http://www.culturecongress.eu/en/event/exhibition_10x10

http://www.culturecongress.eu/en/event/10x10_badia_abad

http://obieg.pl/rozmowy/22531

Una reacción en cadena es una secuencia de acontecimientos, provocados cada uno de ellos por el anterior. También es una reacción química que da origen a productos que por sí mismos ocasionan otra reacción igual a la primera y así sucesivamente. Una reacción en cadena implica un cierto impulso de energía que genera una amplificación de los acontecimientos. Una reacción en cadena puede partir de pequeños impulsos y puede llegar a generar grandes transformaciones. Al mismo tiempo, una reacción en cadena puede ser utilizada para crear nuevas referencias o nuevas relaciones, en definitiva, contribuir a maneras diferentes de mirar, pensar y actuar.

Un programa de vídeo también puede ser visto como una reacción en cadena, en la que un vídeo nos conduce al siguiente, de manera que su visionado no puede dejar de estar influido por la serie de imágenes que le preceden y también por las que le suceden. Reacción en cadena es el título de este programa de vídeos que agrupa una selección de vídeos de la colección de arte contemporáneo Cal Cego. Cal Cego es una colección que no se basa en medios o formatos, sino en artistas y discursos. En Cal Cego encontramos vídeos, proyecciones, video-instalaciones, fotografías, instalaciones, dibujos, pintura y otros formatos difíciles de clasificar. Cal Cego no se basa en cartografías de artistas, fijas, preestablecidas e inamovibles, sino que prefiere asemejarse a una brújula que orienta en la producción de sentido. Es, desde esta perspectiva que una colección de arte contemporáneo también puede ser entendida como una reacción en cadena en la que se crean genealogías de artistas, de trabajos y de discursos cuya lectura no puede dejar de lado las relaciones, asociaciones, contraposiciones, superposiciones, revisiones y también conflictos que se generan entre ellos.

El programa de proyecciones Reacción en cadena se inicia literalmente con una reacción en cadena, la que nos proponen los suizos Fischli & Weiss, a partir de objetos cotidianos, sigue con una extraña coreografía a cargo de unos archivadores de Ignacio Uriarte, para continuar con la definición del yo en relación a los otros del vídeo de David Shrigley y la actuación de un animal que sigue unas instrucciones en el film de Douglas Gordon. Siguiendo con animales, la confrontación de unos perros ante un elemento extraño, una cámara de vídeo de Francis Alÿs nos adentra en el campo del arte; unas relaciones que Christian Jankowski explora convirtiendo a los espectadores en ovejas. El sistema del arte es presentado con humor y también de manera aguda por Jesper Dalgaard y, finalmente, Bestué/Vives se quedan en un ámbito doméstico y cotidiano para llevarnos a otra reacción en cadena, en este caso, llena de referentes artísticos.

[Programa de proyecciones a partir de obras de la Colección Cal Cego, para Loop Barcelona, 2010]

El 2 de agosto de 1914, Franz Kafka escribe en su diario: “Alemania ha declarado la guerra a Rusia. Por la tarde me he ido a bañar”. Hay una gran disparidad entre los hechos que Kafka expone: uno de gran impacto histórico, la Primera Guerra Mundial, y en el otro extremo, el de la vida privada de un desconocido al que la posteridad ha concedido la identidad de genio. No es casualidad que Enrique Vila-Matas comience su libro Hijos sin hijos con esta cita de Kafka. Hijos sin hijos es un singular repaso a algunos de los episodios de la historia de España en los que los protagonistas son “niños sin hijos”. En otras palabras, o mejor aún, en palabras de Vila-Matas, “cuando sucede una noticia de primera plana, los fantasmas errantes que protagonizan mis relatos sobre España, lo ven como una intromisión en sus vidas y esperan, como hizo Kafka, a que llegue la tarde para darse un baño. También ponen lo histórico y lo personal al mismo nivel”.

Pero ¿cómo se crea la memoria colectiva si no es a partir de relatos individuales? En realidad, ¿no son la memoria colectiva, la memoria individual y la memoria histórica facetas distintas de un mismo prisma? ¿No podemos considerar la ciencia como el resultado de la vinculación de numerosos experimentos y observaciones, o más bien, la suma de una multitud de pequeños ensayos y pequeños relatos que permiten confirmar intuiciones iniciales? También, en ocasiones, el punto de partida personal se convierte en el detonante de un cuerpo teórico de gran trascendencia. “Todo esto debe ser considerado como si lo hubiera escrito un personaje de novela”, escribe Roland Barthes en Roland Barthes par lui même (Roland Barthes por Roland Barthes), 1975, y, a partir de esa afirmación, el “yo” enamorado apela a sus propias experiencias y sentimientos y elabora un discurso plagado de referencias filosóficas y literarias titulado Fragments d’un discours amoureux (Fragmentos de un discurso de amantes), 1977. Poco después, un “yo” afligido que acaba de perder a su madre, busca en los álbumes familiares una fotografía que capte el verdadero espíritu de su madre, al tiempo que crea una reflexión conmovedora y a la vez severa sobre la fotografía como medio de representación, La chambre claire. Note sur la photographie (La cámara clara. Nota sobre la fotografía), 1980.

