la que nos proponen los suizos Fischli & Weiss, a partir de objetos cotidianos, sigue con una extraña coreografía a cargo de unos archivadores de Ignacio Uriarte, para continuar con la definición del yo en relación a los otros del vídeo de David Shrigley y la actuación de un animal que sigue unas instrucciones en el film de Douglas Gordon. Siguiendo con animales, la confrontación de unos perros ante un elemento extraño, una cámara de vídeo de Francis Alÿs nos adentra en el campo del arte; unas relaciones que Christian Jankowski explora convirtiendo a los espectadores en ovejas. El sistema del arte es presentado con humor y también de manera aguda por Jesper Dalgaard y, finalmente, Bestué/Vives se quedan en un ámbito doméstico y cotidiano para llevarnos a otra reacción en cadena, en este caso, llena de referentes artísticos.
[Programa de proyecciones a partir de obras de la Colección Cal Cego, para Loop Barcelona, 2010]
El 2 de agosto de 1914, Franz Kafka escribe en su diario: “Alemania ha declarado la guerra a Rusia. Por la tarde me he ido a bañar”. Hay una gran disparidad entre los hechos que Kafka expone: uno de gran impacto histórico, la Primera Guerra Mundial, y en el otro extremo, el de la vida privada de un desconocido al que la posteridad ha concedido la identidad de genio. No es casualidad que Enrique Vila-Matas comience su libro Hijos sin hijos con esta cita de Kafka. Hijos sin hijos es un singular repaso a algunos de los episodios de la historia de España en los que los protagonistas son “niños sin hijos”. En otras palabras, o mejor aún, en palabras de Vila-Matas, “cuando sucede una noticia de primera plana, los fantasmas errantes que protagonizan mis relatos sobre España, lo ven como una intromisión en sus vidas y esperan, como hizo Kafka, a que llegue la tarde para darse un baño. También ponen lo histórico y lo personal al mismo nivel”.
Pero ¿cómo se crea la memoria colectiva si no es a partir de relatos individuales? En realidad, ¿no son la memoria colectiva, la memoria individual y la memoria histórica facetas distintas de un mismo prisma? ¿No podemos considerar la ciencia como el resultado de la vinculación de numerosos experimentos y observaciones, o más bien, la suma de una multitud de pequeños ensayos y pequeños relatos que permiten confirmar intuiciones iniciales? También, en ocasiones, el punto de partida personal se convierte en el detonante de un cuerpo teórico de gran trascendencia. “Todo esto debe ser considerado como si lo hubiera escrito un personaje de novela”, escribe Roland Barthes en Roland Barthes par lui même (Roland Barthes por Roland Barthes), 1975, y, a partir de esa afirmación, el “yo” enamorado apela a sus propias experiencias y sentimientos y elabora un discurso plagado de referencias filosóficas y literarias titulado Fragments d’un discours amoureux (Fragmentos de un discurso de amantes), 1977. Poco después, un “yo” afligido que acaba de perder a su madre, busca en los álbumes familiares una fotografía que capte el verdadero espíritu de su madre, al tiempo que crea una reflexión conmovedora y a la vez severa sobre la fotografía como medio de representación, La chambre claire. Note sur la photographie (La cámara clara. Nota sobre la fotografía), 1980.
La voluntad de narrar, de compartir testimonios personales y hechos del mundo, su cohabitación y oposición a diferentes niveles, constituye el eje articulador de Historias Mínimas, un programa de vídeos que comparten la necesidad de contar, entendida como una forma de revelación, de la existencia y la creación del relato, como una actividad continua, participativa y permeable. Para definir colectivamente los nueve recorridos imaginarios que componen Historias Mínimas, podemos apropiarnos de las palabras de Vila-Matas al referirse a sus relatos: “Creo que de la combinación ha surgido una realidad rigurosa (esa gran verdad que cuentan las mentiras), diferente de la realidad oficial y posiblemente única. Al fin y al cabo, ¿qué somos nosotros, qué somos cada uno de nosotros sino una combinación diferente y única de experiencias, lecturas, imaginaciones”. Como afirma el historiador Marc Ferro, “película, imagen o no de la realidad, documento o ficción, intriga auténtica o mera invención, es historia. ¿El postulado? Que aquello que no ha sucedido, las creencias, las intenciones, el imaginario del hombre, tiene tanto valor de Historia como la Historia real”.