La voluntad de narrar, de compartir testimonios personales y hechos del mundo, su cohabitación y oposición a diferentes niveles, constituye el eje articulador de Historias Mínimas, un programa de vídeos que comparten la necesidad de contar, entendida como una forma de revelación, de la existencia y la creación del relato, como una actividad continua, participativa y permeable. Para definir colectivamente los nueve recorridos imaginarios que componen Historias Mínimas, podemos apropiarnos de las palabras de Vila-Matas al referirse a sus relatos: “Creo que de la combinación ha surgido una realidad rigurosa (esa gran verdad que cuentan las mentiras), diferente de la realidad oficial y posiblemente única. Al fin y al cabo, ¿qué somos nosotros, qué somos cada uno de nosotros sino una combinación diferente y única de experiencias, lecturas, imaginaciones”. Como afirma el historiador Marc Ferro, “película, imagen o no de la realidad, documento o ficción, intriga auténtica o mera invención, es historia. ¿El postulado? Que aquello que no ha sucedido, las creencias, las intenciones, el imaginario del hombre, tiene tanto valor de Historia como la Historia real”.

El título Historias Mínimas alude a la película homónima de Carlos Sorin (2002) y comparte con ella la voluntad de centrarse en los hechos narrados, a pesar de su efecto, desde una escala humana. Si en la película Historias Mínimas se compara la magnitud de las pequeñas historias individuales con el inmenso paisaje de la Patagonia, en el programa de vídeo Historias Mínimas los referentes individuales contrastan con el relato como telón de fondo, de tal manera que las narraciones individuales se comparan, contrastan, establecen relaciones irónicas o simplemente se suceden en paralelo con algunas de las referencias históricas de España: de Felipe II a Inditex, del “No a la guerra” a Julio Iglesias, a la Rendición de Breda de Velázquez, a Faemino y Cansado…

En Cada día paso por aquí (2004), Raúl Arroyo nos acerca a un paseo cotidiano, urbano, narrado en primera persona y utilizando chapas, carteles y otros elementos de señalización como elementos visuales. Pero en ese caminar subjetivo se cruzan otros elementos (frases como “el odio genera odio” o “vota, idiota” plasmadas en grafitis) que nos sitúan en otras esferas políticas y sociales.

Luis Cerveró también trabaja a partir de referencias imaginarias individuales y colectivas para fabricar su propia realidad. Death / Rock & Roll (2005), una de las obras de la trilogía Love, Death and Rock & Roll, crea su propio mapa sentimental a partir de fragmentos de música e imágenes emblemáticas de la cultura pop (desde Bob Dylan hasta modelos fotografiadas por Richardson) que, recortadas y recombinadas, parecen cobrar vida.

La voz en off nos acerca a las vivencias de Daniel Cuberta en El hombre invisible (2004), metáfora del individuo que ve pero no puede ser visto, testigo tan insólito como impotente de los hechos, la historia y la cultura de su propia biografía.

Contando con los dedos de una mano (1996), de Josu Rekalde, se basa en la potencialidad de un relato en constante construcción, enfatiza el poder de la palabra por encima del de la imagen y muestra diversos hechos relacionados con la historia más reciente de España, utilizando la distancia fija y las propias manos del artista para narrar, sin mostrar imágenes concretas.

Patricia Esquivias también se refiere explícitamente a la historia de España y lo hace desde una narrativa muy personal que relata hechos y personajes distantes en el tiempo de forma absolutamente subjetiva, entre los que el artista establece una serie de conexiones más que evidentes. Si en Folklore (2006), Esquivias teje un hilo que une a Franco con Jesús Gil, y lo vincula con las fiestas de la cultura rave en Valencia (con todas las consecuencias que ello conlleva), en Folklore II (2008), el artista traza las similitudes entre el rey Felipe II (1527-1598) y el cantante Julio Iglesias, como representantes de imperios globales distantes en el tiempo, pero asombrosamente paralelos.

Determinación de personaje (2000), de Antonio Ortega, también hace referencia directa a un hecho histórico, al cuadro de Velázquez La rendición de Breda, pero lo hace desde una perspectiva inédita para centrar la atención en otros aspectos. Antonio Ortega toma un monólogo de los cómicos Faemino y Cansado para explorar las teorías del determinismo biológico que relacionan determinadas características físicas con una personalidad concreta. En este caso, el crítico de arte David G. Torres y el artista Óscar Abril Ascaso representan los papeles de Faemino y Cansado, que no son más que una versión contemporánea de los tradicionales payasos Carablanca y Auguste. El monólogo que ofrecen alude a la creación, a su dependencia del poder, e incluye otras referencias a la cultura española.

Social Sculptures (2005) comparte con Determinación de personaje una forma inusual de abordar la realidad. En Social Sculptures, Manuel Saiz toma como punto de partida la famosa frase de Joseph Beuys “todo el mundo puede ser artista” para su reformulación multidireccional. Tres actores repiten y dan distintas versiones de esta declaración de principios en distintas situaciones y con distintas intenciones. Así, el “todo el mundo puede ser artista” con el que Beuys aludía a la necesidad de que todas las personas pudieran desarrollar su propia creatividad se convierte en “me gustaría ser artista” o “no todo el mundo puede ser artista”.

No todo el mundo puede ser artista, pero sí puede participar activamente en un proyecto artístico. En Huelga secreta. Inditex (2006), la artista Alicia Framis explora las relaciones interpersonales en el entorno laboral. Lo hace con la colaboración de las empresas e instituciones donde graba sus vídeos. En este caso, utiliza Inditex, el imperio gallego de la moda. Alicia Framis propone la realización de una acción mínima (detener toda actividad durante varios minutos) que hipotéticamente puede tener un impacto enorme (reducción de los índices de producción de las empresas). Alicia Framis nos recuerda así el gran impacto que pueden tener las pequeñas acciones personales.

El círculo de relatos se completa y amplía con Todas las historias (2001) de Dora García, un vídeo que documenta la actuación de una narradora dispuesta a recitar “todas las historias del mundo”. Para la grabación seleccionó 40 historias de las 3000 que había recopilado hasta entonces (y que siguen aumentando en Internet en http://www.doragarcia.net/insertos/todaslashistorias/). El vídeo, lejos de ser una obra cerrada, resuena con la esencia de un proyecto inacabado y abierto: “Un hombre, una mujer recitan todas las historias del mundo. Cuando hayan terminado, todas las historias, todos los hombres y todas las mujeres, todos los tiempos y todos los lugares habrán pasado por sus labios”.

[Historias mínimas es un programa de video mostrado en diversas sedes del Instituto Cervantes, 2009]

El 2 de agosto del año 1914, Franz Kafka escribe en su diario «Alemania ha declarado la guerra a Rusia. Por la tarde, fui a nadar». Hay una gran desproporción entre los dos hechos que Kafka contrapone: uno de gran impacto histórico, la primera Guerra Mundial, y otro nimio, de la vida privada de un desconocido a quien la posteridad otorgaría la identidad del genio. No es casualidad que Enrique Vila-Matas inicie su libro Hijos sin hijos con esta cita de Kafka. Hijos sin hijos es un singular repaso por algunos episodios de la historia de España en la que sus protagonistas son «hijos sin hijos». En otras palabras, o mejor dicho, en palabras de Vila-Matas, «cuando se produce una noticia de primera plana, los fantasmas ambulantes que protagonizan mis episodios nacionales la ven como una injerencia en sus vidas y se dedican a esperar -como ya hiciera Kafka- a que llegue la tarde, y entonces se van a nadar. Ellos también sitúan al mismo nivel el plano histórico y el personal».

Pero ¿cómo se construye la memoria colectiva sino es a partir de las historias particulares? ¿No son acaso memoria colectiva, memoria individual y memoria histórica diferentes caras de un mismo prisma? ¿No se puede considerar a la ciencia como el resultado de la concatenación de numerosos experimentos y observaciones, de la suma, en definitiva, de multitud de pequeños ensayos, de pequeñas historias que permiten confirmar intuiciones iniciales? En ocasiones también, el punto de partida personal se convierte en el detonante de un corpus teórico de gran trascendencia. «Todo esto debe ser considerado como si fuera dicho por un personaje de novela», escribe Roland Barthes en Roland Barthes par lui même, 1975 (Roland Barthes por Roland Barthes) y a partir de dicha aseveración, el «yo» enamorado apela a sus propias experiencias y sentimientos y elabora un discurso plagado de referentes filosóficos y literarios que titula Fragments d’un discours amoureux, 1977 (Fragmentos de un discurso amoroso. Poco tiempo después, un «yo» compungido que acababa de perder a su madre, explora en las fotografías familiares para encontrar la fotografía que recoja el verdadero espíritu de su progenitora, al tiempo que elabora una emocionante y rigurosa reflexión sobre la fotografía como medio de representación, La chambre claire. Note sur la photographie, 1980 (La cámara lúcida. Nota sobre la fotografía).

La voluntad de narrar, de compartir los testimonios personales y los hechos del mundo, su convivencia y contraposición a distintos niveles constituye el eje articulador de Historias Mínimas, un programa de vídeos que comparten la necesidad de contar como una forma de revelación de la existencia y de creación de la historia como una actividad contínua, participativa y permeable. Para definir en conjunto los nueve trayectos imaginarios que componen Historias Mínimas, podemos hacer nuestras las palabras de Vila-Matas al referirse a sus propias historias: «Me parece que de esa combinación ha surgido una realidad rigurosa -esa gran verdad que cuentan las mentiras-, distinta de la oficial y posiblemente única. Depués de todo, qué somos, qué es cada uno de nosotros sino una combinatoria, distinta y única, de experiencias, de lecturas, de imaginaciones». Como afirma el historiador Marc Ferro, «el film, imagen o no de la realidad, documento o ficción, intriga auténtica o mera invención, es historia. ¿El postulado? Que aquello que no ha sucedido, las creencias, las intenciones, lo imaginario del hombre, tiene tanto valor de Historia como la misma Historia».

El título Historias Mínimas alude a la película del mismo nombre dirigida por Carlos Sorín en el año 2002, y con ella comparte la voluntad de centrarse en hechos contados, al margen de su alcance, desde una escala humana. Si en la película Historias Mínimas se contraponía la magnitud de las pequeñas historias individuales en oposición al inmenso paisaje de la Patagonia, en el programa de vídeo Historias Mínimas los referentes individuales contrastan con la historia como telón de fondo de manera que las narraciones individuales se contraponen, contrastan, establecen relaciones irónicas o simplemente transcurren en paralelo a algunas referencias a la historia de España: de Felipe II a Inditex, del NO a la Guerra a Julio Iglesias, de Las Lanzas de Velázquez a Faemino y Cansado…

En Cada día paso por aquí (2003), Raul Arroyo nos acerca a un recorrido urbano y cotidiano, narrado en primera persona y visualizado a partir de placas, carteles y otros signos de señalización. Pero en este paseo subjetivo se cruzan otros elementos (frases como «odio engendra odio» o «vota idiota», en forma de graffittis y pintadas) que nos sitúan en otras esferas políticas y sociales.