El título Historias Mínimas alude a la película homónima de Carlos Sorin (2002) y comparte con ella la voluntad de centrarse en los hechos narrados, a pesar de su efecto, desde una escala humana. Si en la película Historias Mínimas se compara la magnitud de las pequeñas historias individuales con el inmenso paisaje de la Patagonia, en el programa de vídeo Historias Mínimas los referentes individuales contrastan con el relato como telón de fondo, de tal manera que las narraciones individuales se comparan, contrastan, establecen relaciones irónicas o simplemente se suceden en paralelo con algunas de las referencias históricas de España: de Felipe II a Inditex, del “No a la guerra” a Julio Iglesias, a la Rendición de Breda de Velázquez, a Faemino y Cansado…
En Cada día paso por aquí (2004), Raúl Arroyo nos acerca a un paseo cotidiano, urbano, narrado en primera persona y utilizando chapas, carteles y otros elementos de señalización como elementos visuales. Pero en ese caminar subjetivo se cruzan otros elementos (frases como “el odio genera odio” o “vota, idiota” plasmadas en grafitis) que nos sitúan en otras esferas políticas y sociales.
Luis Cerveró también trabaja a partir de referencias imaginarias individuales y colectivas para fabricar su propia realidad. Death / Rock & Roll (2005), una de las obras de la trilogía Love, Death and Rock & Roll, crea su propio mapa sentimental a partir de fragmentos de música e imágenes emblemáticas de la cultura pop (desde Bob Dylan hasta modelos fotografiadas por Richardson) que, recortadas y recombinadas, parecen cobrar vida.
La voz en off nos acerca a las vivencias de Daniel Cuberta en El hombre invisible (2004), metáfora del individuo que ve pero no puede ser visto, testigo tan insólito como impotente de los hechos, la historia y la cultura de su propia biografía.
Contando con los dedos de una mano (1996), de Josu Rekalde, se basa en la potencialidad de un relato en constante construcción, enfatiza el poder de la palabra por encima del de la imagen y muestra diversos hechos relacionados con la historia más reciente de España, utilizando la distancia fija y las propias manos del artista para narrar, sin mostrar imágenes concretas.
Patricia Esquivias también se refiere explícitamente a la historia de España y lo hace desde una narrativa muy personal que relata hechos y personajes distantes en el tiempo de forma absolutamente subjetiva, entre los que el artista establece una serie de conexiones más que evidentes. Si en Folklore (2006), Esquivias teje un hilo que une a Franco con Jesús Gil, y lo vincula con las fiestas de la cultura rave en Valencia (con todas las consecuencias que ello conlleva), en Folklore II (2008), el artista traza las similitudes entre el rey Felipe II (1527-1598) y el cantante Julio Iglesias, como representantes de imperios globales distantes en el tiempo, pero asombrosamente paralelos.
Determinación de personaje (2000), de Antonio Ortega, también hace referencia directa a un hecho histórico, al cuadro de Velázquez La rendición de Breda, pero lo hace desde una perspectiva inédita para centrar la atención en otros aspectos. Antonio Ortega toma un monólogo de los cómicos Faemino y Cansado para explorar las teorías del determinismo biológico que relacionan determinadas características físicas con una personalidad concreta. En este caso, el crítico de arte David G. Torres y el artista Óscar Abril Ascaso representan los papeles de Faemino y Cansado, que no son más que una versión contemporánea de los tradicionales payasos Carablanca y Auguste. El monólogo que ofrecen alude a la creación, a su dependencia del poder, e incluye otras referencias a la cultura española.
Social Sculptures (2005) comparte con Determinación de personaje una forma inusual de abordar la realidad. En Social Sculptures, Manuel Saiz toma como punto de partida la famosa frase de Joseph Beuys “todo el mundo puede ser artista” para su reformulación multidireccional. Tres actores repiten y dan distintas versiones de esta declaración de principios en distintas situaciones y con distintas intenciones. Así, el “todo el mundo puede ser artista” con el que Beuys aludía a la necesidad de que todas las personas pudieran desarrollar su propia creatividad se convierte en “me gustaría ser artista” o “no todo el mundo puede ser artista”.
No todo el mundo puede ser artista, pero sí puede participar activamente en un proyecto artístico. En Huelga secreta. Inditex (2006), la artista Alicia Framis explora las relaciones interpersonales en el entorno laboral. Lo hace con la colaboración de las empresas e instituciones donde graba sus vídeos. En este caso, utiliza Inditex, el imperio gallego de la moda. Alicia Framis propone la realización de una acción mínima (detener toda actividad durante varios minutos) que hipotéticamente puede tener un impacto enorme (reducción de los índices de producción de las empresas). Alicia Framis nos recuerda así el gran impacto que pueden tener las pequeñas acciones personales.