Luis Cerveró también parte del individuo y las referencias al imaginario colectivo para elaborar su propia realidad. Love /Rock & Roll (2005), una de las obras que configuran la trilogía Love, Death and Rock & Roll, elabora su propio mapa sentimental a partir de fragmentos musicales y de imágenes emblemáticas de la cultura pop (que van de Bob Dylan a modelos fotografiadas por Richardson) que, recortadas y recombinadas, parecen cobrar vida.

La voz en off nos acerca las experiencias de El Hombre Invisible (2004) de Daniel Cuberta, una metáfora del individuo que observa pero que no es visto, que es testigo tan excepcional como impotente de los hechos, de la historia, de la cultura y de su propia biografía.

Contando con los dedos de una mano (1996) de Josu Rekalde se basa en la potencialidad de una historia en permanente construcción. Enfatiza el poder de la palabra por encima de la imagen y parte del plano fijo y de las propias manos del artista para narrar sin mostrar imágenes concretas algunos hechos relacionados con la historia más reciente de España.

Patricia Esquivias también se refiere explícitamente a la historia de España y lo hace desde una narrativa muy personal que relaciona de una manera absolutamente subjetiva hechos y personajes distantes en el tiempo, entre los cuales la artista establece una serie de conexiones más que evidentes. Si en Folklore (2006) Esquivias traza una línea que une a Franco, Jesús Gil y se completa con la cultura rave y sus fiestas en Valencia con todas sus consecuencias, en Folklore II (2007), la artista dibuja las similitudes entre el Rey Felipe II (1527-1598) y el cantante Julio Iglesias, como representates de imperios globales distantes en el tiempo pero con asombrosos paralelismos.

Determinación de personaje (2000) de Antonio Ortega también hace una referencia explícita a un hecho histórico, la creación del cuadro La Rendición de Breda por Velázquez, pero lo hace desde una perspectiva inédita, para centrar la atención en otros aspectos. Antonio Ortega toma un monólogo del dúo de humoristas Faemino y Cansado para explorar las teorías de determinismo biológico que relacionan ciertas características físicas con una personalidad concreta. En este caso, un crítico de arte, David G. Torres, y un artista, Oscar Abril Ascaso, representan los papeles de Faemino y Cansado, que no son más que una versión contemporánea de los tradicionales payasos Cara Blanca y Augusto. El monólogo que representan alude a la creación, a su dependencia del poder e incluye otras referencias a la cultura española.

Social Sculptures (2005) comparte con Determinación de personaje una peculiar manera de acercarse a la realidad. En Social Sculptures, Manuel Saiz toma la célebre frase de Joseph Beuys «Todo el mundo puede ser artista» como punto de partida para su reformulación en múltiples direcciones. Tres actores repiten y versionan esta declaración de principios en diferentes situaciones y con distintas intenciones. De esta manera, el «Todo el mundo puede ser artista» con el que Beuys aludía a la necesidad de que todas las personas pudieran desarrollar su propia creatividad, se convierte en «Ojala pudiera ser artista» o «No todo el mundo puede ser artista».

No todo el mundo es un artista, pero sí puede tener una parte activa en un proyecto artístico. En Secret Strike. Inditex (2006), la artista Alicia Framis explora las relaciones interpersonales en los ámbitos laborales, para ello cuenta con la colaboración de las empresas e instituciones en las que filma sus vídeos, en este caso, Inditex, el emporio gallego de la moda. Alicia Framis propone la realización de una acción mínima (la congelación, durante unos minutos, de toda actividad) que hipotéticamente puede tener un impacto enorme (la reducción de los índices de producción de las empresas). De esta manera, Alicia Framis nos recuerda el gran impacto que pueden tener las pequeñas acciones personales.

El círculo de historias se completa y se expande con All the Stories (2001), de Dora García, un vídeo que documenta una performance que lleva a cabo un narrador dispuesto a recitar… “todas las historias del mundo”. Para la grabación seleccionó cuarenta de las tres mil que hasta ahora ha recogido y que continúan creciendo en Internet (http://www.doragarcia.net/insertos/ todaslashistorias). El vídeo, lejos de ser una obra cerrada, es la resonancia de un proyecto de esencia inacabada, abierta: “Un hombre, una mujer, recita en voz alta todas las historias del mundo. Cuando haya terminado, todas las historias, todos los hombres y todas las mujeres, todo el tiempo y todos los lugares habrán pasado por sus labios”.

Transgeneracions 2 es la respuesta a una invitación: la de trabajar a partir de la idea de «generación». Este ha sido el punto de partida para iniciar un proceso de investigación, para abrir espacios para el diálogo, para el intercambio y la reflexión conjunta y cruzada. Se han incorporado voces, visiones y experiencias de más de un centenar de agentes, entre artistas, críticos, comisarios, personas relacionadas con museos e instituciones y gestores culturales.

Transgeneracions 2 se ha propuesto la recopilación de información y testimonios a partir de conversaciones, declaraciones, cuestionarios, documentos y trabajos. Tres artistas, Daniel Jacoby, Efrén Álvarez y Xavier Gavín darán forma (digital, analógica y audiovisual, respectivamente) a toda la información recopilada, contribuyendo a su interpretación.