El círculo de relatos se completa y amplía con Todas las historias (2001) de Dora García, un vídeo que documenta la actuación de una narradora dispuesta a recitar “todas las historias del mundo”. Para la grabación seleccionó 40 historias de las 3000 que había recopilado hasta entonces (y que siguen aumentando en Internet en http://www.doragarcia.net/insertos/todaslashistorias/). El vídeo, lejos de ser una obra cerrada, resuena con la esencia de un proyecto inacabado y abierto: “Un hombre, una mujer recitan todas las historias del mundo. Cuando hayan terminado, todas las historias, todos los hombres y todas las mujeres, todos los tiempos y todos los lugares habrán pasado por sus labios”.
[Historias mínimas es un programa de video mostrado en diversas sedes del Instituto Cervantes, 2009]
El 2 de agosto del año 1914, Franz Kafka escribe en su diario «Alemania ha declarado la guerra a Rusia. Por la tarde, fui a nadar». Hay una gran desproporción entre los dos hechos que Kafka contrapone: uno de gran impacto histórico, la primera Guerra Mundial, y otro nimio, de la vida privada de un desconocido a quien la posteridad otorgaría la identidad del genio. No es casualidad que Enrique Vila-Matas inicie su libro Hijos sin hijos con esta cita de Kafka. Hijos sin hijos es un singular repaso por algunos episodios de la historia de España en la que sus protagonistas son «hijos sin hijos». En otras palabras, o mejor dicho, en palabras de Vila-Matas, «cuando se produce una noticia de primera plana, los fantasmas ambulantes que protagonizan mis episodios nacionales la ven como una injerencia en sus vidas y se dedican a esperar -como ya hiciera Kafka- a que llegue la tarde, y entonces se van a nadar. Ellos también sitúan al mismo nivel el plano histórico y el personal».
Pero ¿cómo se construye la memoria colectiva sino es a partir de las historias particulares? ¿No son acaso memoria colectiva, memoria individual y memoria histórica diferentes caras de un mismo prisma? ¿No se puede considerar a la ciencia como el resultado de la concatenación de numerosos experimentos y observaciones, de la suma, en definitiva, de multitud de pequeños ensayos, de pequeñas historias que permiten confirmar intuiciones iniciales? En ocasiones también, el punto de partida personal se convierte en el detonante de un corpus teórico de gran trascendencia. «Todo esto debe ser considerado como si fuera dicho por un personaje de novela», escribe Roland Barthes en Roland Barthes par lui même, 1975 (Roland Barthes por Roland Barthes) y a partir de dicha aseveración, el «yo» enamorado apela a sus propias experiencias y sentimientos y elabora un discurso plagado de referentes filosóficos y literarios que titula Fragments d’un discours amoureux, 1977 (Fragmentos de un discurso amoroso. Poco tiempo después, un «yo» compungido que acababa de perder a su madre, explora en las fotografías familiares para encontrar la fotografía que recoja el verdadero espíritu de su progenitora, al tiempo que elabora una emocionante y rigurosa reflexión sobre la fotografía como medio de representación, La chambre claire. Note sur la photographie, 1980 (La cámara lúcida. Nota sobre la fotografía).
La voluntad de narrar, de compartir los testimonios personales y los hechos del mundo, su convivencia y contraposición a distintos niveles constituye el eje articulador de Historias Mínimas, un programa de vídeos que comparten la necesidad de contar como una forma de revelación de la existencia y de creación de la historia como una actividad contínua, participativa y permeable. Para definir en conjunto los nueve trayectos imaginarios que componen Historias Mínimas, podemos hacer nuestras las palabras de Vila-Matas al referirse a sus propias historias: «Me parece que de esa combinación ha surgido una realidad rigurosa -esa gran verdad que cuentan las mentiras-, distinta de la oficial y posiblemente única. Depués de todo, qué somos, qué es cada uno de nosotros sino una combinatoria, distinta y única, de experiencias, de lecturas, de imaginaciones». Como afirma el historiador Marc Ferro, «el film, imagen o no de la realidad, documento o ficción, intriga auténtica o mera invención, es historia. ¿El postulado? Que aquello que no ha sucedido, las creencias, las intenciones, lo imaginario del hombre, tiene tanto valor de Historia como la misma Historia».
El título Historias Mínimas alude a la película del mismo nombre dirigida por Carlos Sorín en el año 2002, y con ella comparte la voluntad de centrarse en hechos contados, al margen de su alcance, desde una escala humana. Si en la película Historias Mínimas se contraponía la magnitud de las pequeñas historias individuales en oposición al inmenso paisaje de la Patagonia, en el programa de vídeo Historias Mínimas los referentes individuales contrastan con la historia como telón de fondo de manera que las narraciones individuales se contraponen, contrastan, establecen relaciones irónicas o simplemente transcurren en paralelo a algunas referencias a la historia de España: de Felipe II a Inditex, del NO a la Guerra a Julio Iglesias, de Las Lanzas de Velázquez a Faemino y Cansado…
En Cada día paso por aquí (2003), Raul Arroyo nos acerca a un recorrido urbano y cotidiano, narrado en primera persona y visualizado a partir de placas, carteles y otros signos de señalización. Pero en este paseo subjetivo se cruzan otros elementos (frases como «odio engendra odio» o «vota idiota», en forma de graffittis y pintadas) que nos sitúan en otras esferas políticas y sociales.
Luis Cerveró también parte del individuo y las referencias al imaginario colectivo para elaborar su propia realidad. Love /Rock & Roll (2005), una de las obras que configuran la trilogía Love, Death and Rock & Roll, elabora su propio mapa sentimental a partir de fragmentos musicales y de imágenes emblemáticas de la cultura pop (que van de Bob Dylan a modelos fotografiadas por Richardson) que, recortadas y recombinadas, parecen cobrar vida.
La voz en off nos acerca las experiencias de El Hombre Invisible (2004) de Daniel Cuberta, una metáfora del individuo que observa pero que no es visto, que es testigo tan excepcional como impotente de los hechos, de la historia, de la cultura y de su propia biografía.
Contando con los dedos de una mano (1996) de Josu Rekalde se basa en la potencialidad de una historia en permanente construcción. Enfatiza el poder de la palabra por encima de la imagen y parte del plano fijo y de las propias manos del artista para narrar sin mostrar imágenes concretas algunos hechos relacionados con la historia más reciente de España.
Patricia Esquivias también se refiere explícitamente a la historia de España y lo hace desde una narrativa muy personal que relaciona de una manera absolutamente subjetiva hechos y personajes distantes en el tiempo, entre los cuales la artista establece una serie de conexiones más que evidentes. Si en Folklore (2006) Esquivias traza una línea que une a Franco, Jesús Gil y se completa con la cultura rave y sus fiestas en Valencia con todas sus consecuencias, en Folklore II (2007), la artista dibuja las similitudes entre el Rey Felipe II (1527-1598) y el cantante Julio Iglesias, como representates de imperios globales distantes en el tiempo pero con asombrosos paralelismos.
Determinación de personaje (2000) de Antonio Ortega también hace una referencia explícita a un hecho histórico, la creación del cuadro La Rendición de Breda por Velázquez, pero lo hace desde una perspectiva inédita, para centrar la atención en otros aspectos. Antonio Ortega toma un monólogo del dúo de humoristas Faemino y Cansado para explorar las teorías de determinismo biológico que relacionan ciertas características físicas con una personalidad concreta. En este caso, un crítico de arte, David G. Torres, y un artista, Oscar Abril Ascaso, representan los papeles de Faemino y Cansado, que no son más que una versión contemporánea de los tradicionales payasos Cara Blanca y Augusto. El monólogo que representan alude a la creación, a su dependencia del poder e incluye otras referencias a la cultura española.
Social Sculptures (2005) comparte con Determinación de personaje una peculiar manera de acercarse a la realidad. En Social Sculptures, Manuel Saiz toma la célebre frase de Joseph Beuys «Todo el mundo puede ser artista» como punto de partida para su reformulación en múltiples direcciones. Tres actores repiten y versionan esta declaración de principios en diferentes situaciones y con distintas intenciones. De esta manera, el «Todo el mundo puede ser artista» con el que Beuys aludía a la necesidad de que todas las personas pudieran desarrollar su propia creatividad, se convierte en «Ojala pudiera ser artista» o «No todo el mundo puede ser artista».
No todo el mundo es un artista, pero sí puede tener una parte activa en un proyecto artístico. En Secret Strike. Inditex (2006), la artista Alicia Framis explora las relaciones interpersonales en los ámbitos laborales, para ello cuenta con la colaboración de las empresas e instituciones en las que filma sus vídeos, en este caso, Inditex, el emporio gallego de la moda. Alicia Framis propone la realización de una acción mínima (la congelación, durante unos minutos, de toda actividad) que hipotéticamente puede tener un impacto enorme (la reducción de los índices de producción de las empresas). De esta manera, Alicia Framis nos recuerda el gran impacto que pueden tener las pequeñas acciones personales.