Trangeneracions 2 es un proyecto comisariado por Montse Badia y Alex Brahim

www.transgeneracions.net

Six degrees of separation presenta una selección de vídeos pertenecientes a Cal Cego (www.calcego.com), una colección privada centrada en el presente y en la que la fotografía y el vídeo tienen una presencia destacada. «Seis grados de separación», el eje que articula el programa de vídeos seleccionados, es una teoría basada en la idea de que cualquier persona del mundo puede estar conectado a cualquier otra a través de una cadena de conocidos que no tiene más de cinco intermediarios. La teoría, inicialmente propuesta en el relato Chains (1929), del escritor húngaro Frigyes Karinthy, se basa en la idea que el número de conocidos crece exponencialmente con el número de enlaces en la cadena, y sólo un pequeño número de enlaces son necesarios para conectar a toda la humanidad.

Programa:
Six degrees of separation es un punto de partida que más que pretender encontrar el nexo de unión (que a veces puede ser anecdótico) entre los artistas y los vídeos que presentamos, quiere enfatizar la serie de enlaces que los vídeos seleccionados comparten y que van del yo individual al yo social, iniciándose en el individuo y su necesidad de definirse, de conocerse y de relacionarse con el entorno, para pasar a ofrecer su propia visión del mundo, a menudo incorporando elementos que forman parte del imaginario colectivo.

David Shrigley. Who I am and what I want, 2005. 7’23».
Historia de una vida de excesos que han llevado a Pete, su protagonista, a alejarse de la feroz competitividad y exiliarse en el bosque, donde convive con los animales.

Pipilotti Rist. I want to see how you see, 2003. 4’48».
Cuento lírico que es reproducido sobre imágenes de una persona donde cada parte de su cuerpo representa, simbólicamente, una parte del mundo.

David Bestué / Marc Vives. Acciones en casa. 2005. 33′.
Continuación de un trabajo anterior, Acciones en Mataró, trasladando en este caso el escenario dentro de los límites de un piso del Eixample.

José Álvaro Perdices. 47 names. 2004. 12’37».
Exploración de la configuración de la individualidad a través de cuarenta y siete niños de South Central Los Ángeles a los que se les pide que griten sus nombres.

Javier Codesal. La Biblia en 25 frases. 3’29».
Selección totalmente subjetiva y aleatoria de 25 frases de La Biblia con las que se configura una nueva narración.

Christian Jankowski. Flock. 2002. 12’15».
Un grupo de visitantes a una exposición es transformado en un rebaño de ovejas. De esta manera se cierra el «círculo mágico» con el que Jankowski explora las relaciones entre el artista, la institución y el espectador.

Martí Anson. Walt & Travis. Cinema version 2003. 22′.
Film rodado en los Estados Unidos con fidelidad a los códigos y formatos de las road movies, aunque poniendo el énfasis y se recreándose en todos aquellos momentos o situaciones que en una road movie nunca aparecen.

SOBRE LA REPRESENTACIÓN DEL AMOR

El amor es una noción más bien relativa. Rara vez es objeto de estudio serio, aunque está omnipresente en la música, el cine, la literatura, el teatro y, por supuesto, en la vida. La palabra evoca una gama muy variada de asociaciones, desde las estrategias de marketing más irremediablemente kitsch hasta las facetas más íntimas de nuestra existencia o los iconos que conforman nuestra memoria colectiva. Traducidos en imágenes: los corazones y cupidos en los escaparates del día de San Valentín, las atractivas parejas jóvenes utilizadas para promocionar la venta de todo tipo de productos (vacaciones, coches, cosméticos, perfumes, tabaco, bebidas, etc.), los recuerdos de nuestras propias experiencias personales, el beso de Humphrey Bogart e Ingrid Bergman en Casablanca…

El concepto de amor está ligado a nociones esenciales como la identidad, las relaciones sociales y personales y la política. Desde el punto de vista científico, se considera una noción relativa. Las investigaciones y explicaciones de psicólogos, sociólogos, economistas, biólogos y antropólogos sirven para crear las pequeñas piezas individuales de un rompecabezas que cobra sentido cuando se observa en su totalidad. Así, los psicoanalistas interpretan el comportamiento amoroso como el producto de nuestras primeras experiencias como niños, los biólogos lo reducen a una serie de reacciones químicas, los sociólogos explican las nuevas formas de relaciones personales como una reacción a la aparición de nuevas enfermedades, e incluso los economistas observan una relación entre la frecuencia de las aventuras amorosas en el entorno laboral y los balances de fin de año de la empresa.

Depicting Love aborda la noción de amor desde diferentes perspectivas. El proyecto toma como punto de partida un libro imprescindible de Roland Barthes, Fragmentos del discurso de un amante(1). Quizás lo más significativo de este libro es su formulación, que cuestiona las diferentes maneras de relatar la experiencia del sujeto como amante. El libro se articula a partir de nociones (ordenadas de la A a la Z) que el autor define en términos tanto teóricos como personales.

En el plano formal, el proyecto Depicting Love consta de dos partes claramente diferenciadas: – un programa de proyecciones que retoma siete nociones clave del libro de Barthes para presentar proyectos de vídeo de artistas internacionales en conexión con largometrajes; – una recopilación en DVD de nuevas producciones de una docena de artistas internacionales, creada específicamente para este contexto.