El círculo de historias se completa y se expande con All the Stories (2001), de Dora García, un vídeo que documenta una performance que lleva a cabo un narrador dispuesto a recitar… “todas las historias del mundo”. Para la grabación seleccionó cuarenta de las tres mil que hasta ahora ha recogido y que continúan creciendo en Internet (http://www.doragarcia.net/insertos/ todaslashistorias). El vídeo, lejos de ser una obra cerrada, es la resonancia de un proyecto de esencia inacabada, abierta: “Un hombre, una mujer, recita en voz alta todas las historias del mundo. Cuando haya terminado, todas las historias, todos los hombres y todas las mujeres, todo el tiempo y todos los lugares habrán pasado por sus labios”.
Transgeneracions 2 es la respuesta a una invitación: la de trabajar a partir de la idea de «generación». Este ha sido el punto de partida para iniciar un proceso de investigación, para abrir espacios para el diálogo, para el intercambio y la reflexión conjunta y cruzada. Se han incorporado voces, visiones y experiencias de más de un centenar de agentes, entre artistas, críticos, comisarios, personas relacionadas con museos e instituciones y gestores culturales.
Transgeneracions 2 se ha propuesto la recopilación de información y testimonios a partir de conversaciones, declaraciones, cuestionarios, documentos y trabajos. Tres artistas, Daniel Jacoby, Efrén Álvarez y Xavier Gavín darán forma (digital, analógica y audiovisual, respectivamente) a toda la información recopilada, contribuyendo a su interpretación.
Trangeneracions 2 es un proyecto comisariado por Montse Badia y Alex Brahim
Six degrees of separation presenta una selección de vídeos pertenecientes a Cal Cego (www.calcego.com), una colección privada centrada en el presente y en la que la fotografía y el vídeo tienen una presencia destacada. «Seis grados de separación», el eje que articula el programa de vídeos seleccionados, es una teoría basada en la idea de que cualquier persona del mundo puede estar conectado a cualquier otra a través de una cadena de conocidos que no tiene más de cinco intermediarios. La teoría, inicialmente propuesta en el relato Chains (1929), del escritor húngaro Frigyes Karinthy, se basa en la idea que el número de conocidos crece exponencialmente con el número de enlaces en la cadena, y sólo un pequeño número de enlaces son necesarios para conectar a toda la humanidad.
Programa:
Six degrees of separation es un punto de partida que más que pretender encontrar el nexo de unión (que a veces puede ser anecdótico) entre los artistas y los vídeos que presentamos, quiere enfatizar la serie de enlaces que los vídeos seleccionados comparten y que van del yo individual al yo social, iniciándose en el individuo y su necesidad de definirse, de conocerse y de relacionarse con el entorno, para pasar a ofrecer su propia visión del mundo, a menudo incorporando elementos que forman parte del imaginario colectivo.
David Shrigley. Who I am and what I want, 2005. 7’23».
Historia de una vida de excesos que han llevado a Pete, su protagonista, a alejarse de la feroz competitividad y exiliarse en el bosque, donde convive con los animales.
Pipilotti Rist. I want to see how you see, 2003. 4’48».
Cuento lírico que es reproducido sobre imágenes de una persona donde cada parte de su cuerpo representa, simbólicamente, una parte del mundo.
David Bestué / Marc Vives. Acciones en casa. 2005. 33′.
Continuación de un trabajo anterior, Acciones en Mataró, trasladando en este caso el escenario dentro de los límites de un piso del Eixample.
José Álvaro Perdices. 47 names. 2004. 12’37».
Exploración de la configuración de la individualidad a través de cuarenta y siete niños de South Central Los Ángeles a los que se les pide que griten sus nombres.
Javier Codesal. La Biblia en 25 frases. 3’29».
Selección totalmente subjetiva y aleatoria de 25 frases de La Biblia con las que se configura una nueva narración.
Christian Jankowski. Flock. 2002. 12’15».
Un grupo de visitantes a una exposición es transformado en un rebaño de ovejas. De esta manera se cierra el «círculo mágico» con el que Jankowski explora las relaciones entre el artista, la institución y el espectador.
Martí Anson. Walt & Travis. Cinema version 2003. 22′.
Film rodado en los Estados Unidos con fidelidad a los códigos y formatos de las road movies, aunque poniendo el énfasis y se recreándose en todos aquellos momentos o situaciones que en una road movie nunca aparecen.