De este modo, el proyecto Depicting Love se configura como una especie de exposición móvil, y por tanto versátil y dinámica. Al mismo tiempo, este formato refleja la realidad actual de nuestras sociedades cada vez más estandarizadas en las que la movilidad y el cuestionamiento del sentido del “lugar” han pasado a ser vistos como factores prioritarios. También en este contexto, la experiencia de la imagen está ineludiblemente asociada a la imagen en movimiento. Depicting Love, el programa de proyecciones que se presenta durante siete días consecutivos, está formado por una veintena de proyectos de vídeo de diferentes artistas y siete películas que, desde diferentes tiempos y contextos, han reflexionado sobre el tema del amor y que ahora se proyectan en relación con siete nociones clave del Discurso de un amante de Roland Barthes. Así, en el programa Afirmación se han incluido los proyectos de Zbig Rybczynski, Pipilotti Rist, Chris Cunningham y Annika Ström. Ulay/Abramovic, Yael André y Sadie Benning, entre otros, han abordado la idea barthesiana de Encuentro. Rivane & Sergio Neuenschwander, Valie Export y Rui Calçada Bastos se incluyen en el programa Carta, mientras que Heman Chong y Jordi Moragues, entre otros, han abordado la noción de Signos. Los proyectos de Lutz Mommartz, Bas Jan Ader y Nuria Channel exploran la idea de lo Insoportable. Bjørn Melhus, A. P. Komen/Karen Murphy, Sophie Calle & Greg Shephard y Gino Rubert se incluyen en el programa Incognoscible. Por último, Christian Jankowski, Lorna Simpson y Vito Acconci se han centrado en la idea de Espera. Entre las películas proyectadas durante las sesiones destacan Darling (1965) de John Schlesinger, Brief Encounter (1945) de David Lean, Dangerous Liasons (1989) de Stephen Frears o A Short Film About Love (1988) de Krzysztov Kiesslowski, entre otras. El DVD Depicting Love reúne una serie de nuevos proyectos que utilizan la fotografía, el dibujo, la imagen en movimiento, el texto, el sonido, los enlaces de Internet y otras posibilidades demasiado numerosas para enumerarlas aquí, sugeridas por los artistas invitados a participar en este proyecto: Chema Alvargonzález, Martí Anson, Maurycy Gomulicki, Leiko Ikemura, Andreas M. Kaufmann, Yves Netzhammer, Mabel Palacín, Susan Philipsz, Francesc Ruiz, Jan Rothuizen, Sam Samore y Young-Hae Chang. La variedad de propuestas y enfoques aquí —lúdicos, irónicos, poéticos, críticos o comprometidos— se combinan para crear una definición multifacética de la noción de amor y brindar una liberación de los prejuicios que trivializan o niegan la trascendencia política de cuestiones que involucran profundamente la dimensión individual y el ámbito de la subjetividad personal.

(1) Traducción del francés: R. Howard, J. Cape, Londres, 1975; Edición original: Roland Barthes, Fragments d’un Discours Amoureux, París, 1975; Editions du Soleil.

(texto del folleto)

AMOR AMOR AMOR: El amor está en el aire. Todo está lleno de amor. Todo lo que necesitas es amor… El amor está omnipresente en la música, el cine, la literatura, el teatro y, por supuesto, en la vida. Aunque la noción de amor está ligada a prácticas esenciales como la identidad, las relaciones sociales y personales y la política, rara vez ha sido objeto de un estudio serio. Desde el punto de vista científico, se considera una noción relativa. Las investigaciones y explicaciones de psicólogos, sociólogos, economistas, biólogos y antropólogos sirven para crear las pequeñas piezas individuales de un rompecabezas que tiene sentido cuando se observa en su totalidad. Los psicoanalistas ven el comportamiento amoroso como el producto de nuestras primeras experiencias de infancia, los biólogos lo reducen a una serie de reacciones químicas, los sociólogos explican las nuevas formas de relaciones personales como una reacción a la aparición de nuevas enfermedades e incluso los economistas observan una relación entre la frecuencia de las aventuras amorosas en el entorno laboral y los balances de fin de año de la empresa.

Depicting Love pretende abordar esta noción desde diferentes perspectivas y, al mismo tiempo, plantear algunas cuestiones cruciales. El proyecto Depicting Love, que consta de un programa de proyecciones y del presente DVD, toma como punto de partida un libro seminal de Roland Barthes, Fragments d’un Discours Amoureux (Editions du Soleil, París, 1975). Tal vez lo más significativo de este libro sea su formulación, al cuestionar las diferentes maneras de comunicar la experiencia del sujeto como amante. Barthes propone un retrato (estructural más que biográfico) en el que el sujeto que ama se habla a sí mismo, en confrontación con el sujeto amado, que no habla. El libro se articula a partir de nociones (ordenadas de la A a la Z) que el autor define en términos tanto teóricos como personales.

Chema Alvargonzález, Martí Anson, Maurycy Gomulicki, Oliver Held, Leiko Ikemura, Andreas M. Kaufmann, Mabel Palacín, Susan Philipsz, Francesc Ruiz, Jan Rothuizen, Sam Samore y Young-Hae Chang son los doce artistas internacionales que han aceptado la invitación a crear una obra nueva utilizando el libro de Barthes como punto de partida, inspiración o reflexión. De este modo, el DVD Depicting Love se configura como una especie de exposición móvil —y por ello versátil y dinámica— en la que las aportaciones de los artistas, en una amplia variedad de formatos, adquieren la condición de proyectos originales.

La afirmación del amor (a pesar de todo), la ausencia del ser amado y la espera interminable, el deseo de que el ser amado cumpla nuestras expectativas, la incertidumbre de las señales, la euforia del primer encuentro libre de las dificultades que toda relación afectiva conlleva, el deseo incontenible, el enigma que representa el otro y las cargas del pasado que todos llevamos con nosotros son algunos de los aspectos que los artistas exploran en sus proyectos.

La variedad de propuestas y enfoques aquí —lúdicos, irónicos, poéticos, críticos o comprometidos— se combinan para crear una definición multifacética de la noción de amor y brindar una liberación de los prejuicios que trivializan o niegan la trascendencia política de cuestiones que involucran la dimensión individual o personal.

(textos del programa de proyecciones)

Retratar el amor, el programa de proyecciones que se presenta durante siete días consecutivos, está integrado por una veintena de trabajos en vídeo de distintos artistas y siete largometrajes que, desde diferentes tiempos y contextos, han reflexionado sobre el tema del amor y que ahora se proyectan en relación con siete nociones clave del Discurso de un amante de Roland Barthes: afirmación, encuentro, carta, canto, insoportable, incognoscible y espera.

La variedad de propuestas y planteamientos —lúdicos, irónicos, poéticos, críticos o comprometidos— se combinan para crear una definición poliédrica de la noción de amor y suponen una liberación de los prejuicios que banalizan o niegan la trascendencia política de cuestiones que inciden profundamente en la dimensión individual y en el ámbito de la subjetividad personal.

Programa de proyecciones:

Afirmación
(Contra y a pesar de todo, el sujeto afirma el amor como valor. Bejahung – Entgegen und trotz allem bejaht das Subjekt die Liebe als Wert)

Depicting Love, 2004. DVD. 3’08” – Oliver Held
Imagine, 1986. DVD. 3’20”– Zbig Rybczynski
I am a victim of this song, 1995. DVD. 5’ – Pipilotti Rist
All is Full of Love, 1999. DVD. 4’12” – Chris Cunningham
Ten New Love Songs, 1999. DVD. 22’ – Annika Ström
Darling – John Schlesinger. GB 1965. 35 mm. 122’

Encontrar
(La figura se refiere al feliz intervalo inmediatamente posterior al primer rapto, antes de que comiencen las dificultades de la relación amorosa. Begegnung – Die Figur bezieht sich auf die glückliche Zeit unmittelbar nach der ersten Verzückung, bevor sich noch die Komplikationen der Liebesbezeiehung bemerkbar machen)

Depicting Love, 2004. DVD. 3’08” – Oliver Held
It wasn’t love, 1992. DVD. 20’ – Sadie Benning
Relation in space, 1976. DVD. 14’52” – Ulay/Abramovic
One Night, 1997. DVD, 26’09” – Jordi Moragues
Histoires d’Amour, 1997. DVD. 60’ – Yael André
Brief Encounter – David Lean. GB 1945. 35 mm. 86’

Carta
(Esta figura se refiere a la dialéctica especial de la carta de amor, tanto en blanco (codificada) como expresiva (cargada de anhelo de significar deseo). Breve – Die Figur zielt auf die besondere Dialektik des Liebesbriefes ab, der leer (codiert) und zugleich expressiv ist (von dem Bedürfnis getragen, das Verlangen mitzuteilen))

Depicting Love, 2004. DVD. 3’ 08”- Oliver Held
Quadrifoglio, 2000. DVD. 7’56” – Rui Calçada Bastos
Breath Text: Love Poem, 1970-73. DVD. 2’30” – Valie Export
Love Lettering, 2002. DVD. 6’22” – Rivane & Sergio Neuenschwander
Dangerous Liasions – Stephen Frears. USA/GB 1989. 35 mm. 120’

Señales
(Ya sea que busque demostrar su amor o descubrir si el otro lo ama, el sujeto amoroso no tiene ningún sistema de signos seguros a su disposición. Zeichen – Sei es, daß es ihm seine Liebe beweisen will, sei es, daß es sich zu enträtseln müht, ob der Andere es liebt: dem liebenden Subjekt steht keinerlei sicheres Zeichensystem zur Verfügung)

Depicting Love, 2004. DVD. 3’08” – Oliver Held
Love Story, 1998. DVD. 2’30” – Antoni Abad
Pale Testament, 1999-2000. DVD. 8’8” – Heman Chong
A Short Film about Love – Krzystov Kiesslowski. P 1988. 35 mm. 87’

Inaguantable
(El sentimiento de una acumulación de sufrimientos amorosos estalla en este grito: “Esto no puede continuar…”. Unerträglich – Das Gefühl einer Häufung von Liebeskümmernissen zerbirst in dem Aufschrei: „Es kann nicht, es kann nicht so bleiben“)

Depicting Love, 2004. DVD. 3’08” – Oliver Held
I am too sad to tell you, 1971. DVD. 1’57” – Bas Jan Ader
Basic Kit, 1994. DVD. 4’ – Nuria Canal
Als wär’s von Beckett, 1976. DVD. 20’ – Lutz Mommartz
Le Roman de Werther – Max Ophüls. F 1938. 35 mm. 85’

Desconocido
(Esfuerzos del sujeto amoroso por comprender y definir al ser amado “en sí mismo”, mediante algún estándar de tipo de carácter, personalidad psicológica o neurótica, independiente de los datos particulares de la relación amorosa. Unbegreiflich – Versuche des liebenden Subjekts, das geliebte Wesen „an sich“ zu verstehen und im Sinne des charakterologischen, psychologischen oder neurotischen Typs zu definieren, unabhängig von den besonderen Gegebenheiten der Liebesbeziehung)

Depicting Love, 2004. DVD. 3’08” – Oliver Held
The Love Loop, 2002. DVD. 2’26” – Gino Rubert
Das Zauberglas, 1991. DVD. 6’ – Bjørn Melhus
Love Bites, 1998. DVD. 11’ – A.P.Komen / Karen Murphy
Double Blind (No sex last night), 1992. 35 mm. 76’ – Sophie Calle & Greg Shephard
Le Mariage d’Alex – Jean-Marie Teno. C/F 2002. 35 mm. 45’

Espera
(Tumulto de ansiedad provocado por la espera del ser amado, sujeto a retrasos triviales (citas, cartas, llamadas telefónicas, devoluciones). Erwartung – Angstaufwallung, die durch das Warten auf das geliebte Wesen ausgelöst wird, nach Maßgabe kleiner Verspätungen (Verabredungen, Telephonanrufe, Briefe, Heimkehrverzögerungen))

Depicting Love, 2004. DVD. 3’08” – Oliver Held
Let’s get Physical/Digital, 1997. DVD. 20’ – Christian Jankowski
Call Waiting, 1997. DVD. 13’11” – Lorna Simpson
Die Ehe der Maria Braun – Rainer Werner Fassbinder. D 1978. 35 mm. 120’

En un momento de “Luces de Bohemia”, Valle-Inclán habla en boca de su protagonista, Max Estrella: „Los héroes clásicos reflejados en los espejos cóncavos dan el Esperpento. El sentido trágico de la vida sólo puede darse con una estética sistemáticamente deformada“.

Los dibujos de David Shrigley aluden al lado más oscuro de la existencia cotidiana. Son directos, sin concesiones y muestran los aspectos más absurdos de nuestra sociedad. Para él, “el humor es sólo el azúcar con el que se adorna el mensaje para hacerlo más dulce”. Con una estética “do-it-yourself”, absolutamente personal y “low tech”, Shrigley utiliza múltiples formatos (dibujos, animaciones, esculturas, posters, instalaciones, páginas web, fotografías, múltiples, postales, portadas de discos, libros y camisetas) para hacer más accesibles sus trabajos. Artista, músico y cineasta, Shrigley utiliza el texto –tachaduras incluídas- para añadir significado a sus dibujos.

El universo Shrigley (del cual da buena cuenta su página web: http://www.davidshrigley.com) está presidido por una crueldad casi infantil y una fascinación por aspectos no vinculados al mundo de los adultos, es decir, a un mundo regido por normas y convenciones. De este modo, suciedad, fluidos, animales, insectos, monstruos o personajes absolutamente asociales pueblan sus trabajos. Así lo explicaba Katrina M. Brown en un texto sobre el artista: “En la obra de Shrigley encontramos un humor ineludible. Sin embargo, no se trata de un ingenio ligero y brillante, sino antes bien, marcadamente siniestro y con una inclinación hacia lo que hay de inferior en la vida”. Los insectos, los fluidos, la suciedad, lo que se esconde aparece en primer plano. Como los seres apelotonados de ojos sorprendidos de su obra “The Contents of the Gap between the Refrigerator and the Cooker”, o lo que es lo mismo, todos los gérmenes, animalitos, basuras, restos de comida y demás elementos imaginables e inimaginables que con los años se acumulan en espacios tan invisibles como el hueco que queda entre la nevera y la cocina. Todos ellos son producto de la fantasía, o mejor, de la pesadilla, y evocan todo un mundo ajeno a normas y convenciones, ajeno al control y a las apariencias.

Los protagonistas de sus obras acostumbran a ser personajes extraños, sociópatas, crueles y entrañables a la vez, que experimentan situaciones que evidencian lógicas extrañas y en las que hacen acto de presencia el miedo, las fobias, el amor, la crueldad y también la ternura. Es el caso de Pete, el desequilibrado protagonista de la animación “Who I am and what I want”, realizada en colaboración con Chris Shepherd. Pete nos habla acerca de su vida, sus deseos y sus sueños. Nos cuenta la historia de una vida de excesos que le ha llevado a alejarse de la feroz competitividad de la ciudad y exiliarse en el bosque, donde convive con los animales. Lo extraño se convierte en habitual, lo ordinario da paso a lo extraordinario.

Existe un David Shrigley tierno y sutil, como cuando realiza la fotografía de un globo con la cara sonriente que aparece entre las sábanas de una cama desecha. Sin embargo existe también un Shrigley más ácido y amargo, que presenta un gato disecado sin cabeza, una ardilla disecada que sostiene su cabeza entre sus manos como si fuera una nuez o un diente lleno de caries frente a un espejo (“What Decay Looks Like”).

Los dos trabajos que David Shrigley presenta en el Centro de Arte Santa Mónica no muestran de una manera evidente el lenguaje de este artista. Tanto en la animación «Sleep» como en la instalación «Insects», el humor no es el elemento más destacado. En esta ocasión, Shrigley prescinde del azúcar que podría hacer más dulce el mensaje. «Sleep» no tiene un inicio ni un final claros. Durante los ocho minutos que dura la animación, la acción se reduce a un hombre (de físico no precisamente agradable) tumbado en su cama que duerme, respira profundamente, a veces mueve levemente las manos, cambia la posición de su cabeza y modifica su expresión en función de sus sueños. Quizá sus sueños aparezcan poblados por un universo extraño, el que encontramos en la segunda planta, poblada por un ejército de insectos y otros elementos, de factura muy casera, con cuerpos de metal y mil formas imaginables. De nuevo, el sueño y los insectos, escapan a las normas, al control y a las convenciones, se mueven en un territorio de no consciencia, en el reino de lo latente, de lo oculto, en un espacio asocial, en el que afloran todos los miedos, dudas e inseguridades. Se reflejan y nos reflejan en espejos cóncavos que no hacen sino sacar a la luz aspectos tremendamente humanos.

Montse Badia
Septiembre 2008